Ang microtonality ay isang terminong karaniwang ginagamit upang ilarawan ang musika na binubuo gamit ang mga pagitan na mas maliit kaysa sa tradisyonal na western semitone.
Sinusubukan nitong humiwalay sa tradisyunal na istruktura ng musika, na tumutuon sa halip sa mga natatanging agwat, kaya lumilikha ng mas iba't-ibang at nagpapahayag na subjective soundscapes.
Ang microtonal na musika ay nakakita ng pagtaas ng katanyagan sa nakalipas na dekada habang ang mga kompositor ay lalong nag-explore ng mga bagong paraan ng pagpapahayag sa pamamagitan ng kanilang musika.
Ito ay kadalasang matatagpuan sa mga electronic at electronic-based na genre gaya ng EDM, ngunit nakakahanap din ito ng paraan sa pop, jazz at classical na mga istilo bukod sa iba pa.
Pinapalawak ng Microtonality ang hanay ng mga instrumento at tunog na ginagamit sa komposisyon, na ginagawang posible na lumikha ng ganap na kakaibang mga sonic soundfield na maririnig lamang sa pamamagitan ng paggamit ng mga microtone.
Bilang karagdagan sa mga malikhaing aplikasyon nito, nagsisilbi rin ang microtonal na musika ng layunin ng pagsusuri – nagbibigay-daan sa mga musikero na pag-aralan o pag-aralan ang mga hindi pangkaraniwang sistema ng pag-tune at mga kaliskis na may higit na katumpakan kaysa sa maaaring makamit gamit ang 'tradisyonal' na pantay na pag-tune ng temperament (gamit ang mga semitone).
Nagbibigay-daan ito para sa mas malapit na pagsusuri sa mga harmonic frequency na relasyon sa pagitan ng mga tala.
Kahulugan ng Microtonality
Ang microtonality ay isang terminong ginamit sa teorya ng musika upang ilarawan ang musika na may mga pagitan na mas mababa sa isang semitone. Ito ang mga terminong ginamit para sa mga pagitan na mas maliit kaysa sa kalahating hakbang ng musikang Kanluranin. Ang microtonality ay hindi limitado sa Western music at makikita sa musika ng maraming kultura sa buong mundo. Tuklasin natin kung ano ang kahulugan ng konseptong ito sa teorya at komposisyon ng musika.
Ano ang microtone?
Ang microtone ay isang yunit ng sukat na ginagamit sa musika upang ilarawan ang isang pitch o tono na bumabagsak sa pagitan ng mga tono ng Kanluraning tradisyonal na 12-tono na pag-tune. Madalas na tinutukoy bilang "microtonal," ang organisasyong ito ay malawakang ginagamit sa klasikal at mundong musika at lumalaki sa katanyagan sa mga kompositor at tagapakinig.
Ang mga microtone ay kapaki-pakinabang para sa paglikha ng hindi pangkaraniwang mga texture at hindi inaasahang mga harmonic na variation sa loob ng isang partikular na tonal system. Samantalang ang tradisyonal na 12-tono na pag-tune ay naghahati sa isang octave sa labindalawang semitone, ang microtonality ay gumagamit ng mga agwat na mas pino kaysa sa mga makikita sa klasikal na musika, tulad ng mga quartertone, ikatlong bahagi ng mga tono, at kahit na mas maliliit na dibisyon na kilala bilang "ultrapolyphonic" na mga pagitan. Ang napakaliit na unit na ito ay kadalasang makakapagbigay ng kakaibang tunog na maaaring mahirap makilala kapag pinakinggan ng tainga ng tao o maaaring lumikha ng ganap na bagong mga kumbinasyong musikal na hindi pa kailanman na-explore.
Ang paggamit ng mga microtone ay nagbibigay-daan sa mga performer at tagapakinig na makipag-ugnayan sa musikal na materyal sa isang napaka-basic na antas, kadalasang nagpapahintulot sa kanila na marinig ang mga banayad na nuances na hindi nila narinig noon. Ang mga nuanced na pakikipag-ugnayan na ito ay mahalaga para sa pagtuklas ng mga kumplikadong harmonic na relasyon, paglikha ng mga natatanging tunog na hindi posible sa mga kumbensyonal na instrumento gaya ng mga piano o gitara, o pagtuklas ng ganap na bagong mga mundo ng intensity at pagpapahayag sa pamamagitan ng pakikinig.
Paano naiiba ang microtonality sa tradisyonal na musika?
Ang Microtonality ay isang musical technique na nagbibigay-daan sa mga note na hatiin sa mas maliliit na unit kaysa sa mga interval na ginagamit sa tradisyonal na Western music, na nakabatay sa kalahati at buong hakbang. Gumagamit ito ng mga pagitan na mas makitid kaysa sa klasikal na tonality, na hinahati ang octave sa kasing dami ng 250 o higit pang mga tono. Sa halip na umasa sa major at minor scale na makikita sa tradisyonal na musika, ang microtonal na musika ay gumagawa ng sarili nitong mga scale gamit ang mas maliliit na dibisyong ito.
Ang microtonal na musika ay madalas na lumilikha ng mga hindi inaasahang dissonance (mga kumbinasyon ng dalawa o higit pang mga pitch) na nagtutuon ng pansin sa mga paraan na hindi makukuha sa tradisyonal na mga kaliskis. Sa tradisyunal na pagkakatugma, ang mga kumpol ng mga nota na lampas sa apat ay may posibilidad na magdulot ng hindi komportable na pakiramdam dahil sa kanilang pag-aaway at kawalang-tatag. Sa kabaligtaran, ang mga dissonance na nilikha ng microtonal harmony ay maaaring tunog na kasiya-siya depende sa kung paano ginagamit ang mga ito. Ang katangi-tanging ito ay maaaring magbigay ng isang detalyadong texture, lalim at pagiging kumplikado sa isang piraso ng musika na nagbibigay-daan para sa malikhaing pagpapahayag at paggalugad sa pamamagitan ng iba't ibang kumbinasyon ng tunog.
Sa microtonal music mayroon ding pagkakataon para sa ilang kompositor na isama ang kanilang kultural na pamana sa kanilang mga komposisyon sa pamamagitan ng pagguhit mula sa mga di-Western classical na mga tradisyon ng musika tulad ng North Indian ragas o African scales kung saan ang quarter tone o mas pinong dibisyon ay ginagamit. Ang mga microtonal na musikero ay nagpatibay ng ilang elemento mula sa mga pormang ito habang ginagawa itong kontemporaryo sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga ito sa mga elemento mula sa mga istilong musikal sa Kanluran, na nag-uumpisa sa isang kapana-panabik na bagong panahon ng pagsaliksik sa musika!
Kasaysayan ng Microtonality
Ang Microtonality ay may mahaba at mayamang kasaysayan sa musika na umaabot pabalik sa mga pinakaunang tradisyon at kultura ng musika. Ang mga microtonal composers, tulad nina Harry Partch at Alois Hába, ay sumusulat ng microtonal music mula pa noong unang bahagi ng ika-20 siglo, at ang mga microtonal na instrumento ay mas matagal pa. Bagama't kadalasang nauugnay ang microtonality sa modernong musika, mayroon itong mga impluwensya mula sa mga kultura at gawi sa buong mundo. Sa seksyong ito, tuklasin natin ang kasaysayan ng microtonality.
Sinaunang at sinaunang musika
Microtonality — ang paggamit ng mga pagitan na wala pang kalahating hakbang — ay may mahaba at mayamang kasaysayan. Natuklasan ng sinaunang Greek music theorist na si Pythagoras ang equation ng musical intervals to numerical ratios, na nagbibigay-daan para sa mga music theorists tulad nina Eratosthenes, Aristoxenus at Ptolemy na bumuo ng kanilang mga teorya ng musical tuning. Ang pagpapakilala ng mga instrumento sa keyboard noong ika-17 siglo ay lumikha ng mga bagong posibilidad para sa microtonal exploration, na ginagawang mas madaling mag-eksperimento sa mga ratio na higit pa sa mga tradisyonal na tempered tuning.
Noong ika-19 na siglo, isang pag-unawa ang naabot na kinabibilangan ng microtonal sensibility. Ang mga pag-unlad tulad ng ratiomorphic na sirkulasyon sa France (d'Indy at Debussy) ay nakakita ng karagdagang mga eksperimento sa microtonal composition at tuning system. Sa Russia, sinaliksik ni Arnold Schönberg ang quarter-tone scales at maraming kompositor na Ruso ang nag-explore ng mga libreng harmonika sa ilalim ng impluwensya ni Alexander Scriabin. Sinundan ito sa Germany ng kompositor na si Alois Hába na bumuo ng kanyang sistema batay sa quarter tone ngunit sumusunod pa rin sa tradisyonal na harmonic na prinsipyo. Nang maglaon, binuo ni Partch ang sarili niyang makatarungang intonation tuning system na sikat pa rin ngayon sa ilang mga mahilig (halimbawa Richard Coulter).
Ang ika-20 siglo ay nakakita ng malaking pagtaas sa microtonal na komposisyon sa maraming genre kabilang ang classical, jazz, modernong avant-garde at minimalism. Si Terry Riley ay isang maagang tagapagtaguyod ng minimalism at ang La Monte Young ay gumamit ng mga pinahabang overtone na may kasamang mga harmonika na nagaganap sa pagitan ng mga tala upang lumikha ng mga soundscape na nakakaakit sa mga manonood na gumagamit ng walang anuman kundi mga generator ng sine wave at drone. Ang mga naunang instrumento gaya ng quartetto d'accordi ay partikular na ginawa para sa mga layuning ito na may mga serbisyo mula sa mga hindi kilalang gumagawa o custom na ginawa ng mga mag-aaral na sumusubok ng bago. Kamakailan lamang, pinahintulutan ng mga computer ang mas malaking access sa microtonal experimentation na may mga novel controller na partikular na idinisenyo para sa layuning ito habang ang mga software packages ay nagbibigay-daan sa mga kompositor na mas madaling tuklasin ang walang katapusan na mga posibilidad na magagamit sa loob ng microtonality na pang-eksperimentong paglikha ng musika na ang mga naunang performer ay umiiwas sa manu-manong pagkontrol dahil sa napakaraming numero. kasangkot o pisikal na mga limitasyon na naglilimita sa kung ano ang maaari nilang kontrolin nang melodikal sa anumang punto ng oras.
20th century microtonal music
Noong ikadalawampu siglo, nagsimulang mag-eksperimento ang mga modernistang kompositor sa mga kumbinasyong microtonal, gamit ang mga ito para humiwalay sa mga tradisyonal na tono ng tono at hamunin ang ating mga tainga. Kasunod ng isang panahon ng pagsasaliksik sa mga sistema ng pag-tune at paggalugad ng quarter-tone, fifth-tone at iba pang mga microtonal harmonies, sa kalagitnaan ng ika-20 siglo nakita namin ang paglitaw ng mga pioneer sa microtonality gaya nina Charles Ives, Charles Seeger at George Crumb.
Si Charles Seeger ay isang musicologist na nagtaguyod para sa integrated tonality - isang sistema kung saan ang lahat ng labindalawang nota ay nakatutok nang pantay-pantay at may pantay na kahalagahan sa musikal na komposisyon at pagganap. Iminungkahi din ni Seeger na ang mga pagitan tulad ng fifths ay dapat na hatiin sa 3rd o 7ths sa halip na harmonically reinforced ng isang octave o perfect fourth.
Noong huling bahagi ng 1950s, ang French music theorist na si Abraham Moles ay gumawa ng tinatawag niyang 'ultraphonics' o 'chromatophony', kung saan ang 24-note scale ay nahahati sa dalawang grupo ng labindalawang nota sa loob ng isang octave kaysa sa isang solong chromatic scale. Nagbigay-daan ito para sa sabay-sabay na mga dissonance gaya ng tritones o augmented fourths na maririnig sa mga album tulad ng Third Piano Sonata ni Pierre Boulez o Four Fantasies ni Roger Reynolds (1966).
Kamakailan lamang, ginalugad din ng ibang mga kompositor gaya ni Julian Anderson ang mundo ng mga bagong timbre na ginawang posible sa pamamagitan ng microtonal writing. Sa modernong klasikal na musika, ang mga microtone ay ginagamit upang lumikha ng tensyon at ambivalence sa pamamagitan ng banayad ngunit magagandang tunog na mga dissonance na halos umiiwas sa ating mga kakayahan sa pandinig ng tao.
Mga Halimbawa ng Microtonal Music
Ang microtonality ay isang uri ng musika kung saan ang mga pagitan sa pagitan ng mga nota ay nahahati sa mas maliliit na pagtaas kaysa sa mga tradisyonal na sistema ng pag-tune tulad ng labindalawang tono na magkapantay na ugali. Nagbibigay-daan ito para sa hindi pangkaraniwang at kawili-wiling mga texture ng musika na malikha. Ang mga halimbawa ng microtonal na musika ay sumasaklaw sa iba't ibang genre, mula sa klasikal hanggang eksperimental at higit pa. Tuklasin natin ang ilan sa mga ito.
Harry Partch
Si Harry Partch ay isa sa mga pinakakilalang pioneer sa mundo ng microtonal music. Ang Amerikanong kompositor, teorista at tagabuo ng instrumento na si Partch ay higit na na-kredito para sa paglikha at pagbuo ng genre.
Kilala si Partch sa paglikha o pagbibigay inspirasyon sa isang buong pamilya ng mga microtonal instrument kabilang ang Adapted Violin, adapted viola, Chromelodeon (1973), Harmonic Canon I, Cloud Chamber Bowls, Marimba Eroica, at Diamond Marimba– bukod sa iba pa. Tinawag niya ang kanyang buong pamilya ng mga instrumento na 'corporeal' na mga instrumento– ibig sabihin, idinisenyo niya ang mga ito na may mga partikular na katangian ng sonik upang mailabas ang mga partikular na tunog na gusto niyang ipahayag sa kanyang musika.
Ang repertoire ni Partch ay may kasamang ilang seminal na gawa - The Bewitched (1948-9), Oedipus (1954) at And on the Seventh Day Petals Fell in Petaluma (1959). Sa mga gawang ito, pinaghalo lamang ni Partch ang sistema ng pag-tune ng intonasyon na binuo ng Partech na may mga percussive na istilo ng pagtugtog at mga kawili-wiling konsepto tulad ng mga binibigkas na salita. Ang kanyang istilo ay natatangi dahil pinagsama-sama nito ang mga melodic passage pati na rin ang mga avant-garde technique na may mga musikal na mundo na lampas sa mga hangganan ng tono ng Kanlurang Europa
Ang mahahalagang kontribusyon ni Partch tungo sa microtonality ay patuloy pa ring maimpluwensyahan ngayon dahil binigyan niya ang mga kompositor ng paraan upang tuklasin ang mga tuning na lampas sa mga ginagamit sa tradisyonal na Western tonalities. Gumawa siya ng isang bagay na tunay na orihinal sa kanyang pagsasama-sama ng iba't ibang mga strand mula sa iba pang kultura ng musika sa buong mundo - lalo na ang Japanese at English folk tunes - sa pamamagitan ng kanyang corporate style na kinabibilangan ng pag-drum sa mga metal bowl o woodblock at pagkanta sa mga bote o vase. Namumukod-tangi si Harry Partch bilang isang pambihirang halimbawa ng isang kompositor na nag-eksperimento sa mga kapanapanabik na diskarte sa paglikha ng microtonal na musika!
Lou Harrison
Si Lou Harrison ay isang Amerikanong kompositor na nagsulat ng malawak sa microtonal na musika, na madalas na tinutukoy bilang "American master of microtones". Ginalugad niya ang maramihang mga sistema ng pag-tune, kabilang ang kanyang sariling makatarungang sistema ng intonasyon.
Ang kanyang piyesa na "La Koro Sutro" ay isang magandang halimbawa ng microtonal na musika, gamit ang hindi karaniwang sukat na binubuo ng 11 notes bawat octave. Ang istruktura ng piyesang ito ay batay sa Chinese opera at kasama ang paggamit ng mga hindi tradisyonal na tunog tulad ng mga singing bowl at Asian string instruments.
Ang iba pang mga piraso ni Harrison na nagpapakita ng kanyang napakaraming gawain sa microtonality ay kinabibilangan ng "A Mass for Peace," "The Grand Duo," at "Four Strict Songs Rambling." Sinubok pa niya ang libreng jazz, tulad ng kanyang 1968 na piyesa na "Future Music from Maine." Tulad ng ilan sa kanyang mga naunang gawa, ang piraso na ito ay umaasa lamang sa mga sistema ng pag-tune ng intonasyon para sa mga pitch nito. Sa kasong ito, ang mga agwat ng pitch ay nakabatay sa kung ano ang kilala bilang isang harmonic series system — isang karaniwang pamamaraan ng just intonation para sa pagbuo ng harmony.
Ang mga microtonal na gawa ni Harrison ay nagpapakita ng magandang kumplikado at nagsisilbing mga benchmark para sa mga naghahanap ng mga kawili-wiling paraan upang palawakin ang tradisyonal na tonality sa kanilang sariling mga komposisyon.
Ben Johnston
Ang Amerikanong kompositor na si Ben Johnston ay itinuturing na isa sa mga pinakakilalang kompositor sa mundo ng microtonal na musika. Kasama sa kanyang mga gawa ang Variations para sa orkestra, String Quartets 3-5, ang kanyang magnum opus na Sonata para sa Microtonal Piano at ilang iba pang mga kapansin-pansing gawa. Sa mga pirasong ito, madalas siyang gumagamit ng mga alternatibong sistema ng pag-tune o microtone, na nagbibigay-daan sa kanya na tuklasin ang higit pang mga harmonic na posibilidad na hindi posible sa tradisyonal na labindalawang tono na magkapantay na ugali.
Binuo ni Johnston ang tinatawag na extended just intonation, kung saan ang bawat pagitan ay binubuo mula sa isang bilang ng iba't ibang mga tunog sa loob ng hanay na dalawang octaves. Sumulat siya ng mga piraso sa halos lahat ng genre ng musika - mula sa opera hanggang sa chamber music at mga gawang binuo ng computer. Ang kanyang mga pioneering works ay nagtakda ng eksena para sa isang bagong edad sa mga tuntunin ng microtonal music. Nakamit niya ang makabuluhang pagkilala sa mga musikero at akademiko, na nanalo ng maraming mga parangal sa kanyang matagumpay na karera.
Paano Gamitin ang Microtonality sa Musika
Ang paggamit ng microtonality sa musika ay maaaring magbukas ng isang bagong hanay ng mga posibilidad para sa paglikha ng natatangi, kawili-wiling musika. Ang Microtonality ay nagbibigay-daan para sa paggamit ng mga agwat at chord na hindi matatagpuan sa tradisyonal na musikang Kanluranin, na nagbibigay-daan para sa paggalugad at pag-eeksperimento sa musika. Tatalakayin ng artikulong ito kung ano ang microtonality, kung paano ito ginagamit sa musika, at kung paano ito isama sa sarili mong mga komposisyon.
Pumili ng isang tuning system
Bago mo magamit ang microtonality sa musika, kailangan mong pumili ng isang tuning system. Mayroong maraming mga tuning system out doon at ang bawat isa ay angkop para sa iba't ibang uri ng musika. Ang mga karaniwang sistema ng pag-tune ay kinabibilangan ng:
-Just Intonation: Ang Just intonation ay isang paraan ng pag-tune ng mga nota sa mga purong pagitan na napakaganda at natural na tunog. Ito ay batay sa perpektong mathematical ratios at gumagamit lamang ng mga purong agwat (gaya ng buong tono, ikalima, atbp). Ito ay kadalasang ginagamit sa klasikal at etnomusikolohiyang musika.
-Pantay na Temperament: Ang pantay na ugali ay naghahati sa octave sa labindalawang pantay na pagitan para makalikha ng pare-parehong tunog sa lahat ng key. Ito ang pinakakaraniwang sistema na ginagamit ngayon ng mga musikero sa Kanluran dahil ito ay angkop sa mga melodies na madalas na nagbabago o gumagalaw sa pagitan ng iba't ibang tono.
-Meantone Temperament: Hinahati ng Meantone temperament ang octave sa limang hindi pantay na bahagi upang matiyak ang tamang intonasyon para sa mga pangunahing agwat—na ginagawang mas katinig ang ilang tala o kaliskis kaysa sa iba—at maaaring partikular na kapaki-pakinabang para sa mga musikero na dalubhasa sa Renaissance music, Baroque music, o ilang mga anyo ng katutubong musika.
-Harmonic Temperament: Ang sistemang ito ay naiiba sa pantay na ugali sa pamamagitan ng pagpapakilala ng mga bahagyang pagkakaiba-iba upang makagawa ng mas mainit, mas natural na tunog na hindi nakakapagod sa mga tagapakinig sa mahabang panahon. Madalas itong ginagamit para sa improvisational jazz at mga genre ng musika sa mundo pati na rin ang mga klasikal na komposisyon ng organ na isinulat noong panahon ng baroque.
Ang pag-unawa kung aling sistema ang pinakanaaangkop sa iyong mga pangangailangan ay makakatulong sa iyong gumawa ng matalinong mga pagpapasya kapag lumilikha ng iyong mga microtonal na piraso at magpapapaliwanag din sa ilang mga opsyon sa komposisyon na magagamit mo kapag isinusulat ang iyong mga piraso.
Pumili ng microtonal instrument
Ang paggamit ng microtonality sa musika ay nagsisimula sa pagpili ng instrumento. Maraming mga instrumento, gaya ng mga piano at gitara, ang idinisenyo para sa equal-tempered tuning — isang sistema na nagbubuo ng mga pagitan gamit ang octave key na 2:1. Sa sistema ng pag-tune na ito, ang lahat ng mga nota ay nahahati sa 12 pantay na pagitan, na tinatawag na mga semitone.
Ang isang instrumento na idinisenyo para sa equal-tempered tuning ay limitado sa pagtugtog sa isang tonal system na may 12 natatanging pitches lamang sa bawat octave. Para makagawa ng mas tumpak na mga kulay ng tonal sa pagitan ng 12 pitch na iyon, kailangan mong gumamit ng instrumentong idinisenyo para sa microtonality. Ang mga instrumentong ito ay may kakayahang gumawa ng higit sa 12 natatanging tono sa bawat oktaba gamit ang iba't ibang paraan — ang ilang karaniwang microtonal na instrumento ay kinabibilangan ng mga walang fretless na may kuwerdas na instrumento tulad ng electric gitara, bowed string tulad ng violin at viola, woodwinds at ilang partikular na keyboard (gaya ng flexatones).
Ang pinakamahusay na pagpipilian ng instrumento ay nakasalalay sa iyong estilo at mga kagustuhan sa tunog — mas gusto ng ilang musikero na gumamit ng tradisyonal na klasikal o katutubong mga instrumento habang ang iba ay nag-eeksperimento sa mga elektronikong pakikipagtulungan o mga nakitang bagay tulad ng mga recycled na tubo o bote. Kapag napili mo na ang iyong instrumento, oras na para tuklasin ang mundo ng microtonality!
Magsanay ng microtonal improvisation
Kapag nagsimulang magtrabaho sa mga microtone, ang sistematikong pagsasanay sa microtonal improvisation ay maaaring maging isang mahusay na panimulang punto. Tulad ng anumang pagsasanay sa improvisasyon, mahalagang subaybayan kung ano ang iyong nilalaro at pag-aralan ang iyong pag-unlad.
Sa panahon ng pagsasanay ng microtonal improvisation, sikaping maging pamilyar sa mga kakayahan ng iyong mga instrumento at bumuo ng paraan ng pagtugtog na sumasalamin sa iyong sariling mga layunin sa musika at komposisyon. Dapat mo ring tandaan ang anumang mga pattern o motif na lumilitaw habang nag-improvise. Napakahalaga na pag-isipan kung ano ang tila gumagana nang maayos sa panahon ng isang improvised na sipi, dahil ang mga ganitong uri ng mga katangian o pigura ay maaaring isama sa iyong mga komposisyon mamaya.
Ang improvisasyon ay partikular na kapaki-pakinabang para sa pagbuo ng katatasan sa paggamit ng mga microtone dahil ang anumang teknikal na isyu na makikita mo sa proseso ng improvisasyon ay maaaring matugunan sa ibang pagkakataon sa mga yugto ng komposisyon. Ang pag-proyekto nang mas maaga sa mga tuntunin ng diskarte at mga layunin sa malikhaing ay nagbibigay sa iyo ng higit na malikhaing kalayaan kapag ang isang bagay ay hindi gumana nang lubos gaya ng pinlano! Ang mga microtonal improvisation ay maaari ding magkaroon ng matibay na pundasyon sa musikal na tradisyon - isaalang-alang ang paggalugad ng mga non-western musical system na malalim na nakaugat sa iba't ibang microtonal na kasanayan tulad ng mga matatagpuan sa mga tribong Bedouin mula sa North Africa, bukod sa marami pang iba!
Konklusyon
Sa konklusyon, ang microtonality ay isang medyo bago ngunit makabuluhang anyo ng komposisyon at pagganap ng musikal. Ang anyo ng komposisyon na ito ay nagsasangkot ng pagmamanipula sa bilang ng mga tono na magagamit sa loob ng isang octave upang lumikha ng kakaiba pati na rin ang mga bagong tunog at mood. Bagama't ang microtonality ay nasa loob ng maraming siglo, ito ay naging mas popular sa nakalipas na ilang dekada. Hindi lamang nito pinahintulutan ang mas malawak na paglikha ng musika ngunit pinahintulutan din ang ilang mga kompositor na magpahayag ng mga ideyang imposible noon. Tulad ng anumang uri ng musika, ang pagkamalikhain at kaalaman mula sa isang artist ay magiging pinakamahalaga sa pagtiyak na ang microtonal na musika ay maabot ang buong potensyal nito.
Ako si Joost Nusselder, ang founder ng Neaera at isang content marketer, tatay, at mahilig sumubok ng mga bagong kagamitan na may gitara sa puso ng aking hilig, at kasama ang aking team, gumagawa ako ng mga malalalim na artikulo sa blog mula noong 2020 upang matulungan ang mga tapat na mambabasa sa mga tip sa pag-record at gitara.
