A microtonalidade é un termo usado habitualmente para describir a música composta usando intervalos máis pequenos que o semitono occidental tradicional.
Intenta romper coa estrutura da música tradicional, centrándose en cambio en intervalos únicos, creando así paisaxes sonoras subxectivas máis variadas e expresivas.
A música microtonal experimentou un aumento da popularidade durante a última década a medida que os compositores exploran cada vez máis novos métodos de expresión a través da súa música.
Atópase con máis frecuencia en xéneros electrónicos e electrónicos como o EDM, pero tamén atopa o seu camiño no pop, jazz e estilos clásicos, entre outros.
A microtonalidade amplía a gama de instrumentos e sons utilizados na composición, facendo posible crear campos sonoros únicos que só se poden escoitar mediante o uso de microtons.
Ademais das súas aplicacións creativas, a música microtonal tamén ten un propósito analítico: permite aos músicos estudar ou analizar sistemas de afinación e escalas pouco habituais con maior precisión que a que se podería conseguir coa afinación "tradicional" de temperamento igual (usando semitonos).
Isto permite un exame máis detallado das relacións de frecuencia harmónica entre as notas.
Definición de microtonalidade
A microtonalidade é un termo usado na teoría musical para describir música con intervalos inferiores a un semitono. Son os termos usados para intervalos máis pequenos que o medio paso da música occidental. A microtonalidade non se limita á música occidental e pódese atopar na música de moitas culturas de todo o mundo. Exploremos o que significa este concepto en teoría e composición musical.
Que é un microton?
Un microton é unha unidade de medida que se usa na música para describir un tono ou ton que se sitúa entre os tons da afinación tradicional occidental de 12 tons. A miúdo denominada "microtonal", esta organización úsase amplamente na música clásica e mundial e está a medrar en popularidade entre compositores e oíntes por igual.
Os microtons son útiles para crear texturas pouco habituais e variacións harmónicas inesperadas dentro dun sistema tonal determinado. Mentres que a afinación tradicional de 12 tons divide unha oitava en doce semitonos, a microtonalidade utiliza intervalos moito máis finos que os que se atopan na música clásica, como cuartos de ton, terzos de tons e incluso divisións máis pequenas coñecidas como intervalos "ultrapolifónicos". Estas unidades moi pequenas a miúdo poden proporcionar un son único que pode ser difícil de distinguir cando se escoita polo oído humano ou que pode crear combinacións musicais totalmente novas que nunca antes se exploraron.
O uso de microtons permite que os intérpretes e os oíntes interactúen co material musical nun nivel moi básico, permitíndolles a miúdo escoitar matices sutís que antes non poderían escoitar. Estas interaccións matizadas son esenciais para explorar relacións harmónicas complexas, crear sons únicos que non son posibles con instrumentos convencionais como pianos ou guitarras, ou descubrir mundos totalmente novos de intensidade e expresión a través da escoita.
En que se diferencia a microtonalidade da música tradicional?
A microtonalidade é unha técnica musical que permite dividir as notas en unidades máis pequenas que os intervalos empregados na música tradicional occidental, que se basean en pasos medios e enteiros. Emprega intervalos moito máis estreitos que os da tonalidade clásica, subdividindo a oitava en ata 250 ou máis tons. En lugar de confiar na escala maior e menor que se atopa na música tradicional, a música microtonal crea as súas propias escalas usando estas divisións máis pequenas.
A música microtonal adoita crear disonancias inesperadas (combinacións moi contrastadas de dúas ou máis alturas) que concentran a atención de xeitos que non serían obtidos coas escalas tradicionais. Na harmonía tradicional, os grupos de notas máis aló de catro tenden a producir sensacións incómodas debido ao seu choque e inestabilidade. Pola contra, as disonancias creadas pola harmonía microtonal poden soar moi agradables dependendo de como se utilicen. Esta distinción pode darlle unha elaborada textura, profundidade e complexidade a unha peza musical que permite a expresión creativa e a exploración a través de diferentes combinacións de sons.
Na música microtonal tamén hai a oportunidade de que certos compositores incorporen a súa herdanza cultural nas súas composicións a partir de tradicións de música clásica non occidentais, como as ragas do norte da India ou as escalas africanas onde se empregan cuartos de ton ou incluso divisións máis finas. Os músicos microtonais adoptaron algúns elementos destas formas ao tempo que os convertían en contemporáneos combinándoos con elementos de estilos musicais occidentais, inaugurando unha nova era emocionante de exploración musical.
Historia da microtonalidade
A microtonalidade ten unha longa e rica historia na música que se remonta ás primeiras tradicións e culturas musicais. Os compositores microtonais, como Harry Partch e Alois Hába, levan escribindo música microtonal desde principios do século XX, e os instrumentos microtonais levan aínda máis tempo. Aínda que a microtonalidade adoita asociarse coa música moderna, ten influencias de culturas e prácticas de todo o mundo. Nesta sección, exploraremos a historia da microtonalidade.
Música antiga e antiga
A microtonalidade -o uso de intervalos de menos de medio paso- ten unha longa e rica historia. O teórico da música grego antigo Pitágoras descubriu a ecuación dos intervalos musicais con relacións numéricas, abrindo o camiño para que teóricos da música como Eratóstenes, Aristóxeno e Ptolomeo desenvolvesen as súas teorías sobre a afinación musical. A introdución de instrumentos de teclado no século XVII creou novas posibilidades para a exploración microtonal, facendo que sexa moito máis fácil experimentar con ratios máis aló das das afinacións temperadas tradicionais.
No século XIX chegouse a un entendemento que incluía a sensibilidade microtonal. Desenvolvementos como a circulación ratiomórfica en Francia (d'Indy e Debussy) viron novos experimentos de composición microtonal e sistemas de afinación. En Rusia Arnold Schönberg explorou escalas de cuartos de ton e varios compositores rusos exploraron os harmónicos libres baixo a influencia de Alexander Scriabin. Este foi seguido en Alemaña polo compositor Alois Hába que desenvolveu o seu sistema baseado en cuartos de ton pero aínda adhirindo aos principios harmónicos tradicionais. Máis tarde, Partch desenvolveu o seu propio sistema de afinación de entoación que aínda é popular hoxe en día entre algúns entusiastas (por exemplo Richard Coulter).
O século XX viu un gran aumento da composición microtonal en moitos xéneros, incluíndo clásico, jazz, vangarda moderna e minimalismo. Terry Riley foi un dos primeiros defensores do minimalismo e La Monte Young utilizou matices estendidos, incluídos os harmónicos que se producían entre as notas, para crear paisaxes sonoras que fascinaban ao público usando nada máis que xeradores de onda sinusoidal e drones. Os primeiros instrumentos como o quartetto d'accordi foron construídos específicamente para estes fins con servizos de fabricantes pouco ortodoxos ou construídos a medida por estudantes que intentaban algo novo. Máis recentemente, os ordenadores permitiron un acceso aínda maior á experimentación microtonal con novos controladores deseñados específicamente para este fin, mentres que os paquetes de software permiten aos compositores explorar máis facilmente as infinitas posibilidades dispoñibles dentro da creación de música experimental con microtonalidade. limitacións implicadas ou físicas que limitan o que podían controlar melódicamente en calquera momento.
Música microtonal do século XX
Durante o século XX, os compositores modernistas comezaron a experimentar con combinacións microtonais, utilizándoas para romper coas formas tonais tradicionais e desafiar os nosos oídos. Tras un período de investigación sobre sistemas de afinación e exploración de harmonías de cuartos de ton, quintos e outras microtonais, a mediados do século XX atopamos a aparición de pioneiros na microtonalidade como Charles Ives, Charles Seeger ou George Crumb.
Charles Seeger foi un musicólogo que defendeu a tonalidade integrada, un sistema no que as doce notas están afinadas uniformemente e teñen a mesma importancia na composición e interpretación musical. Seeger tamén suxeriu que os intervalos como as quintas deberían dividirse en 3 ou 7 en vez de reforzarse harmónicamente por unha oitava ou un cuarto perfecto.
A finais da década de 1950, o teórico musical francés Abraham Moles ideou o que el chamou "ultrafonía" ou "cromatofonía", onde unha escala de 24 notas está dividida en dous grupos de doce notas dentro dunha oitava en lugar dunha única escala cromática. Isto permitiu disonancias simultáneas como tritonos ou cuartos aumentados que se poden escoitar en álbums como a Terceira Sonata para piano de Pierre Boulez ou as Four Fantasies (1966) de Roger Reynolds.
Máis recentemente, outros compositores como Julian Anderson tamén exploraron este mundo de novos timbres posibles pola escritura microtonal. Na música clásica moderna utilízanse os microtons para crear tensión e ambivalencia mediante disonancias sonoras sutís pero fermosas que case evaden as nosas capacidades auditivas humanas.
Exemplos de música microtonal
A microtonalidade é un tipo de música no que os intervalos entre notas se dividen en incrementos máis pequenos que nos sistemas de afinación tradicionais como o temperamento igual de doce tons. Isto permite crear texturas musicais inusuales e interesantes. Os exemplos de música microtonal abarcan unha variedade de xéneros, desde o clásico ata o experimental e máis aló. Exploremos algúns deles.
Harry Partch
Harry Partch é un dos pioneiros máis coñecidos no mundo da música microtonal. O compositor, teórico e constructor de instrumentos estadounidense Partch foi acreditado en gran medida pola creación e desenvolvemento do xénero.
Partch era coñecido por crear ou inspirar toda unha familia de instrumentos microtonais, incluíndo o violín adaptado, a viola adaptada, Chromelodeon (1973), Harmonic Canon I, Cloud Chamber Bowls, Marimba Eroica e Diamond Marimba, entre outros. Chamou instrumentos "corpóreos" a toda a súa familia de instrumentos, é dicir, que os deseñou cunhas características sonoras específicas para sacar os sons específicos que quería expresar na súa música.
O repertorio de Partch inclúe algunhas obras fundamentais: The Bewitched (1948-9), Edipo (1954) e And on the Seventh Day Petals Fell in Petaluma (1959). Nestas obras Partch mesturaba un sistema de afinación de entoación que foi construído por Partech con estilos de percusión e conceptos interesantes como palabras faladas. O seu estilo é único xa que amalgama pasaxes melódicas e técnicas de vangarda con mundos musicais máis aló dos límites tonais de Europa Occidental.
As importantes contribucións de Partch á microtonalidade seguen a ser influentes na actualidade porque deu aos compositores unha forma de explorar afinacións máis aló das usadas nas tonalidades occidentais convencionais. Creou algo verdadeiramente orixinal coa súa fusión de varias vertentes doutras culturas musicais de todo o mundo, en particular melodías populares xaponesas e inglesas, a través do seu estilo corporativo que inclúe tocar tambores en cuncas de metal ou bloques de madeira e cantar en botellas ou vasos. Harry Partch destaca como un exemplo extraordinario de compositor que experimentou con enfoques emocionantes para crear música microtonal.
Lou Harrison
Lou Harrison foi un compositor estadounidense que escribiu extensamente en música microtonal, a miúdo referido como o "mestre americano dos microtons". Explorou múltiples sistemas de afinación, incluíndo o seu propio sistema de entoación xusta.
A súa peza "La Koro Sutro" é un gran exemplo de música microtonal, utilizando unha escala non estándar formada por 11 notas por oitava. A estrutura desta peza está baseada na ópera chinesa e inclúe o uso de sons non tradicionais como bolos cantores e instrumentos de corda asiáticos.
Outras pezas de Harrison que exemplifican o seu prolífico traballo na microtonalidade inclúen "A Mass for Peace", "The Grand Duo" e "Four Strict Songs Rambling". Incluso afondou no free jazz, como a súa peza de 1968 "Future Music from Maine". Como con algúns dos seus traballos anteriores, esta peza depende só de sistemas de afinación de entoación para os seus tons. Neste caso, os intervalos de afinación baséanse no que se coñece como sistema de serie harmónica, unha técnica común de entoación xusta para xerar harmonía.
As obras microtonais de Harrison demostran unha fermosa complexidade e serven como referentes para aqueles que buscan formas interesantes de expandir a tonalidade tradicional nas súas propias composicións.
Ben Johnston
O compositor estadounidense Ben Johnston está considerado un dos compositores máis destacados do mundo da música microtonal. As súas obras inclúen Variacións para orquestra, Cuartetos de cordas 3-5, a súa obra magna Sonata para piano microtonal e outras obras notables. Nestas pezas, adoita empregar sistemas de afinación alternativos ou microtons, que lle permiten explorar máis posibilidades harmónicas que non son posibles co temperamento tradicional de doce tons iguais.
Johnston desenvolveu o que se chama a entoación xusta estendida, na que cada intervalo está composto por un número de sons diferentes dentro dun rango de dúas oitavas. Escribiu pezas en practicamente todos os xéneros musicais, desde ópera ata música de cámara e obras xeradas por ordenador. Os seus traballos pioneiros establecen o escenario para unha nova era en canto á música microtonal. Acadou un importante recoñecemento entre músicos e académicos, conseguindo numerosos premios ao longo da súa exitosa carreira.
Como usar a microtonalidade na música
Usar a microtonalidade na música pode abrir un novo conxunto de posibilidades para crear música única e interesante. A microtonalidade permite o uso de intervalos e acordes que non se atopan na música occidental tradicional, o que permite a exploración e experimentación musical. Este artigo explicará o que é a microtonalidade, como se usa na música e como incorporala ás túas propias composicións.
Escolla un sistema de sintonización
Antes de poder usar a microtonalidade na música, cómpre escoller un sistema de afinación. Hai moitos sistemas de afinación e cada un é axeitado para diferentes tipos de música. Os sistemas de sintonización comúns inclúen:
-Entoación só: a entoación só é un método de afinar notas a intervalos puros que soan moi agradables e naturais. Baséase en razóns matemáticas perfectas e só utiliza intervalos puros (como tons enteiros, quintas, etc.). Úsase a miúdo na música clásica e de etnomusicoloxía.
-Temperamento igual: o temperamento igual divide a oitava en doce intervalos iguais para crear un son consistente en todas as teclas. Este é o sistema máis utilizado hoxe en día polos músicos occidentais xa que se presta ben a melodías que modulan con frecuencia ou se moven entre diferentes tonalidades.
-Temperamento meantone: o temperamento meantone divide a oitava en cinco partes desiguais co fin de garantir unha entoación xusta para os intervalos clave —facendo certas notas ou escalas máis consonantes que outras— e pode ser especialmente útil para músicos especializados en música renacentista, barroca ou algunha. formas de música popular.
-Temperamento harmónico: este sistema diferénciase do temperamento igual ao introducir lixeiras variacións co fin de producir un son máis cálido e natural que non fatigue aos oíntes durante longos períodos de tempo. Úsase a miúdo para xéneros de improvisación de jazz e músicas do mundo, así como para composicións clásicas para órganos escritas durante o período barroco.
Entender cal é o sistema que mellor se adapta ás túas necesidades axudarache a tomar decisións informadas á hora de crear as túas pezas microtonais e tamén iluminará determinadas opcións de composición que tes dispoñibles ao escribir as túas pezas.
Escolle un instrumento microtonal
O uso da microtonalidade na música comeza coa elección do instrumento. Moitos instrumentos, como pianos e guitarras, están deseñados para unha afinación de temperamento igual, un sistema que estrutura os intervalos usando a tecla de oitava de 2:1. Neste sistema de afinación, todas as notas divídense en 12 intervalos iguais, chamados semitonos.
Un instrumento deseñado para unha afinación de temperado igual limítase a tocar nun sistema tonal con só 12 alturas distintas por oitava. Para producir cores tonais máis precisas entre eses 12 tonos, cómpre utilizar un instrumento deseñado para a microtonalidade. Estes instrumentos son capaces de producir máis de 12 tons distintos por oitava usando varios métodos diferentes; algúns instrumentos microtonais típicos inclúen instrumentos de corda sen trastes como guitarra eléctrica, cordas inclinadas como violín e viola, vento madeira e certos teclados (como flexatones).
A mellor elección do instrumento dependerá do teu estilo e das túas preferencias sonoras: algúns músicos prefiren traballar con instrumentos clásicos tradicionais ou folk, mentres que outros experimentan con colaboracións electrónicas ou con obxectos atopados, como pipas ou botellas recicladas. Unha vez escollido o teu instrumento é hora de explorar o mundo da microtonalidade!
Practica a improvisación microtonal
Ao comezar a traballar con microtons, practicar sistemáticamente a improvisación microtonal pode ser un excelente punto de partida. Como con calquera práctica de improvisación, é importante facer un seguimento do que estás xogando e analizar o teu progreso.
Durante a práctica da improvisación microtonal, esfórzate por familiarizarte coas capacidades dos teus instrumentos e desenvolve unha forma de tocar que reflicta os teus propios obxectivos musicais e compositivos. Tamén debes ter en conta os patróns ou motivos que xurdan ao improvisar. É incriblemente valioso reflexionar sobre o que parecía funcionar ben durante unha pasaxe improvisada, xa que este tipo de trazos ou figuras pódense incorporar máis tarde ás túas composicións.
A improvisación é especialmente útil para desenvolver a fluidez no uso de microtons, xa que calquera problema técnico que atopes no proceso de improvisación pode ser abordado máis tarde durante as fases de composición. Proxectar adiante en termos de técnica e obxectivos creativos dáche máis liberdade creativa para cando algo non funciona como estaba previsto. As improvisacións microtonais tamén poden ter bases sólidas na tradición musical. Considera explorar sistemas musicais non occidentais profundamente arraigados en varias prácticas microtonais, como as que se atopan entre as tribos beduinas do norte de África, entre moitas outras.
Conclusión
En conclusión, a microtonalidade é unha forma relativamente nova pero significativa de composición e interpretación musical. Esta forma de composición implica manipular o número de tons dispoñibles dentro dunha oitava para crear sons e estados de ánimo únicos e novos. Aínda que a microtonalidade existe desde hai séculos, fíxose cada vez máis popular nas últimas dúas décadas. Non só permitiu unha maior creación musical senón que tamén permitiu a certos compositores expresar ideas que antes serían imposibles. Como con calquera tipo de música, a creatividade e o coñecemento dun artista serán primordiales para garantir que a música microtonal alcance todo o seu potencial.
Son Joost Nusselder, o fundador de Neaera e comerciante de contidos, pai e encántame probar novos equipos coa guitarra como o centro da miña paixón e, xunto co meu equipo, estou creando artigos de blog en profundidade desde 2020. para axudar aos lectores fieis con consellos sobre gravación e guitarra.
