Mikrotonalność to termin powszechnie używany do opisania muzyki skomponowanej przy użyciu interwałów mniejszych niż tradycyjny zachodni półton.
Próbuje oderwać się od tradycyjnej struktury muzycznej, skupiając się zamiast tego na unikalnych interwałach, tworząc w ten sposób bardziej zróżnicowane i ekspresyjne subiektywne pejzaże dźwiękowe.
Popularność muzyki mikrotonowej wzrosła w ciągu ostatniej dekady, ponieważ kompozytorzy coraz częściej odkrywają nowe metody ekspresji poprzez swoją muzykę.
Najczęściej występuje w gatunkach elektronicznych i opartych na elektronice, takich jak EDM, ale znajduje również drogę między innymi do popu, jazzu i muzyki klasycznej.
Mikrotonalność rozszerza zakres instrumentów i dźwięków używanych w kompozycji, umożliwiając tworzenie całkowicie unikalnych dźwiękowych pól dźwiękowych, które można usłyszeć tylko za pomocą mikrotonów.
Oprócz kreatywnych zastosowań, muzyka mikrotonowa służy również celom analitycznym – umożliwia muzykom studiowanie lub analizowanie nietypowych systemów strojenia i skal z większą dokładnością, niż można by osiągnąć przy „tradycyjnym” strojeniu równomiernie temperowanym (przy użyciu półtonów).
Pozwala to na bliższe zbadanie harmonicznych zależności częstotliwościowych między nutami.
Definicja mikrotonalności
Mikrotonalność to termin używany w teorii muzyki do opisania muzyki z interwałami mniejszymi niż półton. Jest to termin używany do określenia interwałów mniejszych niż pół kroku w muzyce zachodniej. Mikrotonalność nie ogranicza się do muzyki zachodniej i można ją znaleźć w muzyce wielu kultur na całym świecie. Przyjrzyjmy się, co ta koncepcja oznacza w teorii muzyki i kompozycji.
Co to jest mikroton?
Mikroton to jednostka miary używana w muzyce do opisania tonu lub tonu mieszczącego się pomiędzy tonami zachodniego tradycyjnego strojenia 12-tonowego. Często określana jako „mikrotonalna”, organizacja ta jest szeroko stosowana w muzyce klasycznej i światowej i zyskuje na popularności zarówno wśród kompozytorów, jak i słuchaczy.
Mikrotony są przydatne do tworzenia niezwykłych tekstur i nieoczekiwanych wariacji harmonicznych w ramach danego systemu tonalnego. Podczas gdy tradycyjne strojenie 12-tonowe dzieli oktawę na dwanaście półtonów, mikrotonowość wykorzystuje interwały znacznie dokładniejsze niż te występujące w muzyce klasycznej, takie jak ćwierćtony, tercje tonów, a nawet mniejsze podziały zwane interwałami „ultrapolifonicznymi”. Te bardzo małe jednostki mogą często zapewniać unikalny dźwięk, który może być trudny do odróżnienia przez ludzkie ucho lub który może tworzyć zupełnie nowe kombinacje muzyczne, które nigdy wcześniej nie były badane.
Zastosowanie mikrotonów umożliwia wykonawcom i słuchaczom interakcję z materiałem muzycznym na bardzo podstawowym poziomie, często pozwalając im usłyszeć subtelne niuanse, których wcześniej nie byliby w stanie usłyszeć. Te zróżnicowane interakcje są niezbędne do odkrywania złożonych relacji harmonicznych, tworzenia unikalnych dźwięków, których nie można uzyskać za pomocą konwencjonalnych instrumentów, takich jak pianina czy gitary, lub odkrywania zupełnie nowych światów intensywności i ekspresji poprzez słuchanie.
Czym mikrotonalność różni się od muzyki tradycyjnej?
Mikrotonalność to technika muzyczna, która pozwala dzielić nuty na mniejsze jednostki niż interwały stosowane w tradycyjnej muzyce zachodniej, które opierają się na półkrokach i całych krokach. Wykorzystuje interwały znacznie węższe niż w tonacji klasycznej, dzieląc oktawę na aż 250 lub więcej tonów. Zamiast polegać na skali durowej i molowej występującej w muzyce tradycyjnej, muzyka mikrotonowa tworzy własne skale przy użyciu tych mniejszych podziałów.
Muzyka mikrotonowa często tworzy nieoczekiwane dysonanse (ostro skontrastowane kombinacje dwóch lub więcej tonów), które skupiają uwagę w sposób niemożliwy do uzyskania w przypadku tradycyjnych skal. W tradycyjnej harmonii klastry nut powyżej czterech mają tendencję do wywoływania nieprzyjemnego uczucia z powodu ich zderzenia i niestabilności. W przeciwieństwie do tego, dysonanse tworzone przez harmonię mikrotonową mogą brzmieć bardzo przyjemnie w zależności od tego, jak są używane. Ta odrębność może nadać utworowi muzycznemu wyszukaną teksturę, głębię i złożoność, co pozwala na kreatywną ekspresję i eksplorację poprzez różne kombinacje dźwięków.
W muzyce mikrotonowej niektórzy kompozytorzy mają również okazję włączyć swoje dziedzictwo kulturowe do swoich kompozycji, czerpiąc z niezachodnich tradycji muzyki klasycznej, takich jak ragi północnoindyjskie lub skale afrykańskie, w których stosuje się ćwierćtony lub nawet subtelniejsze podziały. Muzycy mikrotonowi przejęli niektóre elementy z tych form, jednocześnie czyniąc je współczesnymi, łącząc je z elementami zachodnich stylów muzycznych, zapoczątkowując ekscytującą nową erę muzycznych poszukiwań!
Historia mikrotonalności
Mikrotonalność ma długą i bogatą historię w muzyce, sięgającą najwcześniejszych muzycznych tradycji i kultur. Kompozytorzy mikrotonowi, tacy jak Harry Partch i Alois Hába, pisali muzykę mikrotonową od początku XX wieku, a instrumenty mikrotonowe istnieją jeszcze dłużej. Chociaż mikrotonalność jest często kojarzona z muzyką współczesną, ma na nią wpływy kultur i praktyk z całego świata. W tej części przyjrzymy się historii mikrotonalności.
Muzyka starożytna i dawna
Mikrotonalność — stosowanie interwałów mniejszych niż pół kroku — ma długą i bogatą historię. Starożytny grecki teoretyk muzyki, Pitagoras, odkrył zrównanie interwałów muzycznych ze stosunkami liczbowymi, torując drogę teoretykom muzyki, takim jak Eratostenes, Arystoksen i Ptolemeusz, do opracowania teorii strojenia muzycznego. Wprowadzenie instrumentów klawiszowych w XVII wieku stworzyło nowe możliwości eksploracji mikrotonów, znacznie ułatwiając eksperymentowanie z proporcjami wykraczającymi poza tradycyjne strojenie temperowane.
W XIX wieku osiągnięto porozumienie, które obejmowało wrażliwość mikrotonową. Rozwój, taki jak cyrkulacja ratiomorficzna we Francji (d'Indy i Debussy), przyniósł dalsze eksperymenty z kompozycją mikrotonową i systemami strojenia. W Rosji Arnold Schönberg badał skale ćwierćtonowe, a wielu rosyjskich kompozytorów badało swobodne harmoniczne pod wpływem Aleksandra Skriabina. Następnie w Niemczech kompozytor Alois Hába rozwinął swój system oparty na ćwierćtonach, ale nadal przestrzegał tradycyjnych zasad harmonicznych. Później Partch opracował własny system strojenia tylko intonacji, który jest nadal popularny wśród niektórych entuzjastów (na przykład Richarda Coultera).
W XX wieku nastąpił wielki rozkwit kompozycji mikrotonowej w wielu gatunkach, w tym w muzyce klasycznej, jazzie, nowoczesnej awangardzie i minimalizmie. Terry Riley był jednym z wczesnych orędowników minimalizmu, a La Monte Young używał rozszerzonych alikwotów, w tym harmonicznych występujących między nutami, aby stworzyć pejzaże dźwiękowe, które oczarowały publiczność, używając jedynie generatorów fal sinusoidalnych i dronów. Wczesne instrumenty, takie jak quartetto d'accordi, były budowane specjalnie do tych celów z usługami nieortodoksyjnych twórców lub budowane na zamówienie przez uczniów próbujących czegoś nowego. Niedawno komputery umożliwiły jeszcze większy dostęp do mikrotonowych eksperymentów dzięki nowatorskim kontrolerom zaprojektowanym specjalnie do tego celu, podczas gdy pakiety oprogramowania umożliwiają kompozytorom łatwiejsze odkrywanie nieskończonych możliwości dostępnych w ramach eksperymentalnego tworzenia muzyki mikrotonowej, wcześniejsi wykonawcy unikaliby ręcznego sterowania ze względu na samą liczbę zaangażowane lub fizyczne ograniczenia ograniczające to, co mogli kontrolować melodycznie w dowolnym momencie.
Mikrotonowa muzyka XX wieku
W XX wieku kompozytorzy modernistyczni zaczęli eksperymentować z kombinacjami mikrotonowymi, używając ich do oderwania się od tradycyjnych form tonalnych i rzucenia wyzwania naszym uszom. Po okresie badań nad systemami strojenia i odkrywaniem ćwierćtonów, piątych tonów i innych harmonii mikrotonowych, w połowie XX wieku odkrywamy pojawienie się pionierów mikrotonalności, takich jak Charles Ives, Charles Seeger i George Crumb.
Charles Seeger był muzykologiem, który opowiadał się za zintegrowaną tonalnością – systemem, w którym wszystkie dwanaście nut jest równomiernie dostrojonych i ma równe znaczenie w kompozycji muzycznej i wykonaniu. Seeger zasugerował również, że interwały, takie jak kwinty, powinny być podzielone na tercje lub septymy zamiast harmonijnego wzmacniania ich oktawą lub doskonałą kwartą.
Pod koniec lat pięćdziesiątych francuski teoretyk muzyki Abraham Moles wymyślił coś, co nazwał „ultrafonią” lub „chromatofonią”, w której 1950-dźwiękowa skala jest podzielona na dwie grupy po dwanaście nut w obrębie oktawy, a nie w jednej skali chromatycznej. Pozwoliło to na równoczesne dysonanse, takie jak trytony czy powiększone kwarty, które można usłyszeć na albumach takich jak Trzecia sonata fortepianowa Pierre'a Bouleza czy Cztery fantazje Rogera Reynoldsa (24).
Niedawno inni kompozytorzy, tacy jak Julian Anderson, również eksplorowali ten świat nowych barw, możliwy dzięki zapisowi mikrotonowemu. We współczesnej muzyce klasycznej mikrotony są używane do tworzenia napięcia i ambiwalencji poprzez subtelne, ale pięknie brzmiące dysonanse, które prawie wymykają się możliwościom ludzkiego słuchu.
Przykłady muzyki mikrotonowej
Mikrotonalność to rodzaj muzyki, w której odstępy między nutami są podzielone na mniejsze przyrosty niż w tradycyjnych systemach strojenia, takich jak dwunastotonowy równomiernie temperowany. Pozwala to na tworzenie niezwykłych i ciekawych faktur muzycznych. Przykłady muzyki mikrotonowej obejmują różne gatunki, od klasycznego po eksperymentalny i nie tylko. Przyjrzyjmy się kilku z nich.
Harry'ego Partcha
Harry Partch jest jednym z najbardziej znanych pionierów w świecie muzyki mikrotonowej. Amerykański kompozytor, teoretyk i budowniczy instrumentów Partch został w dużej mierze uznany za stworzenie i rozwój gatunku.
Partch był znany z tworzenia lub inspirowania całej rodziny instrumentów mikrotonowych, w tym między innymi Adapted Violin, Adapted Viola, Chromelodeon (1973), Harmonic Canon I, Cloud Chamber Bowls, Marimba Eroica i Diamond Marimba. Całą swoją rodzinę instrumentów nazwał instrumentami „cielesnymi” – to znaczy, że zaprojektował je z określonymi właściwościami dźwiękowymi, aby wydobyć określone dźwięki, które chciał wyrazić w swojej muzyce.
Repertuar Partcha obejmuje kilka przełomowych dzieł – Czarownice (1948-9), Edyp (1954) i A siódmego dnia płatki spadły w Petalumie (1959). W tych utworach Partch połączył tylko system strojenia intonacji, który został zbudowany przez Partech, z perkusyjnymi stylami gry i ciekawymi koncepcjami, takimi jak mówione słowa. Jego styl jest wyjątkowy, ponieważ łączy melodyczne pasaże, a także techniki awangardowe z muzycznymi światami wykraczającymi poza tonalne granice Europy Zachodniej.
Ważny wkład Partcha w mikrotonalność nadal ma wpływ, ponieważ dał kompozytorom sposób na odkrywanie strojów wykraczających poza te używane w konwencjonalnych zachodnich tonacjach. Stworzył coś naprawdę oryginalnego, łącząc różne nurty z innych kultur muzycznych na całym świecie – w szczególności japońskie i angielskie melodie ludowe – poprzez swój korporacyjny styl, który obejmuje bębnienie w metalowe misy lub drewniane klocki oraz śpiewanie do butelek lub wazonów. Harry Partch wyróżnia się jako niezwykły przykład kompozytora, który eksperymentował z ekscytującymi podejściami do tworzenia mikrotonowej muzyki!
Lou Harrisona
Lou Harrison był amerykańskim kompozytorem, który pisał obszernie w muzyce mikrotonowej, często nazywanym „amerykańskim mistrzem mikrotonów”. Zbadał wiele systemów strojenia, w tym własny system właściwej intonacji.
Jego utwór „La Koro Sutro” jest doskonałym przykładem muzyki mikrotonowej, wykorzystującej niestandardową skalę złożoną z 11 nut na oktawę. Struktura tego utworu oparta jest na chińskiej operze i obejmuje wykorzystanie nietradycyjnych dźwięków, takich jak śpiewające misy i azjatyckie instrumenty smyczkowe.
Inne utwory Harrisona, które są przykładem jego płodnej pracy w mikrotonowości, to „A Mass for Peace”, „The Grand Duo” i „Four Strict Songs Rambling”. Zagłębił się nawet w free jazz, taki jak jego utwór „Future Music from Maine” z 1968 roku. Podobnie jak w przypadku niektórych jego wcześniejszych prac, ten utwór opiera się tylko na systemach strojenia intonacji dla swoich wysokości. W tym przypadku interwały tonacji są oparte na tak zwanym systemie szeregów harmonicznych — powszechnej technice sprawiedliwej intonacji służącej do generowania harmonii.
Mikrotonowe prace Harrisona wykazują piękną złożoność i służą jako punkt odniesienia dla tych, którzy szukają ciekawych sposobów na rozszerzenie tradycyjnej tonacji we własnych kompozycjach.
Bena Johnstona
Amerykański kompozytor Ben Johnston jest uważany za jednego z najwybitniejszych kompozytorów w świecie muzyki mikrotonowej. Jego dzieła obejmują Wariacje na orkiestrę, Kwartety smyczkowe 3-5, opus magnum Sonata na fortepian mikrotonowy i kilka innych godnych uwagi dzieł. W tych utworach często stosuje alternatywne systemy strojenia lub mikrotony, które pozwalają mu odkrywać dalsze możliwości harmoniczne, które nie są możliwe przy tradycyjnym dwunastotonowym równym temperamencie.
Johnston opracował tak zwaną rozszerzoną intonację prostą, w której każdy interwał składa się z wielu różnych dźwięków w zakresie dwóch oktaw. Pisał utwory z praktycznie wszystkich gatunków muzycznych – od opery po muzykę kameralną i utwory generowane komputerowo. Jego pionierskie prace przygotowały grunt pod nową erę muzyki mikrotonowej. Zdobył znaczące uznanie wśród muzyków i naukowców, zdobywając liczne nagrody w całej swojej pełnej sukcesów karierze.
Jak używać mikrotonalności w muzyce
Wykorzystanie mikrotonalności w muzyce może otworzyć zupełnie nowe możliwości tworzenia unikalnej, interesującej muzyki. Mikrotonalność pozwala na użycie interwałów i akordów, których nie ma w tradycyjnej muzyce zachodniej, co pozwala na muzyczną eksplorację i eksperymentowanie. W tym artykule omówimy, czym jest mikrotonalność, jak jest używana w muzyce i jak włączyć ją do własnych kompozycji.
Wybierz system strojenia
Zanim będziesz mógł używać mikrotonalności w muzyce, musisz wybrać system strojenia. Istnieje wiele systemów strojenia, a każdy z nich nadaje się do innego rodzaju muzyki. Typowe systemy strojenia obejmują:
- Just Intonation: Just Intonation to metoda strojenia nut do czystych interwałów, które brzmią bardzo przyjemnie i naturalnie. Opiera się na doskonałych proporcjach matematycznych i używa tylko czystych interwałów (takich jak całe tony, kwinty itp.). Jest często używany w muzyce klasycznej i etnomuzykologicznej.
-Equal Temperament: Equal Temperament: Equal Temperament dzieli oktawę na dwanaście równych interwałów, aby stworzyć spójny dźwięk we wszystkich klawiszach. Jest to najpopularniejszy system używany obecnie przez zachodnich muzyków, ponieważ dobrze nadaje się do melodii, które często modulują lub poruszają się między różnymi tonami.
Temperament średniotonowy: Temperament średniotonowy dzieli oktawę na pięć nierównych części w celu zapewnienia właściwej intonacji kluczowych interwałów – sprawiając, że niektóre nuty lub skale są bardziej spółgłoskowe niż inne – i może być szczególnie przydatny dla muzyków specjalizujących się w muzyce renesansowej, barokowej lub innych formy muzyki ludowej.
-Harmonic Temperament: Ten system różni się od systemu równomiernie temperowanego wprowadzając niewielkie zmiany w celu uzyskania cieplejszego, bardziej naturalnego dźwięku, który nie męczy słuchacza przez dłuższy czas. Jest często używany do improwizowanych gatunków jazzowych i world music, a także klasycznych kompozycji organowych napisanych w okresie baroku.
Zrozumienie, który system najlepiej odpowiada Twoim potrzebom, pomoże Ci podejmować świadome decyzje podczas tworzenia mikrotonowych utworów, a także rzuci światło na niektóre opcje kompozycyjne dostępne podczas pisania utworów.
Wybierz instrument mikrotonowy
Stosowanie mikrotonalności w muzyce zaczyna się od wyboru instrumentu. Wiele instrumentów, takich jak pianina i gitary, zaprojektowano do strojenia równomiernie temperowanego — systemu, który tworzy interwały przy użyciu tonacji oktawowej 2:1. W tym systemie strojenia wszystkie nuty są podzielone na 12 równych interwałów, zwanych półtonami.
Instrument przeznaczony do strojenia równomiernie temperowanego jest ograniczony do gry w systemie tonalnym z zaledwie 12 różnymi wysokościami na oktawę. Aby uzyskać bardziej precyzyjne kolory tonalne między tymi 12 wysokościami, musisz użyć instrumentu zaprojektowanego do mikrotonalności. Instrumenty te są w stanie wytworzyć ponad 12 różnych tonów na oktawę przy użyciu różnych metod — niektóre typowe instrumenty mikrotonowe obejmują bezprogowe instrumenty strunowe, takie jak gitara elektryczna, smyczki, takie jak skrzypce i altówka, instrumenty dęte drewniane i niektóre instrumenty klawiszowe (takie jak fleksatony).
Najlepszy wybór instrumentu będzie zależał od Twojego stylu i preferencji brzmieniowych — niektórzy muzycy wolą pracować z tradycyjnymi instrumentami klasycznymi lub folkowymi, podczas gdy inni eksperymentują z elektronicznymi elementami współpracy lub znalezionymi przedmiotami, takimi jak fajki lub butelki z recyklingu. Po wybraniu instrumentu nadszedł czas na odkrywanie świata mikrotonalności!
Ćwicz improwizację mikrotonową
Kiedy zaczynasz pracę z mikrotonami, doskonałym punktem wyjścia może być systematyczne ćwiczenie improwizacji mikrotonowej. Podobnie jak w przypadku każdej praktyki improwizacji, ważne jest, aby śledzić to, co grasz i analizować swoje postępy.
Podczas praktyki improwizacji mikrotonowej staraj się poznać możliwości swoich instrumentów i wypracować sposób gry, który odzwierciedla Twoje własne cele muzyczne i kompozytorskie. Powinieneś również zwrócić uwagę na wszelkie wzory lub motywy, które pojawiają się podczas improwizacji. Niezwykle cenna jest refleksja nad tym, co wydawało się dobrze działać podczas improwizowanego pasażu, ponieważ tego rodzaju cechy lub figury można później włączyć do twoich kompozycji.
Improwizacja jest szczególnie przydatna do rozwijania płynności w używaniu mikrotonów, ponieważ wszelkie problemy techniczne, które napotkasz w procesie improwizacji, można rozwiązać później, podczas faz komponowania. Wybieganie do przodu pod względem techniki i kreatywnych celów zapewnia większą swobodę twórczą na wypadek, gdyby coś nie wyszło zgodnie z planem! Improwizacje mikrotonowe mogą mieć również silne podstawy w tradycji muzycznej – rozważ zbadanie niezachodnich systemów muzycznych głęboko zakorzenionych w różnych praktykach mikrotonowych, takich jak między innymi plemiona Beduinów z Afryki Północnej!
Wnioski
Podsumowując, mikrotonalność jest stosunkowo nową, ale znaczącą formą kompozycji i wykonania muzycznego. Ta forma kompozycji polega na manipulowaniu liczbą tonów dostępnych w oktawie w celu stworzenia unikalnych, a także nowych dźwięków i nastrojów. Chociaż mikrotonalność istnieje od wieków, w ciągu ostatnich kilku dekad stała się coraz bardziej popularna. Pozwoliło to nie tylko na większą twórczość muzyczną, ale także pozwoliło niektórym kompozytorom wyrazić idee, które wcześniej byłyby niemożliwe. Podobnie jak w przypadku każdego rodzaju muzyki, kreatywność i wiedza artysty będą miały kluczowe znaczenie dla zapewnienia, że muzyka mikrotonowa osiągnie swój pełny potencjał.
Jestem Joost Nusselder, założyciel Neaera i content marketer, tata i uwielbiam wypróbowywać nowy sprzęt z gitarą w sercu mojej pasji, a wraz z moim zespołem tworzę szczegółowe artykuły na blogu od 2020 roku aby pomóc lojalnym czytelnikom z poradami dotyczącymi nagrań i gitar.
