Microtonality là một thuật ngữ thường được sử dụng để mô tả âm nhạc được sáng tác bằng cách sử dụng các quãng nhỏ hơn so với nửa cung truyền thống của phương Tây.
Nó cố gắng thoát khỏi cấu trúc âm nhạc truyền thống, thay vào đó tập trung vào các quãng độc đáo, do đó tạo ra các âm thanh chủ quan đa dạng và biểu cảm hơn.
Âm nhạc microtonal đã chứng kiến sự phổ biến ngày càng tăng trong thập kỷ qua khi các nhà soạn nhạc ngày càng khám phá các phương pháp thể hiện mới thông qua âm nhạc của họ.
Nó thường được tìm thấy nhiều nhất trong các thể loại điện tử và dựa trên điện tử như EDM, nhưng nó cũng tìm được đường vào các phong cách pop, jazz và cổ điển trong số những thể loại khác.
Microtonality mở rộng phạm vi của các nhạc cụ và âm thanh được sử dụng trong sáng tác, giúp tạo ra các trường âm thanh hoàn toàn độc đáo mà chỉ có thể nghe được thông qua việc sử dụng microtones.
Ngoài các ứng dụng sáng tạo của nó, âm nhạc microtonal còn phục vụ mục đích phân tích - cho phép các nhạc sĩ nghiên cứu hoặc phân tích các hệ thống điều chỉnh và thang âm bất thường với độ chính xác cao hơn mức có thể đạt được bằng cách điều chỉnh khí chất bình đẳng 'truyền thống' (sử dụng nửa cung).
Điều này cho phép kiểm tra kỹ hơn mối quan hệ tần số hài hòa giữa các nốt nhạc.
Định nghĩa về vi lượng
Microtonality là một thuật ngữ được sử dụng trong lý thuyết âm nhạc để mô tả âm nhạc với các khoảng nhỏ hơn nửa cung. Đó là thuật ngữ được sử dụng cho các quãng nhỏ hơn nửa cung của âm nhạc phương Tây. Microtonality không giới hạn trong âm nhạc phương Tây và có thể được tìm thấy trong âm nhạc của nhiều nền văn hóa trên thế giới. Hãy khám phá ý nghĩa của khái niệm này trong lý thuyết và sáng tác âm nhạc.
Microtone là gì?
Microtone là một đơn vị đo lường được sử dụng trong âm nhạc để mô tả cao độ hoặc âm sắc nằm giữa các âm của cách điều chỉnh 12 âm truyền thống của phương Tây. Thường được gọi là "microtonal", tổ chức này được sử dụng rộng rãi trong âm nhạc cổ điển và thế giới và ngày càng trở nên phổ biến đối với các nhà soạn nhạc cũng như người nghe.
Microtones rất hữu ích để tạo ra các kết cấu khác thường và các biến thể hài hòa bất ngờ trong một hệ thống âm sắc nhất định. Trong khi cách điều chỉnh 12 âm truyền thống chia một quãng tám thành XNUMX nửa cung, vi âm điệu sử dụng các quãng tốt hơn nhiều so với những quãng được tìm thấy trong nhạc cổ điển, chẳng hạn như quãng XNUMX, quãng XNUMX và thậm chí các khoảng nhỏ hơn được gọi là quãng "siêu đa âm". Các đơn vị rất nhỏ này thường có thể cung cấp âm thanh độc đáo mà tai người có thể khó phân biệt hoặc có thể tạo ra các kết hợp âm nhạc hoàn toàn mới chưa từng được khám phá trước đây.
Việc sử dụng microtone cho phép người biểu diễn và người nghe tương tác với chất liệu âm nhạc ở mức rất cơ bản, thường cho phép họ nghe được những sắc thái tinh tế mà trước đây họ không thể nghe được. Những tương tác sắc thái này rất cần thiết để khám phá các mối quan hệ hài hòa phức tạp, tạo ra âm thanh độc đáo không thể có với các nhạc cụ thông thường như piano hoặc guitar hoặc khám phá thế giới hoàn toàn mới về cường độ và biểu cảm thông qua việc nghe.
Microtonality khác với âm nhạc truyền thống như thế nào?
Microtonality là một kỹ thuật âm nhạc cho phép các nốt được chia thành các đơn vị nhỏ hơn so với các quãng được sử dụng trong âm nhạc phương Tây truyền thống, dựa trên nửa cung và cả cung. Nó sử dụng các quãng hẹp hơn nhiều so với các quãng của âm cổ điển, chia nhỏ quãng tám thành 250 âm trở lên. Thay vì dựa vào âm giai trưởng và âm giai thứ được tìm thấy trong âm nhạc truyền thống, âm nhạc vi âm tạo ra các âm giai riêng của nó bằng cách sử dụng các phân chia nhỏ hơn này.
Âm nhạc microtonal thường tạo ra sự bất hòa bất ngờ (sự kết hợp tương phản rõ rệt của hai hoặc nhiều cao độ) tập trung sự chú ý theo những cách không thể có được với thang âm truyền thống. Trong hòa âm truyền thống, các cụm nốt ngoài bốn có xu hướng tạo cảm giác khó chịu do xung đột và không ổn định của chúng. Ngược lại, sự bất hòa được tạo ra bởi hòa âm vi âm có thể nghe rất dễ chịu tùy thuộc vào cách chúng được sử dụng. Tính khác biệt này có thể mang lại kết cấu phức tạp, chiều sâu và độ phức tạp cho một bản nhạc, cho phép thể hiện và khám phá sáng tạo thông qua các kết hợp âm thanh khác nhau.
Trong âm nhạc microtonal cũng có cơ hội cho một số nhà soạn nhạc kết hợp di sản văn hóa của họ vào các tác phẩm của họ bằng cách rút ra từ các truyền thống âm nhạc cổ điển ngoài phương Tây như ragas Bắc Ấn Độ hoặc thang âm châu Phi nơi sử dụng các âm một phần tư hoặc thậm chí các phân chia tốt hơn. Các nhạc sĩ microtonal đã áp dụng một số yếu tố từ những hình thức này trong khi biến chúng thành hiện đại bằng cách kết hợp chúng với các yếu tố từ phong cách âm nhạc phương Tây, mở ra một kỷ nguyên khám phá âm nhạc mới thú vị!
Lịch sử của Microtonality
Microtonality có một lịch sử lâu dài và phong phú trong âm nhạc kéo dài từ những nền văn hóa và truyền thống âm nhạc sớm nhất. Các nhà soạn nhạc microtonal, chẳng hạn như Harry Partch và Alois Hába, đã viết nhạc microtonal từ đầu thế kỷ 20 và các nhạc cụ microtonal còn tồn tại lâu hơn nữa. Mặc dù microtonality thường được kết hợp với âm nhạc hiện đại, nhưng nó có ảnh hưởng từ các nền văn hóa và thông lệ trên khắp thế giới. Trong phần này, chúng ta sẽ khám phá lịch sử của microtonality.
Âm nhạc cổ xưa và sớm
Microtonality — việc sử dụng các khoảng nhỏ hơn nửa cung — có một lịch sử lâu dài và phong phú. Nhà lý thuyết âm nhạc Hy Lạp cổ đại Pythagoras đã khám phá ra phương trình của các quãng âm nhạc theo tỷ lệ số, mở đường cho các nhà lý thuyết âm nhạc như Eratosthenes, Aristoxenus và Ptolemy phát triển lý thuyết về điều chỉnh âm nhạc của họ. Sự ra đời của các nhạc cụ bàn phím vào thế kỷ 17 đã tạo ra những khả năng mới cho việc khám phá vi âm, giúp việc thử nghiệm các tỷ lệ vượt xa các tỷ lệ điều chỉnh truyền thống trở nên dễ dàng hơn nhiều.
Đến thế kỷ 19, người ta đã đạt được sự hiểu biết bao gồm cả sự nhạy cảm của vi âm. Những phát triển như tuần hoàn tỷ số ở Pháp (d'Indy và Debussy) đã chứng kiến các thí nghiệm tiếp theo về thành phần vi âm và hệ thống điều chỉnh. Ở Nga, Arnold Schönberg đã khám phá các thang âm một phần tư và một số nhà soạn nhạc Nga đã khám phá các hòa âm tự do dưới ảnh hưởng của Alexander Scriabin. Điều này được tiếp nối ở Đức bởi nhà soạn nhạc Alois Hába, người đã phát triển hệ thống của mình dựa trên các âm một phần tư nhưng vẫn tuân thủ các nguyên tắc hòa âm truyền thống. Sau đó, Partch đã phát triển hệ thống điều chỉnh ngữ điệu của riêng mình, hệ thống này vẫn còn phổ biến cho đến ngày nay đối với một số người đam mê (ví dụ: Richard Coulter).
Thế kỷ 20 chứng kiến sự bùng nổ lớn về sáng tác vi âm trong nhiều thể loại bao gồm cổ điển, jazz, tiên phong hiện đại và chủ nghĩa tối giản. Terry Riley là một trong những người đầu tiên đề xuất chủ nghĩa tối giản và La Monte Young đã sử dụng các âm bội mở rộng bao gồm các giai điệu xuất hiện giữa các nốt nhạc để tạo ra những khung cảnh âm thanh mê hoặc khán giả không sử dụng gì ngoài máy tạo sóng hình sin và máy bay không người lái. Các nhạc cụ ban đầu như quartetto d'accordi được chế tạo riêng cho những mục đích này với dịch vụ từ các nhà sản xuất không chính thống hoặc do các sinh viên muốn thử một thứ gì đó mới chế tạo theo yêu cầu. Gần đây, các máy tính đã cho phép truy cập nhiều hơn vào thử nghiệm vi âm với các bộ điều khiển mới được thiết kế dành riêng cho mục đích này trong khi các gói phần mềm cho phép các nhà soạn nhạc khám phá dễ dàng hơn các khả năng vô hạn có sẵn trong quá trình tạo nhạc thử nghiệm vi âm. liên quan hoặc giới hạn thể chất giới hạn những gì họ có thể kiểm soát giai điệu tại bất kỳ thời điểm nào.
Âm nhạc microtonal thế kỷ 20
Trong thế kỷ 20, các nhà soạn nhạc theo chủ nghĩa hiện đại bắt đầu thử nghiệm các kết hợp vi âm, sử dụng chúng để phá vỡ các hình thức âm truyền thống và thách thức đôi tai của chúng ta. Sau một thời gian nghiên cứu về các hệ thống điều chỉnh và khám phá các hòa âm của âm một phần tư, âm năm và các hòa âm vi âm khác, vào giữa thế kỷ XNUMX, chúng ta nhận thấy sự xuất hiện của những người tiên phong trong lĩnh vực vi âm như Charles Ives, Charles Seeger và George Crumb.
Charles Seeger là một nhà âm nhạc học đã đấu tranh cho âm sắc tích hợp - một hệ thống trong đó tất cả mười hai nốt nhạc được điều chỉnh đồng đều và có tầm quan trọng như nhau trong sáng tác và biểu diễn âm nhạc. Seeger cũng gợi ý rằng các quãng như quãng năm nên được chia thành quãng 3 hoặc quãng 7 thay vì được củng cố hài hòa bằng quãng tám hoặc quãng bốn hoàn hảo.
Vào cuối những năm 1950, nhà lý thuyết âm nhạc người Pháp Abraham Moles đã nghĩ ra cái mà ông gọi là "siêu âm" hoặc "âm sắc", trong đó thang âm 24 nốt được chia thành hai nhóm gồm mười hai nốt trong một quãng tám thay vì một thang âm đơn. Điều này cho phép tạo ra những sự bất hòa đồng thời như âm ba hoặc quãng bốn tăng cường có thể nghe thấy trong các album như Bản sonata cho piano thứ ba của Pierre Boulez hoặc Bốn tưởng tượng của Roger Reynolds (1966).
Gần đây hơn, các nhà soạn nhạc khác như Julian Anderson cũng đã khám phá thế giới âm sắc mới này bằng cách viết microtonal. Trong âm nhạc cổ điển hiện đại, microtones được sử dụng để tạo ra sự căng thẳng và không khí xung quanh thông qua những âm thanh bất hòa tinh tế nhưng đẹp đẽ gần như vượt qua khả năng nghe của con người chúng ta.
Ví dụ về Microtonal Music
Microtonality là một loại nhạc trong đó quãng giữa các nốt được chia thành các quãng nhỏ hơn so với trong các hệ thống điều chỉnh truyền thống chẳng hạn như khí chất bình đẳng mười hai âm. Điều này cho phép tạo ra các kết cấu âm nhạc khác thường và thú vị. Các ví dụ về âm nhạc vi âm bao gồm nhiều thể loại, từ cổ điển đến thể nghiệm và hơn thế nữa. Hãy khám phá một vài trong số họ.
Harry Partch
Harry Partch là một trong những người tiên phong nổi tiếng nhất trong thế giới âm nhạc microtonal. Nhà soạn nhạc, nhà lý thuyết và nhà chế tạo nhạc cụ người Mỹ Partch đã được ghi nhận phần lớn vì đã tạo ra và phát triển thể loại này.
Partch được biết đến với việc tạo ra hoặc truyền cảm hứng cho cả một dòng nhạc cụ microtonal bao gồm Violin được điều chỉnh, viola được điều chỉnh, Chromelodeon (1973), Harmonic Canon I, Cloud Chamber Bowls, Marimba Eroica và Diamond Marimba– trong số những người khác. Anh ấy gọi toàn bộ dòng nhạc cụ của mình là nhạc cụ 'cơ thể'– nghĩa là anh ấy đã thiết kế chúng với các đặc điểm âm thanh cụ thể nhằm tạo ra những âm thanh cụ thể mà anh ấy muốn thể hiện trong âm nhạc của mình.
Các tiết mục của Partch bao gồm một vài tác phẩm tiêu biểu – The Bewitched (1948-9), Oedipus (1954) và And on the Seventh Day Petals Fell in Petaluma (1959). Trong các tác phẩm này, Partch chỉ pha trộn hệ thống điều chỉnh ngữ điệu do Partech xây dựng với các phong cách chơi bộ gõ và các khái niệm thú vị như lời nói. Phong cách của anh ấy rất độc đáo vì nó kết hợp các đoạn du dương cũng như các kỹ thuật tiên phong với thế giới âm nhạc vượt ra ngoài ranh giới âm sắc của Tây Âu
Những đóng góp quan trọng của Partch đối với tính vi mô vẫn tiếp tục có ảnh hưởng cho đến ngày nay bởi vì ông đã mang đến cho các nhà soạn nhạc một cách để khám phá các giai điệu ngoài những giai điệu được sử dụng trong các giai điệu truyền thống của phương Tây. Anh ấy đã tạo ra thứ gì đó thực sự độc đáo với sự kết hợp của mình nhiều yếu tố từ các nền văn hóa âm nhạc khác trên khắp thế giới - đặc biệt là các giai điệu dân gian của Nhật Bản và Anh - thông qua phong cách công ty của anh ấy bao gồm đánh trống trên bát kim loại hoặc bản khắc gỗ và hát vào chai hoặc lọ. Harry Partch nổi bật như một ví dụ phi thường về một nhà soạn nhạc đã thử nghiệm những cách tiếp cận thú vị để tạo ra âm nhạc vi mô!
Lou Harrison
Lou Harrison là một nhà soạn nhạc người Mỹ, người đã viết rất nhiều về âm nhạc vi âm, thường được gọi là "bậc thầy vi âm người Mỹ". Anh ấy đã khám phá nhiều hệ thống điều chỉnh, bao gồm cả hệ thống ngữ điệu của riêng mình.
Tác phẩm “La Koro Sutro” của anh ấy là một ví dụ tuyệt vời về âm nhạc vi âm, sử dụng thang âm không chuẩn gồm 11 nốt trên mỗi quãng tám. Cấu trúc của tác phẩm này dựa trên kinh kịch Trung Quốc và bao gồm việc sử dụng các âm thanh phi truyền thống như bát hát và nhạc cụ dây châu Á.
Các tác phẩm khác của Harrison minh họa cho công việc phong phú của anh ấy về tính vi mô bao gồm “A Mass for Peace”, “The Grand Duo” và “Four Strict Songs Rambling.” Anh ấy thậm chí còn đào sâu vào nhạc jazz miễn phí, chẳng hạn như tác phẩm “Âm nhạc tương lai từ Maine” năm 1968 của anh ấy. Cũng như một số tác phẩm trước đó của anh ấy, tác phẩm này chỉ dựa vào hệ thống điều chỉnh ngữ điệu cho cao độ của nó. Trong trường hợp này, các khoảng cao độ dựa trên cái được gọi là hệ thống chuỗi hài hòa — một kỹ thuật ngữ điệu đơn giản phổ biến để tạo ra hòa âm.
Các tác phẩm microtonal của Harrison thể hiện sự phức tạp tuyệt đẹp và đóng vai trò là tiêu chuẩn cho những người đang tìm kiếm những cách thú vị để mở rộng âm sắc truyền thống trong các tác phẩm của riêng họ.
Ben Johnston
Nhà soạn nhạc người Mỹ Ben Johnston được coi là một trong những nhà soạn nhạc nổi bật nhất trong thế giới âm nhạc vi mô. Các tác phẩm của ông bao gồm Biến tấu cho dàn nhạc, Tứ tấu đàn dây 3-5, bản Sonata kiệt tác dành cho Microtonal Piano và một số tác phẩm đáng chú ý khác. Trong những phần này, anh ấy thường sử dụng các hệ thống điều chỉnh thay thế hoặc microtones, cho phép anh ấy khám phá thêm những khả năng hài hòa không thể thực hiện được với khí chất bình đẳng mười hai âm truyền thống.
Johnston đã phát triển cái được gọi là ngữ điệu chỉ mở rộng, trong đó mỗi quãng được tạo thành từ một số âm thanh khác nhau trong phạm vi hai quãng tám. Anh ấy đã viết các tác phẩm trên hầu hết các thể loại âm nhạc - từ opera đến nhạc thính phòng và các tác phẩm do máy tính tạo ra. Các tác phẩm tiên phong của ông đã tạo tiền đề cho một thời đại mới về âm nhạc vi mô. Anh ấy đã đạt được sự công nhận đáng kể trong giới nhạc sĩ và học giả, giành cho mình nhiều giải thưởng trong suốt sự nghiệp thành công của mình.
Cách sử dụng Microtonality trong âm nhạc
Sử dụng microtonality trong âm nhạc có thể mở ra một loạt khả năng mới để tạo ra âm nhạc độc đáo, thú vị. Microtonality cho phép sử dụng các quãng và hợp âm không có trong âm nhạc phương Tây truyền thống, cho phép khám phá và thử nghiệm âm nhạc. Bài viết này sẽ đề cập đến microtonality là gì, cách nó được sử dụng trong âm nhạc và cách kết hợp nó vào các tác phẩm của riêng bạn.
Chọn một hệ thống điều chỉnh
Trước khi bạn có thể sử dụng microtonality trong âm nhạc, bạn cần chọn một hệ thống điều chỉnh. Có rất nhiều hệ thống điều chỉnh và mỗi hệ thống phù hợp với các loại nhạc khác nhau. Các hệ thống điều chỉnh phổ biến bao gồm:
-Just Intonation: Just intonation là một phương pháp điều chỉnh các nốt nhạc thành các quãng thuần túy nghe rất vui tai và tự nhiên. Nó dựa trên các tỷ lệ toán học hoàn hảo và chỉ sử dụng các quãng thuần túy (chẳng hạn như âm nguyên, quãng năm, v.v.). Nó thường được sử dụng trong âm nhạc cổ điển và dân tộc học.
-Tiết độ bằng nhau: Tiết độ bằng nhau chia quãng tám thành mười hai quãng bằng nhau nhằm tạo ra âm thanh nhất quán trên tất cả các phím. Đây là hệ thống phổ biến nhất được các nhạc sĩ phương Tây sử dụng ngày nay vì nó phù hợp với những giai điệu thường xuyên điều chỉnh hoặc di chuyển giữa các âm sắc khác nhau.
-Tính chất trung bình: Tính chất trung bình chia quãng tám thành năm phần không bằng nhau để đảm bảo đúng ngữ điệu cho các quãng chính—làm cho các nốt hoặc thang âm nhất định có nhiều phụ âm hơn các nốt khác—và có thể đặc biệt hữu ích cho các nhạc sĩ chuyên về nhạc Phục hưng, nhạc Baroque hoặc một số các loại hình âm nhạc dân gian.
-Tính chất hài hòa: Hệ thống này khác với tính chất cân bằng bằng cách giới thiệu các biến thể nhỏ để tạo ra âm thanh ấm hơn, tự nhiên hơn, không gây mệt mỏi cho người nghe trong thời gian dài. Nó thường được sử dụng cho các thể loại nhạc jazz và world music ngẫu hứng cũng như các tác phẩm organ cổ điển được viết trong thời kỳ baroque.
Việc hiểu hệ thống nào phù hợp nhất với nhu cầu của bạn sẽ giúp bạn đưa ra quyết định sáng suốt khi tạo các tác phẩm vi âm và cũng sẽ làm sáng tỏ một số tùy chọn bố cục nhất định mà bạn có sẵn khi viết các tác phẩm của mình.
Chọn một nhạc cụ microtonal
Sử dụng microtonality trong âm nhạc bắt đầu bằng việc lựa chọn nhạc cụ. Nhiều nhạc cụ, chẳng hạn như đàn piano và ghi-ta, được thiết kế để điều chỉnh bình đẳng — một hệ thống cấu trúc các quãng bằng cách sử dụng phím quãng tám 2:1. Trong hệ thống điều chỉnh này, tất cả các nốt được chia thành 12 quãng bằng nhau, được gọi là nửa cung.
Một nhạc cụ được thiết kế để điều chỉnh bình đẳng giới hạn để chơi trong một hệ thống âm sắc chỉ có 12 cao độ riêng biệt trên mỗi quãng tám. Để tạo ra màu sắc chính xác hơn giữa 12 nốt nhạc đó, bạn cần sử dụng một công cụ được thiết kế cho microtonality. Những nhạc cụ này có khả năng tạo ra hơn 12 âm riêng biệt trên mỗi quãng tám bằng nhiều phương pháp khác nhau — một số nhạc cụ microtonal điển hình bao gồm các nhạc cụ có dây không có phím đàn như đàn guitar điện, dây cúi như vĩ cầm và viola, bộ gõ gỗ và một số bàn phím nhất định (chẳng hạn như đàn flexato).
Lựa chọn nhạc cụ tốt nhất sẽ tùy thuộc vào sở thích về phong cách và âm thanh của bạn — một số nhạc sĩ thích làm việc với các nhạc cụ dân gian hoặc cổ điển truyền thống trong khi những người khác thử nghiệm với sự cộng tác điện tử hoặc các đồ vật tìm thấy như ống hoặc chai tái chế. Khi bạn đã chọn nhạc cụ của mình, đã đến lúc khám phá thế giới của microtonality!
Thực hành ngẫu hứng microtonal
Khi bắt đầu làm việc với microtones, việc thực hành ứng biến microtonal một cách có hệ thống có thể là một điểm khởi đầu tuyệt vời. Như với bất kỳ thực hành ngẫu hứng nào, điều quan trọng là phải theo dõi những gì bạn đang chơi và phân tích tiến trình của bạn.
Trong quá trình thực hành ngẫu hứng vi âm, hãy cố gắng làm quen với khả năng của các nhạc cụ của bạn và phát triển cách chơi phản ánh mục tiêu sáng tác và âm nhạc của riêng bạn. Bạn cũng nên lưu ý bất kỳ mẫu hoặc họa tiết nào xuất hiện trong khi ứng biến. Việc phản ánh những gì dường như hoạt động tốt trong một đoạn văn ngẫu hứng là vô cùng quý giá, vì những loại đặc điểm hoặc số liệu này có thể được kết hợp vào các tác phẩm của bạn sau này.
Ứng biến đặc biệt hữu ích để phát triển khả năng sử dụng microtone thành thạo vì bất kỳ vấn đề kỹ thuật nào bạn gặp phải trong quá trình ứng biến đều có thể được giải quyết sau trong các giai đoạn sáng tác. Lên kế hoạch trước về mặt kỹ thuật và mục tiêu sáng tạo giúp bạn tự do sáng tạo hơn khi có điều gì đó không diễn ra như kế hoạch! Các ứng tác vi âm cũng có thể có nền tảng vững chắc trong truyền thống âm nhạc – hãy cân nhắc khám phá các hệ thống âm nhạc phi phương Tây bắt nguồn sâu xa từ các thực hành vi âm khác nhau, chẳng hạn như những hệ thống được tìm thấy ở các bộ lạc Bedouin từ Bắc Phi, trong số nhiều người khác!
Kết luận
Tóm lại, microtonality là một hình thức sáng tác và biểu diễn âm nhạc tương đối mới nhưng có ý nghĩa quan trọng. Hình thức sáng tác này liên quan đến việc điều khiển số lượng âm có sẵn trong một quãng tám để tạo ra âm thanh và tâm trạng độc đáo cũng như mới. Mặc dù microtonality đã tồn tại hàng thế kỷ nhưng nó ngày càng trở nên phổ biến hơn trong vài thập kỷ qua. Nó không chỉ cho phép sáng tạo âm nhạc nhiều hơn mà còn cho phép một số nhà soạn nhạc thể hiện những ý tưởng mà trước đây không thể thực hiện được. Như với bất kỳ thể loại âm nhạc nào, sự sáng tạo và kiến thức của một nghệ sĩ sẽ là yếu tố tối quan trọng để đảm bảo rằng âm nhạc vi âm phát huy hết tiềm năng của nó.
Tôi là Joost Nusselder, người sáng lập Neaera và là một nhà tiếp thị nội dung, là người cha, và thích thử thiết bị mới với guitar với niềm đam mê của tôi và cùng với nhóm của mình, tôi đã tạo các bài viết blog chuyên sâu kể từ năm 2020 để giúp những độc giả trung thành với các mẹo ghi âm và ghi ta.
