Microtonality เป็นคำที่ใช้กันทั่วไปเพื่ออธิบายดนตรีที่แต่งขึ้นโดยใช้ช่วงเวลาที่เล็กกว่าเซมิโทนตะวันตกแบบดั้งเดิม
มันพยายามที่จะแยกตัวออกจากโครงสร้างดนตรีแบบดั้งเดิม โดยเน้นที่ช่วงจังหวะที่ไม่ซ้ำกันแทน ด้วยเหตุนี้จึงสร้างซาวด์สเคปที่หลากหลายและสื่อความหมายได้ชัดเจนยิ่งขึ้น
ดนตรีไมโครโทนได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นอย่างมากในช่วงทศวรรษที่ผ่านมา เนื่องจากนักแต่งเพลงได้สำรวจวิธีการแสดงออกใหม่ๆ ผ่านดนตรีของพวกเขามากขึ้นเรื่อยๆ
ส่วนใหญ่มักพบในแนวเพลงอิเล็กทรอนิกส์และแนวอิเล็กทรอนิกส์เช่น EDM แต่ก็พบแนวเพลงป๊อป แจ๊ส และคลาสสิกด้วยเช่นกัน
Microtonality ขยายขอบเขตของเครื่องดนตรีและเสียงที่ใช้ในการประพันธ์เพลง ทำให้สามารถสร้างซาวด์ฟิลด์เสียงที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวซึ่งจะได้ยินผ่านการใช้ Microtones เท่านั้น
นอกจากการใช้งานที่สร้างสรรค์แล้ว ดนตรีประเภทไมโครโทนัลยังทำหน้าที่ในการวิเคราะห์อีกด้วย ซึ่งช่วยให้นักดนตรีสามารถศึกษาหรือวิเคราะห์ระบบการปรับจูนและสเกลที่ผิดปกติด้วยความแม่นยำที่มากกว่าการจูนตามอารมณ์แบบ 'ดั้งเดิม' ที่เท่าเทียมกัน (โดยใช้เซมิโทนส์)
สิ่งนี้ทำให้สามารถตรวจสอบความสัมพันธ์ของความถี่ฮาร์มอนิกระหว่างโน้ตได้อย่างใกล้ชิดยิ่งขึ้น
ความหมายของ Microtonality
Microtonality เป็นคำที่ใช้ในทฤษฎีดนตรีเพื่ออธิบายดนตรีที่มีช่วงห่างน้อยกว่าเซมิโทน เป็นศัพท์ที่ใช้กับช่วงห่างน้อยกว่าครึ่งขั้นของดนตรีตะวันตก ความละเอียดอ่อนไม่ได้จำกัดอยู่แค่ดนตรีตะวันตกเท่านั้น และสามารถพบได้ในดนตรีของหลายๆ วัฒนธรรมทั่วโลก มาสำรวจว่าแนวคิดนี้มีความหมายอย่างไรในทฤษฎีดนตรีและการประพันธ์เพลง
ไมโครโทนคืออะไร?
ไมโครโทนเป็นหน่วยวัดที่ใช้ในดนตรีเพื่ออธิบายระดับเสียงหรือโทนเสียงที่อยู่ระหว่างโทนเสียงของการปรับแต่ง 12 โทนแบบดั้งเดิมของตะวันตก มักเรียกกันว่า "microtonal" องค์กรนี้ใช้กันอย่างแพร่หลายในดนตรีคลาสสิกและสากล และกำลังได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นในหมู่นักแต่งเพลงและผู้ฟัง
ไมโครโทนมีประโยชน์ในการสร้างพื้นผิวที่ผิดปกติและการแปรผันของฮาร์มอนิกที่ไม่คาดคิดภายในระบบโทนเสียงที่กำหนด ในขณะที่การปรับเสียงแบบ 12 โทนแบบดั้งเดิมจะแบ่งอ็อกเทฟออกเป็นสิบสองเซมิโทน ไมโครโทนจะใช้ช่วงห่างที่ละเอียดกว่าที่พบในดนตรีคลาสสิก เช่น ควอเตอร์โทน ส่วนสามของโทน และแม้แต่การแบ่งช่วงเล็กๆ ที่เรียกว่าช่วง “อัลตราโพลีโฟนิก” หน่วยขนาดเล็กมากเหล่านี้มักจะให้เสียงที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งอาจแยกแยะได้ยากเมื่อฟังด้วยหูของมนุษย์ หรือสามารถสร้างการผสมผสานทางดนตรีแบบใหม่ที่ไม่เคยมีการสำรวจมาก่อน
การใช้ไมโครโทนช่วยให้นักแสดงและผู้ฟังโต้ตอบกับเนื้อหาทางดนตรีได้ในระดับพื้นฐาน โดยมักจะทำให้พวกเขาได้ยินความแตกต่างเล็กน้อยที่พวกเขาไม่เคยได้ยินมาก่อน การโต้ตอบที่เหมาะสมเหล่านี้จำเป็นสำหรับการสำรวจความสัมพันธ์ของฮาร์มอนิกที่ซับซ้อน สร้างเสียงที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งไม่สามารถทำได้ด้วยเครื่องดนตรีทั่วไป เช่น เปียโนหรือกีตาร์ หรือค้นพบโลกใหม่ของความหนักแน่นและการแสดงออกผ่านการฟัง
microtonality แตกต่างจากดนตรีดั้งเดิมอย่างไร?
Microtonality เป็นเทคนิคทางดนตรีที่ช่วยให้สามารถแบ่งโน้ตออกเป็นหน่วยที่เล็กกว่าช่วงที่ใช้ในดนตรีตะวันตกแบบดั้งเดิม ซึ่งใช้ครึ่งขั้นและทั้งหมด มันใช้ช่วงห่างที่แคบกว่าโทนเสียงแบบคลาสสิกมาก โดยแบ่งอ็อกเทฟออกเป็น 250 โทนเสียงหรือมากกว่านั้น แทนที่จะอาศัยสเกลหลักและสเกลรองที่พบในดนตรีดั้งเดิม ดนตรีประเภทไมโครโทนอลสร้างสเกลของมันเองโดยใช้ส่วนย่อยที่เล็กกว่าเหล่านี้
ดนตรีระดับไมโครมักจะสร้างความไม่ลงรอยกันที่คาดไม่ถึง (การผสมที่ตัดกันอย่างรุนแรงของสองระดับเสียงขึ้นไป) ซึ่งเน้นความสนใจในแบบที่ไม่สามารถหาได้จากสเกลแบบดั้งเดิม ในความกลมกลืนแบบดั้งเดิม กลุ่มของโน้ตที่มากกว่าสี่มักจะทำให้เกิดความรู้สึกอึดอัดเนื่องจากการปะทะกันและความไม่แน่นอน ในทางตรงกันข้าม ความไม่ลงรอยกันที่เกิดจากความกลมกลืนของไมโครโทนสามารถฟังดูน่าพึงพอใจมาก ขึ้นอยู่กับวิธีการใช้ ความโดดเด่นนี้สามารถให้เนื้อสัมผัสที่ประณีต ความลึก และความซับซ้อนแก่ชิ้นดนตรี ซึ่งช่วยให้สามารถแสดงออกอย่างสร้างสรรค์และสำรวจผ่านการผสมเสียงที่แตกต่างกัน
ในดนตรีประเภทไมโครโทน ยังมีโอกาสสำหรับผู้แต่งเพลงบางคนที่จะรวมมรดกทางวัฒนธรรมของตนเข้ากับการแต่งเพลงของพวกเขาโดยดึงมาจากประเพณีดนตรีคลาสสิกที่ไม่ใช่ของตะวันตก เช่น รากัสของอินเดียเหนือหรือสเกลแอฟริกันซึ่งมีการใช้เสียงไตรมาสหรือแม้แต่การแบ่งแยกที่ละเอียดกว่า นักดนตรีวง Microtonal ได้นำองค์ประกอบบางอย่างจากรูปแบบเหล่านี้มาใช้ในขณะที่ทำให้ร่วมสมัยโดยผสมผสานกับองค์ประกอบจากสไตล์ดนตรีตะวันตก นำไปสู่ยุคใหม่แห่งการสำรวจทางดนตรีที่น่าตื่นเต้น!
ประวัติของ Microtonality
Microtonality มีประวัติศาสตร์อันยาวนานและยาวนานในด้านดนตรีซึ่งย้อนกลับไปถึงประเพณีและวัฒนธรรมทางดนตรีที่เก่าแก่ที่สุด นักแต่งเพลงประเภทไมโครโทน เช่น Harry Partch และ Alois Hába ได้เขียนดนตรีประเภทไมโครโทนมาตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 และเครื่องดนตรีไมโครโทนัลก็มีมายาวนานกว่านั้น แม้ว่าระดับเสียงต่ำมักเกี่ยวข้องกับดนตรีสมัยใหม่ แต่ก็ได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมและแนวปฏิบัติทั่วโลก ในส่วนนี้ เราจะสำรวจประวัติของ microtonality
เพลงโบราณและยุคแรก
Microtonality — การใช้ระยะห่างน้อยกว่าครึ่งก้าว — มีประวัติอันยาวนานและยาวนาน Pythagoras นักทฤษฎีดนตรีชาวกรีกโบราณได้ค้นพบสมการของช่วงเวลาดนตรีต่ออัตราส่วนตัวเลข ปูทางให้นักทฤษฎีดนตรีเช่น Eratosthenes, Aristoxenus และ Ptolemy พัฒนาทฤษฎีการปรับเสียงดนตรีของพวกเขา การเปิดตัวเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดในศตวรรษที่ 17 สร้างความเป็นไปได้ใหม่สำหรับการสำรวจไมโครโทนัล ทำให้ง่ายต่อการทดสอบอัตราส่วนที่นอกเหนือจากการปรับอารมณ์แบบดั้งเดิม
เมื่อถึงศตวรรษที่ 19 ความเข้าใจได้มาถึงซึ่งรวมถึงความรู้สึกไวของไมโครโทน การพัฒนาต่างๆ เช่น การไหลเวียนของอัตราส่วนอัตราส่วนมอร์ฟิคในฝรั่งเศส (d'Indy และ Debussy) ได้เห็นการทดลองเพิ่มเติมเกี่ยวกับองค์ประกอบไมโครโทนัลและระบบการปรับแต่ง ในรัสเซีย Arnold Schönberg ได้สำรวจสเกลควอเตอร์โทน และนักแต่งเพลงชาวรัสเซียจำนวนหนึ่งได้สำรวจฟรีฮาร์โมนิกภายใต้อิทธิพลของ Alexander Scriabin ตามมาในเยอรมนีโดยนักแต่งเพลง Alois Hába ซึ่งพัฒนาระบบของเขาโดยใช้เสียงควอเตอร์โทน แต่ยังคงยึดหลักการฮาร์มอนิกแบบดั้งเดิม ต่อมา Partch ได้พัฒนาระบบการปรับเสียงสูงต่ำของตัวเอง ซึ่งยังคงเป็นที่นิยมในหมู่ผู้ที่ชื่นชอบจนถึงทุกวันนี้ (เช่น Richard Coulter)
ศตวรรษที่ 20 มีการเพิ่มขึ้นขององค์ประกอบไมโครโทนในหลายๆ ประเภท รวมถึงคลาสสิก แจ๊ส อาวองการ์ดสมัยใหม่ และมินิมัลลิสต์ เทอร์รี ไรลีย์เป็นผู้สนับสนุนแนวมินิมอลในยุคแรกๆ และ La Monte Young ใช้เสียงหวือหวาที่ขยายออกไป รวมถึงฮาร์โมนิกที่เกิดขึ้นระหว่างโน้ตเพื่อสร้างซาวด์สเคปที่ดึงดูดผู้ชมโดยไม่ใช้อะไรนอกจากเครื่องสร้างคลื่นไซน์และโดรน เครื่องดนตรียุคแรกๆ เช่น ควอเตตโต ดิ แอคคอร์ดี สร้างขึ้นเพื่อจุดประสงค์เหล่านี้โดยเฉพาะ โดยใช้บริการจากผู้สร้างนอกรีตหรือสร้างขึ้นเองโดยนักเรียนที่ลองสิ่งใหม่ๆ เมื่อเร็ว ๆ นี้ คอมพิวเตอร์ได้อนุญาตให้เข้าถึงการทดลองไมโครโทนัลได้มากขึ้นด้วยตัวควบคุมใหม่ที่ได้รับการออกแบบมาโดยเฉพาะสำหรับจุดประสงค์นี้ ในขณะที่ชุดซอฟต์แวร์ช่วยให้นักแต่งเพลงสามารถสำรวจความเป็นไปได้ที่ไม่มีที่สิ้นสุดได้ง่ายขึ้นในการสร้างดนตรีทดลองไมโครโทนัล นักแสดงรุ่นก่อน ๆ จะหลีกหนีจากการควบคุมด้วยตนเองเนื่องจากตัวเลขที่แท้จริง ที่เกี่ยวข้องหรือข้อจำกัดทางกายภาพที่จำกัดสิ่งที่พวกเขาสามารถควบคุมได้อย่างไพเราะ ณ เวลาใดเวลาหนึ่ง
ดนตรีไมโครโทนัลแห่งศตวรรษที่ 20
ในช่วงศตวรรษที่ 20 นักแต่งเพลงสมัยใหม่เริ่มทดลองการผสมเสียงแบบไมโครโทนโดยใช้การผสมเสียงเพื่อแยกออกจากรูปแบบวรรณยุกต์แบบดั้งเดิมและท้าทายหูของเรา หลังจากช่วงระยะเวลาของการวิจัยเกี่ยวกับระบบการปรับจูนและสำรวจเสียงฮาร์โมนีแบบควอเตอร์โทน เสียงที่ห้า และฮาร์โมนีระดับไมโครโทนอื่นๆ ในช่วงกลางศตวรรษที่ XNUMX เราพบการเกิดขึ้นของผู้บุกเบิกในด้านไมโครโทน เช่น Charles Ives, Charles Seeger และ George Crumb
Charles Seeger เป็นนักดนตรีที่สนับสนุนโทนเสียงแบบบูรณาการ ซึ่งเป็นระบบที่โน้ตทั้งสิบสองตัวได้รับการปรับให้เท่ากันและมีความสำคัญเท่าเทียมกันในการประพันธ์ดนตรีและการแสดง Seeger ยังเสนอว่าควรแบ่งช่วงเวลาเช่นส่วนที่ห้าออกเป็น 3 หรือ 7 แทนที่จะเสริมอย่างกลมกลืนด้วยอ็อกเทฟหรือสี่ที่สมบูรณ์แบบ
ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 Abraham Moles นักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศสได้คิดค้นสิ่งที่เขาเรียกว่า 'อัลตราโฟนิกส์' หรือ 'โครมาโตโฟนี' โดยสเกล 24 โน้ตแบ่งออกเป็นสองกลุ่มกลุ่มละสิบสองโน้ตภายในอ็อกเทฟแทนที่จะเป็นสเกลสีเดียว สิ่งนี้อนุญาตให้มีการไม่ลงรอยกันพร้อมกันเช่น tritones หรือ augmented fours ซึ่งสามารถฟังได้ในอัลบั้มอย่าง Third Piano Sonata ของ Pierre Boulez หรือ Four Fantasies ของ Roger Reynolds (1966)
ไม่นานมานี้ นักแต่งเพลงคนอื่นๆ เช่น จูเลียน แอนเดอร์สัน ก็ได้สำรวจโลกของเสียงต่ำใหม่ๆ ซึ่งเป็นไปได้ด้วยการเขียนเสียงแบบไมโครโทน ไมโครโทนของเพลงคลาสสิกสมัยใหม่ถูกใช้เพื่อสร้างความตึงเครียดและความสับสนผ่านความไม่ลงรอยกันของเสียงที่ละเอียดอ่อนแต่สวยงาม ซึ่งแทบจะหลบเลี่ยงความสามารถในการได้ยินของมนุษย์
ตัวอย่างของ Microtonal Music
Microtonality เป็นประเภทของดนตรีที่ช่วงระหว่างโน้ตถูกแบ่งออกเป็นส่วนเพิ่มทีละเล็กทีละน้อยกว่าระบบการปรับเสียงแบบดั้งเดิม เช่น อารมณ์เสียงเท่ากันสิบสองโทน สิ่งนี้ทำให้สามารถสร้างพื้นผิวดนตรีที่แปลกตาและน่าสนใจได้ ตัวอย่างของดนตรีประเภทไมโครโทนัลครอบคลุมแนวเพลงที่หลากหลาย ตั้งแต่คลาสสิกไปจนถึงดนตรีแนวทดลองและอื่นๆ ลองสำรวจบางส่วนของพวกเขา
แฮร์รี่พาร์ตช์
Harry Partch เป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในโลกของดนตรีประเภทไมโครโทนัล นักแต่งเพลง นักทฤษฎี และผู้สร้างเครื่องดนตรีชาวอเมริกัน Partch ได้รับเครดิตอย่างมากจากการสร้างสรรค์และพัฒนาแนวเพลงดังกล่าว
Partch เป็นที่รู้จักจากการสร้างสรรค์หรือสร้างแรงบันดาลใจให้กับเครื่องดนตรีประเภทไมโครโทนัลทั้งตระกูล ได้แก่ Adapted Violin, Adapted Viola, Chromelodeon (1973), Harmonic Canon I, Cloud Chamber Bowls, Marimba Eroica และ Diamond Marimba เป็นต้น เขาเรียกเครื่องดนตรีทั้งตระกูลของเขาว่า 'เครื่องดนตรีที่มีตัวตน' กล่าวคือ เขาออกแบบเครื่องดนตรีเหล่านี้ให้มีลักษณะเสียงเฉพาะเพื่อดึงเอาเสียงเฉพาะที่เขาต้องการสื่อออกมาในดนตรีของเขา
ละครโดย Partch รวมถึงผลงานที่ประสบความสำเร็จสองสามเรื่อง ได้แก่ The Bewitched (1948-9), Oedipus (1954) และ And on the Seventh Day Petals Fell in Petaluma (1959) ในงานเหล่านี้ Partch ได้ผสมผสานระบบการปรับเสียงสูงต่ำที่สร้างขึ้นโดย Partech เข้ากับรูปแบบการเล่นเพอร์คัชซีฟและแนวคิดที่น่าสนใจเช่นคำพูด สไตล์ของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะเพราะผสมผสานท่วงทำนองและเทคนิคแนวหน้าเข้ากับโลกดนตรีที่อยู่เหนือขอบเขตวรรณยุกต์ของยุโรปตะวันตก
การมีส่วนร่วมที่สำคัญของ Partch ที่มีต่อระดับเสียงระดับไมโครยังคงมีอิทธิพลมาจนถึงทุกวันนี้ เพราะเขาให้แนวทางแก่นักแต่งเพลงในการสำรวจการปรับเสียงที่นอกเหนือไปจากเสียงที่ใช้ในโทนเสียงแบบตะวันตกทั่วไป เขาสร้างสิ่งที่เป็นต้นฉบับอย่างแท้จริงด้วยการผสมผสานแนวดนตรีที่หลากหลายจากวัฒนธรรมดนตรีอื่นๆ ทั่วโลก โดยเฉพาะเพลงพื้นบ้านของญี่ปุ่นและอังกฤษ ผ่านสไตล์องค์กรของเขา ซึ่งรวมถึงการตีกลองบนชามโลหะหรือบล็อกไม้ และการร้องเพลงใส่ขวดหรือแจกัน Harry Partch โดดเด่นในฐานะตัวอย่างที่ไม่ธรรมดาของนักแต่งเพลงที่ทดลองวิธีการอันน่าตื่นเต้นในการสร้างดนตรีประเภทไมโครโทนัล!
ลู แฮร์ริสัน
ลู แฮร์ริสันเป็นนักแต่งเพลงชาวอเมริกันที่เขียนเพลงไมโครโทนัลอย่างกว้างขวาง ซึ่งมักเรียกกันว่า "ปรมาจารย์ไมโครโทนชาวอเมริกัน" เขาสำรวจระบบการปรับเสียงหลายระบบ รวมทั้งระบบเสียงสูงต่ำของเขาเอง
ผลงานของเขา “La Koro Sutro” เป็นตัวอย่างที่ดีของดนตรีประเภทไมโครโทนัล โดยใช้สเกลที่ไม่ได้มาตรฐานซึ่งประกอบด้วย 11 โน้ตต่ออ็อกเทฟ โครงสร้างของงานชิ้นนี้อิงจากอุปรากรจีนและรวมถึงการใช้เสียงที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิม เช่น ชามร้องเพลงและเครื่องสายแบบเอเชีย
ผลงานชิ้นอื่นๆ ของแฮร์ริสันที่เป็นตัวอย่างผลงานอันโดดเด่นของเขาในระดับไมโครโทน ได้แก่ “A Mass for Peace,” “The Grand Duo” และ “Four Strict Songs Rambling” เขายังเจาะลึกถึงดนตรีแจ๊สฟรี เช่น ผลงานของเขาในปี 1968 เรื่อง “Future Music from Maine” เช่นเดียวกับผลงานชิ้นก่อนๆ ของเขา งานชิ้นนี้ใช้เพียงระบบปรับเสียงสูงต่ำสำหรับระดับเสียงของมัน ในกรณีนี้ ช่วงระยะห่างของเสียงจะขึ้นอยู่กับสิ่งที่เรียกว่าระบบอนุกรมฮาร์มอนิก ซึ่งเป็นเทคนิคทั่วไปสำหรับการสร้างเสียงประสาน
ผลงานระดับไมโครโทนของแฮร์ริสันแสดงให้เห็นถึงความซับซ้อนที่สวยงามและเป็นเกณฑ์มาตรฐานสำหรับผู้ที่ค้นหาวิธีที่น่าสนใจในการขยายโทนเสียงแบบดั้งเดิมในการประพันธ์เพลงของตนเอง
เบน จอห์นสตัน
เบน จอห์นสตัน นักแต่งเพลงชาวอเมริกันถือเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่โดดเด่นที่สุดในโลกของดนตรีประเภทไมโครโทนัล ผลงานของเขา ได้แก่ Variations for orchestra, String Quartets 3-5, Sonata opus ชิ้นโบแดงสำหรับ Microtonal Piano และผลงานเด่นอื่นๆ อีกมากมาย ในงานชิ้นนี้ เขามักจะใช้ระบบปรับแต่งเสียงแบบอื่นหรือไมโครโทน ซึ่งทำให้เขาสามารถสำรวจความเป็นไปได้ของฮาร์มอนิกอื่นๆ ที่ไม่สามารถทำได้ด้วยอารมณ์เสียงเท่ากันสิบสองโทนแบบดั้งเดิม
จอห์นสตันพัฒนาสิ่งที่เรียกว่า Extended Just Intonation ซึ่งแต่ละช่วงประกอบด้วยเสียงต่างๆ กันภายในช่วงสองอ็อกเทฟ เขาเขียนผลงานแทบทุกประเภทดนตรี ตั้งแต่โอเปร่าไปจนถึงแชมเบอร์มิวสิค และผลงานที่สร้างจากคอมพิวเตอร์ งานบุกเบิกของเขาสร้างฉากสำหรับยุคใหม่ในแง่ของดนตรีไมโครโทน เขาได้รับการยอมรับอย่างมากในหมู่นักดนตรีและนักวิชาการ โดยได้รับรางวัลมากมายตลอดอาชีพการงานที่ประสบความสำเร็จของเขา
วิธีการใช้ Microtonality ในเพลง
การใช้โทนเสียงต่ำในเพลงสามารถเปิดโอกาสใหม่ๆ ในการสร้างเพลงที่มีเอกลักษณ์และน่าสนใจ Microtonality ช่วยให้สามารถใช้ช่วงและคอร์ดที่ไม่พบในดนตรีตะวันตกแบบดั้งเดิม ทำให้สามารถสำรวจและทดลองดนตรีได้ บทความนี้จะอธิบายถึงความแตกต่างของระดับเสียง ใช้ในดนตรี และวิธีรวมเข้ากับการประพันธ์เพลงของคุณเอง
เลือกระบบปรับแต่ง
ก่อนที่คุณจะสามารถใช้ไมโครโทนในเพลงได้ คุณต้องเลือกระบบการปรับเสียงก่อน มีระบบการปรับแต่งมากมายและแต่ละระบบก็เหมาะกับเพลงประเภทต่างๆ ระบบปรับแต่งทั่วไปประกอบด้วย:
-Just Intonation: Just intonation เป็นวิธีการปรับแต่งโน้ตเป็นช่วงๆ ที่ฟังดูไพเราะและเป็นธรรมชาติ มันขึ้นอยู่กับอัตราส่วนทางคณิตศาสตร์ที่สมบูรณ์แบบและใช้เฉพาะช่วงเวลาบริสุทธิ์ (เช่นเสียงทั้งหมด, ห้า, ฯลฯ ) มักใช้ในดนตรีคลาสสิกและดนตรีชาติพันธุ์วิทยา
-อารมณ์ที่เท่าเทียมกัน: อารมณ์ที่เท่าเทียมกันจะแบ่งอ็อกเทฟออกเป็น XNUMX ช่วงเท่าๆ กัน เพื่อสร้างเสียงที่สอดคล้องกันในทุกคีย์ นี่คือระบบที่นักดนตรีตะวันตกใช้กันมากที่สุดในปัจจุบัน เนื่องจากระบบนี้เหมาะกับท่วงทำนองที่มอดูเลตบ่อยหรือสลับไปมาระหว่างโทนเสียงต่างๆ
-อารมณ์โทนเสียง: โทนเสียงแบ่งอ็อกเทฟออกเป็นห้าส่วนที่ไม่เท่ากันเพื่อให้แน่ใจว่ามีน้ำเสียงเพียงพอสำหรับช่วงคีย์ ซึ่งทำให้โน้ตหรือสเกลบางตัวมีความสอดคล้องกันมากกว่าส่วนอื่นๆ และอาจมีประโยชน์อย่างยิ่งสำหรับนักดนตรีที่เชี่ยวชาญในดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดนตรียุคบาโรก หรือบางประเภท รูปแบบของดนตรีพื้นบ้าน
-ฮาร์มอนิกเทมเพอราเมนต์: ระบบนี้แตกต่างจากเทมเพอราเมนต์ที่เท่ากันโดยแนะนำการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยเพื่อสร้างเสียงที่อุ่นขึ้นและเป็นธรรมชาติมากขึ้น ซึ่งไม่ทำให้ผู้ฟังเหนื่อยล้าเป็นเวลานาน มักใช้กับแนวดนตรีแจ๊สและแนวดนตรีสากลแบบอิมโพรไวส์ รวมทั้งการประพันธ์เพลงออร์แกนคลาสสิกที่เขียนขึ้นในช่วงยุคบาโรก
การทำความเข้าใจว่าระบบใดเหมาะกับความต้องการของคุณมากที่สุดจะช่วยให้คุณตัดสินใจได้อย่างชาญฉลาดเมื่อสร้างชิ้นงานระดับไมโครโทนัล และยังช่วยให้ตัวเลือกการประพันธ์เพลงบางประเภทที่คุณมีให้ใช้งานได้เมื่อเขียนผลงาน
เลือกเครื่องดนตรีประเภทไมโครโทนัล
การใช้ microtonality ในดนตรีเริ่มต้นด้วยการเลือกเครื่องดนตรี เครื่องดนตรีหลายชนิด เช่น เปียโนและกีตาร์ ได้รับการออกแบบมาสำหรับการปรับจูนอารมณ์ที่เท่าเทียมกัน ซึ่งเป็นระบบที่จัดโครงสร้างช่วงเวลาโดยใช้คีย์อ็อกเทฟที่ 2:1 ในระบบการปรับเสียงนี้ โน้ตทั้งหมดจะถูกแบ่งออกเป็น 12 ช่วงเท่าๆ กัน ซึ่งเรียกว่าเซมิโทน
เครื่องดนตรีที่ออกแบบมาเพื่อการปรับจูนอารมณ์เท่ากันนั้นจำกัดให้เล่นในระบบโทนเสียงที่มีระดับเสียงที่แตกต่างกันเพียง 12 ระดับเสียงต่อออคเทฟ ในการสร้างโทนสีที่แม่นยำยิ่งขึ้นระหว่าง 12 ระดับเสียงนั้น คุณต้องใช้เครื่องมือที่ออกแบบมาสำหรับไมโครโทน เครื่องดนตรีเหล่านี้สามารถผลิตโทนเสียงที่แตกต่างกันมากกว่า 12 โทนเสียงต่ออ็อกเทฟโดยใช้วิธีการต่างๆ ที่หลากหลาย เครื่องดนตรีประเภทไมโครโทนัลทั่วไปบางประเภทรวมถึงเครื่องสายที่ไม่มีเฟรต เช่น กีตาร์ไฟฟ้า, เครื่องสายโค้ง เช่น ไวโอลินและวิโอลา เครื่องลมไม้ และคีย์บอร์ดบางชนิด (เช่น เฟล็กซาโทน)
การเลือกเครื่องดนตรีที่ดีที่สุดจะขึ้นอยู่กับสไตล์และความชอบด้านเสียงของคุณ นักดนตรีบางคนชอบเล่นเครื่องดนตรีคลาสสิกหรือโฟล์คแบบดั้งเดิม ในขณะที่บางคนทดลองด้วยความร่วมมือทางอิเล็กทรอนิกส์หรือวัตถุที่พบ เช่น ท่อหรือขวดรีไซเคิล เมื่อคุณเลือกเครื่องดนตรีของคุณแล้ว ก็ถึงเวลาสำรวจโลกแห่งไมโครโทน!
ฝึกการแสดงไมโครโทนอล
เมื่อเริ่มทำงานกับไมโครโทน การฝึกอิมโพรไวส์ไมโครโทนอย่างเป็นระบบอาจเป็นจุดเริ่มต้นที่ดี เช่นเดียวกับการฝึกด้นสด สิ่งสำคัญคือต้องติดตามสิ่งที่คุณกำลังเล่นและวิเคราะห์ความคืบหน้าของคุณ
ในระหว่างการฝึกอิมโพรไวส์แบบไมโครโทนัล พยายามทำความคุ้นเคยกับความสามารถของเครื่องดนตรีของคุณ และพัฒนาวิธีการเล่นที่สะท้อนถึงจุดมุ่งหมายทางดนตรีและการประพันธ์เพลงของคุณเอง นอกจากนี้ คุณควรสังเกตรูปแบบหรือแรงจูงใจใดๆ ที่เกิดขึ้นขณะด้นสด การไตร่ตรองถึงสิ่งที่ดูเหมือนจะใช้ได้ดีในบทกลอนสดเป็นสิ่งที่มีค่ามาก เนื่องจากลักษณะหรือรูปร่างเหล่านี้สามารถรวมเข้ากับบทประพันธ์ของคุณในภายหลังได้
การด้นสดมีประโยชน์อย่างยิ่งสำหรับการพัฒนาความคล่องแคล่วในการใช้ไมโครโทน เนื่องจากปัญหาทางเทคนิคใดๆ ที่คุณพบในกระบวนการด้นสดสามารถแก้ไขได้ในภายหลังระหว่างขั้นตอนการแต่งเพลง การฉายภาพล่วงหน้าในแง่ของเทคนิคและเป้าหมายที่สร้างสรรค์ช่วยให้คุณมีอิสระในการสร้างสรรค์มากขึ้นเมื่อบางสิ่งไม่เป็นไปตามแผน! การด้นสดแบบไมโครโทนยังสามารถมีรากฐานที่แข็งแกร่งในประเพณีทางดนตรีอีกด้วย ลองพิจารณาสำรวจระบบดนตรีที่ไม่ใช่ของตะวันตกซึ่งมีรากฐานมาจากแนวปฏิบัติแบบไมโครโทนแบบต่างๆ เช่น ที่พบในชนเผ่าเบดูอินจากแอฟริกาเหนือ และอื่นๆ อีกมากมาย!
สรุป
สรุปได้ว่า microtonality เป็นรูปแบบที่ค่อนข้างใหม่แต่มีความสำคัญในการประพันธ์ดนตรีและการแสดง การเรียบเรียงรูปแบบนี้เกี่ยวข้องกับการจัดการจำนวนโทนเสียงที่มีในอ็อกเทฟเพื่อสร้างเสียงและอารมณ์ใหม่ๆ ที่ไม่เหมือนใคร แม้ว่า microtonality จะมีมานานหลายศตวรรษแล้ว แต่ก็ได้รับความนิยมมากขึ้นในช่วงสองสามทศวรรษที่ผ่านมา ไม่เพียงอนุญาตให้มีการสร้างสรรค์ดนตรีที่ยิ่งใหญ่ขึ้นเท่านั้น แต่ยังอนุญาตให้นักแต่งเพลงบางคนแสดงความคิดที่เป็นไปไม่ได้มาก่อน เช่นเดียวกับดนตรีประเภทอื่นๆ ความคิดสร้างสรรค์และความรู้จากศิลปินจะมีความสำคัญยิ่งในการทำให้เพลงที่มีไมโครโทนัลแสดงศักยภาพสูงสุด
ฉันชื่อ Joost Nusselder ผู้ก่อตั้ง Neaera และนักการตลาดเนื้อหา พ่อ และรักที่จะลองอุปกรณ์ใหม่ด้วยกีตาร์ที่เป็นหัวใจของความหลงใหล และด้วยทีมของฉัน ฉันได้สร้างสรรค์บทความบล็อกเชิงลึกมาตั้งแต่ปี 2020 เพื่อช่วยผู้อ่านที่ภักดีด้วยเคล็ดลับการบันทึกเสียงและกีตาร์
