微调是一个术语，通常用于描述使用比传统西方半音更小的音程创作的音乐。
它试图摆脱传统的音乐结构，转而关注独特的音程，从而创造出更加多样和富有表现力的主观音景。
随着作曲家越来越多地通过他们的音乐探索新的表达方式，微调音乐在过去十年中越来越受欢迎。
它最常出现在电子和基于电子的流派中，例如 EDM，但它也会进入流行、爵士和古典风格等。
微调扩展了作曲中使用的乐器和声音的范围，从而可以创建只能通过使用微调才能听到的完全独特的声场。
除了其创造性的应用之外，微分音音乐还用于分析目的——使音乐家能够以比“传统”平均律调音（使用半音）更准确地研究或分析不寻常的调音系统和音阶。
这允许更仔细地检查音符之间的谐波频率关系。
微调的定义
微调性是音乐理论中用来描述音程小于半音的音乐的术语。 它是用于表示小于西方音乐半音的音程的术语。 微调性并不局限于西方音乐，在世界上许多文化的音乐中都可以找到。 让我们探讨一下这个概念在音乐理论和作曲中的意义。
什么是微音？
微音是音乐中用来描述介于西方传统 12 音调音调之间的音高或音调的度量单位。 这种组织通常被称为“微调”，广泛用于古典音乐和世界音乐，并且在作曲家和听众中越来越受欢迎。
微调可用于在给定的音调系统中创建不寻常的纹理和意想不到的和声变化。 传统的 12 音调将一个八度音程分为十二个半音，而微调使用的音程比古典音乐中的音程精细得多，例如四分音、三分音调，甚至更小的音程，称为“超复音”音程。 这些非常小的单元通常可以提供一种独特的声音，这种声音在人耳聆听时可能难以区分，或者可以创造出以前从未探索过的全新音乐组合。
微音的使用允许表演者和听众在非常基本的水平上与音乐材料互动，通常让他们听到他们以前无法听到的细微差别。 这些细微的相互作用对于探索复杂的和声关系、创造钢琴或吉他等传统乐器无法实现的独特声音，或通过聆听发现全新的强度和表达世界至关重要。
微调与传统音乐有何不同？
微调是一种音乐技巧，它允许将音符分成比传统西方音乐中使用的音程更小的单元，传统西方音乐基于半音和全音。 它使用的音程比古典音调的音程窄得多，将八度音程细分为多达 250 个或更多的音调。 微调音乐不依赖于传统音乐中的大调和小调音阶，而是使用这些较小的音阶创建自己的音阶。
微调音乐通常会产生意想不到的不和谐音（两个或多个音高的鲜明对比组合），以传统音阶无法获得的方式集中注意力。 在传统和声中，超过四个的音符簇由于它们的冲突和不稳定性而容易产生不舒服的感觉。 相比之下，微调和声产生的不和谐音听起来非常悦耳，具体取决于它们的使用方式。 这种独特性可以为一段音乐赋予精致的质感、深度和复杂性，从而允许通过不同的声音组合进行创造性的表达和探索。
在微调音乐中，某些作曲家也有机会通过借鉴非西方古典音乐传统（例如北印度拉格斯或非洲音阶，其中采用四分音或更精细的音阶）将他们的文化遗产融入到他们的作品中。 微调音乐家采用了这些形式的一些元素，同时通过将它们与西方音乐风格的元素相结合，使它们具有现代感，开创了一个激动人心的音乐探索新时代！
微调的历史
微调在音乐中有着悠久而丰富的历史，可以追溯到最早的音乐传统和文化。 自 20 世纪初以来，Harry Partch 和 Alois Hába 等微调作曲家一直在创作微调音乐，而微调乐器的历史甚至更长。 虽然微调通常与现代音乐相关联，但它受到世界各地文化和实践的影响。 在本节中，我们将探讨微调的历史。
古代和早期音乐
微调——使用小于半音的音程——有着悠久而丰富的历史。 古希腊音乐理论家毕达哥拉斯发现了音程与数值比率的方程式，为埃拉托色尼、阿里斯托克西努斯和托勒密等音乐理论家发展他们的音乐调律理论铺平了道路。 17 世纪键盘乐器的引入为微调探索创造了新的可能性，使得尝试超越传统调律调音的比率变得更加容易。
到 19 世纪，人们已经达成了一种理解，其中包括微调敏感性。 法国（d'Indy 和 Debussy）的比率形态循环等发展见证了在微音组成和调音系统方面的进一步实验。 在俄罗斯，阿诺德·勋伯格探索了四分音阶，许多俄罗斯作曲家在亚历山大·斯克里亚宾的影响下探索了自由和声。 德国的作曲家阿洛伊斯·哈巴 (Alois Hába) 紧随其后，他基于四分音调开发了自己的系统，但仍坚持传统的和声原则。 后来，Partch 开发了自己的纯音调调音系统，至今仍受到一些发烧友的欢迎（例如 Richard Coulter）。
20 世纪见证了古典、爵士、现代前卫和极简主义等许多流派中微调作曲的巨大热潮。 Terry Riley 是极简主义的早期支持者之一，La Monte Young 使用扩展的泛音，包括音符之间出现的和声来创造音景，只使用正弦波发生器和无人机来吸引观众。 早期的乐器，如四重奏 d'accordi 是专门为这些目的而制造的，由非正统制造商提供服务或由尝试新事物的学生定制。 最近，计算机允许通过专门为此目的设计的新型控制器进行更多的微音实验，而软件包使作曲家能够更轻松地探索微音实验音乐创作中可用的无限可能性早期的表演者会因为纯粹的数字而避免手动控制涉及或身体限制限制了他们在任何一个时间点可以控制的旋律。
20世纪微调音乐
二十世纪，现代主义作曲家开始尝试微调组合，用它们来摆脱传统的调性形式，挑战我们的耳朵。 在对调音系统进行了一段时间的研究并探索了四分之一音、五分音和其他微调和声之后，在 20 世纪中叶，我们发现了微调先驱的出现，例如 Charles Ives、Charles Seeger 和 George Crumb。
查尔斯·西格 (Charles Seeger) 是一位音乐学家，他倡导综合调性——一种所有十二个音符均匀调音的系统，并且在音乐创作和演奏中具有同等重要性。 Seeger 还建议像五度这样的音程应该分为三度或七度，而不是通过八度音阶或纯四度来和谐地加强。
在 1950 世纪 24 年代后期，法国音乐理论家亚伯拉罕·摩尔斯发明了他所谓的“超声波法”或“半音阶”，其中 1966 个音符音阶在一个八度内分为两组，每组 XNUMX 个音符，而不是一个单一的半音阶。 这允许同时出现不协和音，例如三全音或增四度，可以在皮埃尔布列兹的第三钢琴奏鸣曲或罗杰雷诺兹的四个幻想（XNUMX 年）等专辑中听到。
最近，朱利安·安德森 (Julian Anderson) 等其他作曲家也探索了通过微分音写作实现的新音色世界。 在现代古典音乐中，微音被用来通过微妙但美妙的声音不和谐来制造紧张和矛盾，这些不和谐几乎可以逃避我们人类的听觉能力。
微调音乐的例子
微调是一种音乐，其中音符之间的音程被分成比传统调音系统（例如十二音平均律）更小的增量。 这允许创建不寻常且有趣的音乐纹理。 微调音乐的例子涵盖了多种流派，从古典音乐到实验音乐等等。 让我们探讨其中的一些。
哈利Partch
哈里·帕奇 (Harry Partch) 是微调音乐界最著名的先驱之一。 美国作曲家、理论家和乐器制造商帕奇在很大程度上被认为是该流派的创造和发展。
Partch 以创造或启发整个微调乐器系列而闻名，包括改编小提琴、改编中提琴、Chromelodeon (1973)、Harmonic Canon I、Cloud Chamber Bowls、Marimba Eroica 和 Diamond Marimba 等等。 他将他的整个乐器家族称为“有形”乐器——也就是说，他将它们设计为具有特定的声音特征，以便发出他想要在音乐中表达的特定声音。
帕奇的剧目包括一些开创性的作品——《迷惑》(1948-9)、《俄狄浦斯》(1954) 和《第七天花瓣落在佩塔卢马》(1959)。 在这些作品中，Partch 将 Partech 建立的音调调音系统与打击乐演奏风格和有趣的概念（如口语）相结合。 他的风格是独一无二的，因为它将旋律段落以及前卫技术与超越西欧音调界限的音乐世界融合在一起
帕奇对微调的重要贡献至今仍然具有影响力，因为他为作曲家提供了一种探索传统西方调性之外的调音的方法。 他融合了来自世界各地其他音乐文化的各种流派——尤其是日本和英国民谣——创造了真正原创的东西，通过他的企业风格，包括在金属碗或木版上敲击和对着瓶子或花瓶唱歌。 哈利·帕奇 (Harry Partch) 作为作曲家的非凡典范脱颖而出，他尝试用激动人心的方法创作微调音乐！
娄·哈里森
卢·哈里森 (Lou Harrison) 是一位美国作曲家，在微调音乐方面作了大量创作，通常被称为“美国微调音乐大师”。 他探索了多种调音系统，包括他自己的纯音调系统。
他的作品“La Koro Sutro”是微调音乐的一个很好的例子，使用了由每八度 11 个音符组成的非标准音阶。 这首曲子的结构以中国戏曲为基础，包括使用非传统的声音，如颂钵和亚洲弦乐器。
哈里森的其他作品体现了他在微音调方面的多产作品，包括“和平弥撒”、“大二重奏”和“四首严格的歌曲漫谈”。 他甚至钻研自由爵士乐，例如他 1968 年的作品“来自缅因州的未来音乐”。 与他早期的一些作品一样，这首作品的音高仅依赖于语调调整系统。 在这种情况下，音高音程基于所谓的和声系列系统——一种用于产生和声的常见纯音调技术。
Harrison 的微分调作品展示了美丽的复杂性，并为那些寻找有趣的方式来在自己的作品中扩展传统调性的人提供了基准。
本·约翰斯顿
美国作曲家本·约翰斯顿被认为是微调音乐界最杰出的作曲家之一。 他的作品包括管弦乐队变奏曲、弦乐四重奏 3-5、代表作微调钢琴奏鸣曲和其他几部著名作品。 在这些作品中，他经常使用替代调音系统或微音，这使他能够探索传统十二音平均律无法实现的更多和声可能性。
约翰斯顿开发了所谓的扩展纯语调，其中每个音程由两个八度音程范围内的许多不同声音组成。 他创作的作品几乎涵盖所有音乐流派——从歌剧到室内乐和计算机生成的作品。 他的开创性作品为微调音乐的新时代奠定了基础。 他在音乐家和院士中获得了显着的认可，在他成功的职业生涯中为自己赢得了无数奖项。
如何在音乐中使用微调
在音乐中使用微调可以为创作独特、有趣的音乐开辟一系列全新的可能性。 微调允许使用传统西方音乐中没有的音程和和弦，允许进行音乐探索和实验。 本文将介绍什么是微调性、它在音乐中的使用方式以及如何将其融入您自己的作品中。
选择调整系统
在音乐中使用微调之前，您需要选择一个调音系统。 调音系统有很多种，每一种都适用于不同类型的音乐。 常见的调音系统包括：
- 纯音调：纯音调是一种将音符调整为听起来非常悦耳自然的纯音程的方法。 它基于完美的数学比率并且仅使用纯音程（例如全音、五度等）。 它经常用于古典音乐和民族音乐学音乐。
- 平均律：平均律将八度分为十二个相等的间隔，以便在所有键上产生一致的声音。 这是当今西方音乐家最常用的系统，因为它非常适合频繁调制或在不同音调之间移动的旋律。
-Meantone Temperament：Meantone temperament 将八度分为五个不相等的部分，以确保关键音程的正确语调 - 使某些音符或音阶比其他音符更辅音 - 并且对于专攻文艺复兴音乐，巴洛克音乐或某些音乐的音乐家可能特别有用民间音乐的形式。
-和声律：该系统与平均律不同，它引入了细微的变化，以产生更温暖、更自然的声音，不会让听者长时间疲劳。 它经常用于即兴爵士乐和世界音乐流派以及巴洛克时期创作的古典管风琴作品。
了解哪种系统最适合您的需求将帮助您在创作微调作品时做出明智的决定，并且还将阐明您在创作作品时可以使用的某些构图选项。
选择微分音器
在音乐中使用微调性始于乐器的选择。 许多乐器，例如钢琴和吉他，都是为等律调音而设计的——一种使用 2:1 八度键构建音程的系统。 在这个调音系统中，所有音符被分成 12 个相等的音程，称为半音。
为平均律调音设计的乐器仅限于在每个八度音程只有 12 个不同音高的音调系统中演奏。 要在这 12 个音高之间产生更精确的音色，您需要使用专为微调设计的乐器。 这些乐器能够使用各种不同的方法在每个八度音程中产生超过 12 种不同的音调——一些典型的微分音乐器包括无品弦乐器，如 电吉他、弓弦乐器，如小提琴和中提琴、木管乐器和某些键盘（如 flexatones）。
乐器的最佳选择取决于您的风格和声音偏好——一些音乐家喜欢使用传统的古典乐器或民间乐器，而另一些音乐家则喜欢尝试电子合作或回收的管子或瓶子等回收物品。 一旦你选择了你的乐器，就该探索微调的世界了！
练习微调即兴创作
当开始使用微调时，系统地练习微调即兴创作可能是一个很好的起点。 与任何即兴练习一样，重要的是要跟踪您正在演奏的内容并分析您的进度。
在练习微调即兴创作期间，努力熟悉您的乐器的功能并开发一种能够反映您自己的音乐和作曲目标的演奏方式。 您还应该注意即兴创作时出现的任何模式或主题。 反思在即兴段落中似乎运作良好的内容是非常有价值的，因为这些类型的特征或人物可以在以后融入您的作品中。
即兴创作对于提高使用微调的流畅性特别有用，因为您在即兴创作过程中遇到的任何技术问题都可以在后期的作曲阶段得到解决。 在技术和创意目标方面提前计划可以让您在事情没有按计划进行时获得更多的创意自由！ 微调即兴创作也可以在音乐传统中拥有坚实的基础——考虑探索深深植根于各种微调实践的非西方音乐系统，例如在北非的贝都因部落中发现的那些，等等！
结论
总之，微调是一种相对较新但重要的音乐创作和表演形式。 这种形式的作曲涉及操纵八度音阶内可用音调的数量，以创造独特的新声音和情绪。 尽管微调已经存在了几个世纪，但在过去的几十年里它变得越来越流行。 它不仅允许更伟大的音乐创作，而且允许某些作曲家表达以前不可能的想法。 与任何类型的音乐一样，艺术家的创造力和知识对于确保微调音乐发挥其全部潜力至关重要。
我是 Joost Nusselder，Neaera 的创始人，也是一名内容营销人员，父亲，我热爱以吉他为核心尝试新设备，并与我的团队一起，自 2020 年以来一直在撰写深度博客文章帮助忠实的读者获得录音和吉他技巧。
