La microtonalité est un terme couramment utilisé pour décrire la musique composée à l'aide d'intervalles plus petits que le demi-ton occidental traditionnel.
Il tente de rompre avec la structure musicale traditionnelle, se concentrant plutôt sur des intervalles uniques, créant ainsi des paysages sonores subjectifs plus variés et expressifs.
La musique microtonale a connu un regain de popularité au cours de la dernière décennie alors que les compositeurs explorent de plus en plus de nouvelles méthodes d'expression à travers leur musique.
On le trouve le plus souvent dans les genres électroniques et basés sur l'électronique tels que l'EDM, mais il se retrouve également dans les styles pop, jazz et classique, entre autres.
La microtonalité élargit la gamme d'instruments et de sons utilisés dans la composition, permettant de créer des champs sonores sonores entièrement uniques qui ne peuvent être entendus qu'à l'aide de microtonalités.
En plus de ses applications créatives, la musique microtonale a également un objectif analytique - permettant aux musiciens d'étudier ou d'analyser des systèmes et des gammes d'accord inhabituels avec une plus grande précision que celle obtenue avec un accord de tempérament égal «traditionnel» (en utilisant des demi-tons).
Cela permet un examen plus approfondi des relations de fréquence harmonique entre les notes.
Définition de la microtonalité
La microtonalité est un terme utilisé en théorie musicale pour décrire la musique avec des intervalles inférieurs à un demi-ton. Ce sont les termes utilisés pour les intervalles plus petits que le demi-ton de la musique occidentale. La microtonalité ne se limite pas à la musique occidentale et se retrouve dans la musique de nombreuses cultures à travers le monde. Explorons ce que ce concept signifie dans la théorie musicale et la composition.
Qu'est-ce qu'un microton ?
Un microton est une unité de mesure utilisée en musique pour décrire une hauteur ou un ton qui se situe entre les tons de l'accord occidental traditionnel à 12 tons. Souvent appelée « microtonale », cette organisation est largement utilisée dans la musique classique et la musique du monde et gagne en popularité auprès des compositeurs et des auditeurs.
Les microtons sont utiles pour créer des textures inhabituelles et des variations harmoniques inattendues dans un système tonal donné. Alors que l'accord traditionnel à 12 tons divise une octave en douze demi-tons, la microtonalité utilise des intervalles beaucoup plus fins que ceux trouvés dans la musique classique, tels que les quarts de ton, les tiers de ton et même des divisions plus petites appelées intervalles "ultrapolyphoniques". Ces très petites unités peuvent souvent fournir un son unique qui peut être difficile à distinguer lorsqu'il est écouté par l'oreille humaine ou qui peut créer des combinaisons musicales entièrement nouvelles qui n'ont jamais été explorées auparavant.
L'utilisation de microtones permet aux interprètes et aux auditeurs d'interagir avec le matériel musical à un niveau très basique, leur permettant souvent d'entendre des nuances subtiles qu'ils n'auraient pas pu entendre auparavant. Ces interactions nuancées sont essentielles pour explorer des relations harmoniques complexes, créer des sons uniques impossibles avec des instruments conventionnels tels que des pianos ou des guitares, ou découvrir des mondes entièrement nouveaux d'intensité et d'expression à travers l'écoute.
En quoi la microtonalité est-elle différente de la musique traditionnelle ?
La microtonalité est une technique musicale qui permet de diviser les notes en unités plus petites que les intervalles utilisés dans la musique occidentale traditionnelle, qui sont basés sur des demi-pas et des pas entiers. Il utilise des intervalles beaucoup plus étroits que ceux de la tonalité classique, subdivisant l'octave en 250 tons ou plus. Plutôt que de s'appuyer sur les gammes majeure et mineure de la musique traditionnelle, la musique microtonale crée ses propres gammes en utilisant ces divisions plus petites.
La musique microtonale crée souvent des dissonances inattendues (combinaisons fortement contrastées de deux hauteurs ou plus) qui attirent l'attention d'une manière qui ne serait pas possible avec les gammes traditionnelles. Dans l'harmonie traditionnelle, les groupes de notes au-delà de quatre ont tendance à produire une sensation inconfortable en raison de leur conflit et de leur instabilité. En revanche, les dissonances créées par l'harmonie microtonale peuvent sembler très agréables selon la façon dont elles sont utilisées. Ce caractère distinctif peut donner une texture, une profondeur et une complexité élaborées à un morceau de musique qui permet une expression et une exploration créatives à travers différentes combinaisons sonores.
Dans la musique microtonale, certains compositeurs ont également la possibilité d'incorporer leur héritage culturel dans leurs compositions en s'inspirant de traditions musicales classiques non occidentales telles que les ragas du nord de l'Inde ou les gammes africaines où des quarts de ton ou même des divisions plus fines sont employés. Les musiciens microtonaux ont adopté certains éléments de ces formes tout en les rendant contemporains en les combinant avec des éléments de styles musicaux occidentaux, inaugurant une nouvelle ère passionnante d'exploration musicale !
Histoire de la microtonalité
La microtonalité a une longue et riche histoire musicale qui remonte aux premières traditions et cultures musicales. Les compositeurs microtonaux, tels que Harry Partch et Alois Hába, écrivent de la musique microtonale depuis le début du XXe siècle, et les instruments microtonaux existent depuis encore plus longtemps. Bien que la microtonalité soit souvent associée à la musique moderne, elle a des influences de cultures et de pratiques du monde entier. Dans cette section, nous explorerons l'histoire de la microtonalité.
Musique ancienne et ancienne
La microtonalité - l'utilisation d'intervalles inférieurs à un demi-pas - a une longue et riche histoire. Le théoricien de la musique grecque antique Pythagore a découvert l'équation des intervalles musicaux aux rapports numériques, ouvrant la voie aux théoriciens de la musique tels qu'Eratosthène, Aristoxène et Ptolémée pour développer leurs théories de l'accord musical. L'introduction d'instruments à clavier au 17e siècle a créé de nouvelles possibilités d'exploration microtonale, rendant beaucoup plus facile l'expérimentation de rapports au-delà de ceux des accords tempérés traditionnels.
Au 19ème siècle, une compréhension avait été atteinte qui incluait la sensibilité microtonale. Des développements tels que la circulation ratiomorphique en France (d'Indy et Debussy) ont vu de nouvelles expériences dans la composition microtonale et les systèmes d'accord. En Russie, Arnold Schönberg a exploré les gammes en quart de ton et un certain nombre de compositeurs russes ont exploré les harmoniques libres sous l'influence d'Alexandre Scriabine. Cela a été suivi en Allemagne par le compositeur Alois Hába qui a développé son système basé sur les quarts de ton mais en adhérant toujours aux principes harmoniques traditionnels. Plus tard, Partch a développé son propre système d'accord d'intonation juste qui est encore populaire aujourd'hui parmi certains passionnés (par exemple Richard Coulter).
Le XXe siècle a vu une grande recrudescence de la composition microtonale dans de nombreux genres, notamment le classique, le jazz, l'avant-garde moderne et le minimalisme. Terry Riley a été l'un des premiers partisans du minimalisme et La Monte Young a utilisé des harmoniques étendues, y compris des harmoniques se produisant entre les notes pour créer des paysages sonores qui ont fasciné le public en n'utilisant que des générateurs d'ondes sinusoïdales et des drones. Les premiers instruments tels que le quatuor d'accordi ont été construits spécifiquement à ces fins avec les services de fabricants peu orthodoxes ou construits sur mesure par des étudiants essayant quelque chose de nouveau. Plus récemment, les ordinateurs ont permis un accès encore plus large à l'expérimentation microtonale avec de nouveaux contrôleurs conçus spécifiquement à cet effet, tandis que les progiciels permettent aux compositeurs d'explorer plus facilement les possibilités infinies disponibles dans la création de musique expérimentale en microtonalité. impliqués ou des limitations physiques limitant ce qu'ils pourraient contrôler mélodiquement à un moment donné.
Musique microtonale du XXe siècle
Au cours du XXe siècle, les compositeurs modernistes ont commencé à expérimenter des combinaisons microtonales, les utilisant pour rompre avec les formes tonales traditionnelles et défier nos oreilles. Après une période de recherche sur les systèmes d'accord et d'exploration des quarts de ton, des cinquièmes tons et d'autres harmonies microtonales, au milieu du XXe siècle, nous constatons l'émergence de pionniers de la microtonalité tels que Charles Ives, Charles Seeger et George Crumb.
Charles Seeger était un musicologue qui s'est fait le champion de la tonalité intégrée - un système dans lequel les douze notes sont accordées uniformément et ont une importance égale dans la composition musicale et l'interprétation. Seeger a également suggéré que les intervalles comme les quintes soient divisés en 3èmes ou 7èmes au lieu d'être harmoniquement renforcés par une octave ou une quarte parfaite.
À la fin des années 1950, le théoricien français de la musique Abraham Moles a conçu ce qu'il a appelé «ultraphonique» ou «chromatophonie», où une gamme de 24 notes est divisée en deux groupes de douze notes dans une octave plutôt qu'une seule gamme chromatique. Cela a permis des dissonances simultanées telles que des tritons ou des quartes augmentées que l'on peut entendre sur des albums comme la Troisième Sonate pour piano de Pierre Boulez ou Four Fantasies de Roger Reynolds (1966).
Plus récemment, d'autres compositeurs comme Julian Anderson ont également exploré ce monde de nouveaux timbres rendu possible par l'écriture microtonale. Dans la musique classique moderne, les microtons sont utilisés pour créer de la tension et de l'ambivalence à travers des dissonances sonores subtiles mais belles qui échappent à peu près à nos capacités auditives humaines.
Exemples de musique microtonale
La microtonalité est un type de musique dans lequel les intervalles entre les notes sont divisés en incréments plus petits que dans les systèmes d'accord traditionnels tels que le tempérament égal à douze tons. Cela permet de créer des textures musicales inhabituelles et intéressantes. Des exemples de musique microtonale couvrent une variété de genres, du classique à l'expérimental et au-delà. Découvrons-en quelques-unes.
Harry Partch
Harry Partch est l'un des pionniers les plus connus dans le monde de la musique microtonale. Le compositeur, théoricien et facteur d'instruments américain Partch a été largement reconnu pour la création et le développement du genre.
Partch était connu pour avoir créé ou inspiré toute une famille d'instruments microtonaux, notamment le violon adapté, l'alto adapté, Chromelodeon (1973), Harmonic Canon I, Cloud Chamber Bowls, Marimba Eroica et Diamond Marimba, entre autres. Il a appelé toute sa famille d'instruments des instruments « corporels », c'est-à-dire qu'il les a conçus avec des caractéristiques sonores spécifiques afin de faire ressortir des sons spécifiques qu'il voulait exprimer dans sa musique.
Le répertoire de Partch comprend quelques œuvres phares – The Bewitched (1948-9), Oedipus (1954) et And on the Seventh Day Petals Fell in Petaluma (1959). Dans ces œuvres, Partch a mélangé uniquement le système d'accord d'intonation qui a été construit par Partech avec des styles de jeu percussifs et des concepts intéressants comme les mots parlés. Son style est unique car il fusionne des passages mélodiques ainsi que des techniques d'avant-garde avec des mondes musicaux au-delà des frontières tonales de l'Europe occidentale.
Les contributions importantes de Partch à la microtonalité continuent d'être influentes aujourd'hui car il a donné aux compositeurs un moyen d'explorer des accords au-delà de ceux utilisés dans les tonalités occidentales conventionnelles. Il a créé quelque chose de vraiment original avec sa fusion de divers courants d'autres cultures musicales à travers le monde - notamment des airs folkloriques japonais et anglais - via son style d'entreprise qui comprend la batterie sur des bols en métal ou des blocs de bois et le chant dans des bouteilles ou des vases. Harry Partch se distingue comme un exemple extraordinaire de compositeur qui a expérimenté des approches passionnantes pour créer de la musique microtonale !
Lou Harrisson
Lou Harrison était un compositeur américain qui a beaucoup écrit sur la musique microtonale, souvent appelé le « maître américain des microtones ». Il a exploré plusieurs systèmes d'accord, y compris son propre système d'intonation juste.
Sa pièce "La Koro Sutro" est un excellent exemple de musique microtonale, utilisant une gamme non standard composée de 11 notes par octave. La structure de cette pièce est basée sur l'opéra chinois et comprend l'utilisation de sons non traditionnels tels que les bols chantants et les instruments à cordes asiatiques.
D'autres pièces de Harrison qui illustrent son travail prolifique dans la microtonalité incluent "A Mass for Peace", "The Grand Duo" et "Four Strict Songs Rambling". Il s'est même plongé dans le free jazz, comme son morceau de 1968 "Future Music from Maine". Comme pour certaines de ses œuvres antérieures, cette pièce s'appuie uniquement sur des systèmes d'accord d'intonation pour ses hauteurs. Dans ce cas, les intervalles de hauteur sont basés sur ce que l'on appelle un système de série harmonique - une technique d'intonation juste courante pour générer l'harmonie.
Les œuvres microtonales de Harrison démontrent une belle complexité et servent de repères pour ceux qui recherchent des moyens intéressants d'étendre la tonalité traditionnelle dans leurs propres compositions.
Ben Johnson
Le compositeur américain Ben Johnston est considéré comme l'un des compositeurs les plus éminents du monde de la musique microtonale. Ses œuvres comprennent des Variations pour orchestre, des quatuors à cordes 3-5, son magnum opus Sonata for Microtonal Piano et plusieurs autres œuvres remarquables. Dans ces pièces, il utilise souvent des systèmes d'accordage alternatifs ou des microtons, qui lui permettent d'explorer d'autres possibilités harmoniques qui ne sont pas possibles avec le tempérament égal traditionnel à douze tons.
Johnston a développé ce qu'on appelle l'intonation juste étendue, dans laquelle chaque intervalle est composé d'un certain nombre de sons différents dans une plage de deux octaves. Il a écrit des pièces dans pratiquement tous les genres musicaux - de l'opéra à la musique de chambre et aux œuvres générées par ordinateur. Ses œuvres pionnières ont ouvert la voie à une nouvelle ère en termes de musique microtonale. Il a obtenu une reconnaissance significative parmi les musiciens et les académiciens, remportant de nombreux prix tout au long de sa carrière réussie.
Comment utiliser la microtonalité en musique
L'utilisation de la microtonalité dans la musique peut ouvrir un tout nouvel ensemble de possibilités pour créer une musique unique et intéressante. La microtonalité permet l'utilisation d'intervalles et d'accords qui ne se trouvent pas dans la musique occidentale traditionnelle, permettant l'exploration et l'expérimentation musicales. Cet article expliquera ce qu'est la microtonalité, comment elle est utilisée dans la musique et comment l'incorporer dans vos propres compositions.
Choisissez un système de réglage
Avant de pouvoir utiliser la microtonalité dans la musique, vous devez choisir un système d'accordage. Il existe de nombreux systèmes de réglage et chacun convient à différents types de musique. Les systèmes de réglage courants comprennent :
-Just Intonation : Just Intonation est une méthode d'accordage des notes sur des intervalles purs qui sonnent très agréablement et naturellement. Il est basé sur des rapports mathématiques parfaits et n'utilise que des intervalles purs (tels que des tons entiers, des quintes, etc.). Il est souvent utilisé dans la musique classique et ethnomusicologique.
-Tempérament égal : le tempérament égal divise l'octave en douze intervalles égaux afin de créer un son cohérent sur toutes les touches. C'est le système le plus couramment utilisé aujourd'hui par les musiciens occidentaux car il se prête bien aux mélodies qui modulent fréquemment ou se déplacent entre différentes tonalités.
-Meanttone Temperament: Le tempérament Meantone divise l'octave en cinq parties inégales afin d'assurer une intonation juste pour les intervalles clés - rendant certaines notes ou gammes plus consonantes que d'autres - et peut être particulièrement utile pour les musiciens spécialisés dans la musique de la Renaissance, la musique baroque ou certains formes de musique populaire.
-Tempérament harmonique : Ce système diffère du tempérament égal en introduisant de légères variations afin de produire un son plus chaud et plus naturel qui ne fatigue pas les auditeurs sur de longues périodes. Il est souvent utilisé pour l'improvisation jazz et les genres de musique du monde ainsi que pour les compositions classiques pour orgue écrites pendant la période baroque.
Comprendre quel système convient le mieux à vos besoins vous aidera à prendre des décisions éclairées lors de la création de vos pièces microtonales et éclairera également certaines options de composition dont vous disposez lors de l'écriture de vos pièces.
Choisissez un instrument microtonal
L'utilisation de la microtonalité en musique commence par le choix de l'instrument. De nombreux instruments, tels que les pianos et les guitares, sont conçus pour un accord à tempérament égal - un système qui structure les intervalles à l'aide de la clé d'octave de 2: 1. Dans ce système d'accord, toutes les notes sont divisées en 12 intervalles égaux, appelés demi-tons.
Un instrument conçu pour un accord à tempérament égal est limité à jouer dans un système tonal avec seulement 12 hauteurs distinctes par octave. Pour produire des couleurs tonales plus précises entre ces 12 hauteurs, vous devez utiliser un instrument conçu pour la microtonalité. Ces instruments sont capables de produire plus de 12 tons distincts par octave en utilisant différentes méthodes - certains instruments microtonaux typiques incluent des instruments à cordes sans frette comme guitare électrique, les cordes frottées comme le violon et l'alto, les bois et certains claviers (comme les flexatones).
Le meilleur choix d'instrument dépendra de votre style et de vos préférences sonores - certains musiciens préfèrent travailler avec des instruments traditionnels classiques ou folk tandis que d'autres expérimentent des collaborations électroniques ou des objets trouvés tels que des tuyaux ou des bouteilles recyclés. Une fois que vous avez choisi votre instrument, il est temps d'explorer le monde de la microtonalité !
Pratiquer l'improvisation microtonale
Lorsque vous commencez à travailler avec des microtons, la pratique systématique de l'improvisation microtonale peut être un excellent point de départ. Comme pour toute pratique d'improvisation, il est important de garder une trace de ce que vous jouez et d'analyser vos progrès.
Pendant la pratique de l'improvisation microtonale, efforcez-vous de vous familiariser avec les capacités de vos instruments et de développer une façon de jouer qui reflète vos propres objectifs musicaux et compositionnels. Vous devez également prendre note de tous les modèles ou motifs qui émergent lors de l'improvisation. Il est extrêmement précieux de réfléchir à ce qui a semblé bien fonctionner lors d'un passage improvisé, car ces types de traits ou de figures peuvent être incorporés ultérieurement dans vos compositions.
L'improvisation est particulièrement utile pour développer la fluidité dans l'utilisation des microtons, car tout problème technique que vous rencontrez dans le processus d'improvisation peut être résolu plus tard lors des phases de composition. Se projeter en termes de technique et d'objectifs créatifs vous donne plus de liberté créative lorsque quelque chose ne se passe pas comme prévu ! Les improvisations microtonales peuvent également avoir de solides fondements dans la tradition musicale - envisagez d'explorer des systèmes musicaux non occidentaux profondément enracinés dans diverses pratiques microtonales telles que celles que l'on trouve parmi les tribus bédouines d'Afrique du Nord, parmi tant d'autres !
Conclusion
En conclusion, la microtonalité est une forme relativement nouvelle mais significative de composition et d'interprétation musicale. Cette forme de composition implique de manipuler le nombre de tons disponibles dans une octave afin de créer des sons et des ambiances uniques et nouveaux. Bien que la microtonalité existe depuis des siècles, elle est devenue de plus en plus populaire au cours des deux dernières décennies. Il a non seulement permis une plus grande création musicale, mais aussi permis à certains compositeurs d'exprimer des idées qui auraient été impossibles auparavant. Comme pour tout type de musique, la créativité et les connaissances d'un artiste seront primordiales pour garantir que la musique microtonale atteigne son plein potentiel.
Je suis Joost Nusselder, le fondateur de Neaera et un spécialiste du marketing de contenu, papa, et j'adore essayer de nouveaux équipements avec la guitare au cœur de ma passion, et avec mon équipe, je crée des articles de blog approfondis depuis 2020 pour aider les lecteurs fidèles avec des conseils d'enregistrement et de guitare.
