Mikrotonaalisuus on termi, jota käytetään yleisesti kuvaamaan musiikkia, joka on sävelletty käyttämällä perinteistä länsimaista puolisäveltä pienempiä intervalleja.
Se pyrkii irrottautumaan perinteisestä musiikin rakenteesta keskittyen sen sijaan ainutlaatuisiin intervalleihin luoden näin monipuolisempia ja ilmeikkäämpiä subjektiivisia äänimaisemia.
Mikrotonaalisen musiikin suosio on kasvanut viime vuosikymmenen aikana, kun säveltäjät etsivät yhä enemmän uusia ilmaisumenetelmiä musiikkinsa kautta.
Se löytyy useimmiten elektronisista ja elektronisiin pohjautuvista genreistä, kuten EDM:stä, mutta se löytää tiensä myös muun muassa pop-, jazz- ja klassisiin tyyleihin.
Mikrotonaalisuus laajentaa sävellyksessä käytettävien instrumenttien ja äänien valikoimaa mahdollistaen täysin ainutlaatuisten äänikenttien luomisen, jotka voidaan kuulla vain mikroäänien avulla.
Luovien sovellutustensa lisäksi mikrotonaalinen musiikki palvelee myös analyyttistä tarkoitusta – mahdollistaa muusikoiden tutkimisen tai analysoinnin epätavallisia viritysjärjestelmiä ja asteikkoja tarkemmin kuin mitä "perinteisellä" tasatemperamenttisella virityksellä (puolisäteitä käyttämällä) voitaisiin saavuttaa.
Tämä mahdollistaa nuottien välisten harmonisten taajuuksien suhteiden lähemmän tarkastelun.
Määritelmä Mikrotonaalisuus
Mikrotonaalisuus on termi, jota käytetään musiikin teoriassa kuvaamaan musiikkia, jonka välit ovat pienempiä kuin puolisävel. Sitä käytetään länsimaisen musiikin puoliaskelta pienemmille intervalleille. Mikrotonaalisuus ei rajoitu länsimaiseen musiikkiin, vaan sitä löytyy monien kulttuurien musiikista ympäri maailmaa. Tutkitaan, mitä tämä käsite tarkoittaa musiikin teoriassa ja sävellyksessä.
Mikä on mikroääni?
Mikrosävy on mittayksikkö, jota käytetään musiikissa kuvaamaan sävelkorkeutta tai sävyä, joka on länsimaisen perinteisen 12-äänisen virityksen sävyjen välissä. Tätä organisaatiota, jota usein kutsutaan "mikrotonaaliksi", käytetään laajasti klassisessa ja maailmanmusiikissa, ja sen suosio kasvaa niin säveltäjien kuin kuuntelijoidenkin keskuudessa.
Mikrosävyt ovat hyödyllisiä luotaessa epätavallisia tekstuureja ja odottamattomia harmonisia variaatioita tietyn sävyjärjestelmän sisällä. Kun perinteinen 12-sävelviritys jakaa oktaavin kahdeksaantoista puolisäveleen, mikrotonaalisuus hyödyntää klassista musiikkia paljon hienompia intervalleja, kuten kvartaaliääniä, tertsääniä ja jopa pienempiä jakoja, jotka tunnetaan "ultrapolyfonisina" intervalleina. Nämä hyvin pienet yksiköt voivat usein tarjota ainutlaatuisen äänen, jota voi olla vaikea erottaa ihmiskorvalla tai jotka voivat luoda täysin uusia musiikkiyhdistelmiä, joita ei ole koskaan ennen tutkittu.
Mikroäänien käytön ansiosta esiintyjät ja kuulijat voivat olla vuorovaikutuksessa musiikillisen materiaalin kanssa aivan perustasolla, jolloin he kuulevat usein hienovaraisia vivahteita, joita he eivät olisi kuulleet aiemmin. Nämä vivahteikkaat vuorovaikutukset ovat välttämättömiä monimutkaisten harmonisten suhteiden tutkimisessa, ainutlaatuisten soundien luomisessa, jotka eivät ole mahdollisia perinteisillä soittimilla, kuten pianoilla tai kitaroilla, tai täysin uusien intensiteetti- ja ilmaisumaailmojen löytämisessä kuuntelun avulla.
Miten mikrotonaalisuus eroaa perinteisestä musiikista?
Mikrotonaalisuus on musiikkitekniikka, jonka avulla nuotit voidaan jakaa pienempiin yksiköihin kuin perinteisessä länsimaisessa musiikissa käytetyt intervallit, jotka perustuvat puoli- ja kokonaisvaiheisiin. Se käyttää paljon kapeampia intervalleja kuin klassisen tonaalisuuden ja jakaa oktaavin jopa 250 tai useampaan säveleen. Sen sijaan, että tukeutuisi perinteisen musiikin duuriin ja molliin, mikrotonaalinen musiikki luo omat skaalansa käyttämällä näitä pienempiä jakoja.
Mikrotonaalinen musiikki luo usein odottamattomia dissonansseja (kahden tai useamman sävelkorkeuden jyrkästi vastakkaisia yhdistelmiä), jotka keskittävät huomion tavoilla, joita ei saavutettaisi perinteisillä asteikoilla. Perinteisessä harmoniassa yli neljän sävelen klusterit aiheuttavat epämiellyttävän tunteen törmäyksensä ja epävakauden vuoksi. Sitä vastoin mikrotonaalisen harmonian synnyttämät dissonanssit voivat kuulostaa erittäin miellyttäviltä riippuen siitä, miten niitä käytetään. Tämä erottuvuus voi antaa musiikille hienostuneen tekstuurin, syvyyden ja monimutkaisuuden, mikä mahdollistaa luovan ilmaisun ja tutkimisen erilaisten ääniyhdistelmien kautta.
Mikrotonaalisessa musiikissa tietyillä säveltäjillä on myös mahdollisuus sisällyttää kulttuuriperintönsä sävellyksiinsä ammentumalla ei-länsimaisista klassisen musiikin perinteistä, kuten Pohjois-Intian ragasta tai afrikkalaisista asteikoista, joissa käytetään kvartaaliääniä tai jopa hienompia jakoja. Mikrotonaaliset muusikot ovat omaksuneet joitain elementtejä näistä muodoista ja tehneet niistä nykyaikaisia yhdistämällä ne elementteihin länsimaisista musiikkityyleistä, mikä avaa jännittävän uuden musiikillisen tutkimuksen aikakauden!
Mikrotonaalisuuden historia
Mikrotonaalisella musiikilla on pitkä, rikas historia, joka ulottuu vanhimpiin musiikillisiin perinteisiin ja kulttuureihin. Mikrotonaaliset säveltäjät, kuten Harry Partch ja Alois Hába, ovat kirjoittaneet mikrotonaalista musiikkia 20-luvun alusta lähtien, ja mikrotonaaliset instrumentit ovat olleet olemassa vielä pidempään. Vaikka mikrotonaalisuus yhdistetään usein moderniin musiikkiin, sillä on vaikutteita kulttuureista ja käytännöistä ympäri maailmaa. Tässä osiossa tutkimme mikrotonaalisuuden historiaa.
Vanha ja vanha musiikki
Mikrotonaalisuuden eli alle puolen askeleen intervallien käytöllä on pitkä ja rikas historia. Muinainen kreikkalainen musiikkiteoreetikko Pythagoras löysi yhtälön musiikillisten intervallien ja numeeristen suhteiden välillä, mikä tasoitti tietä musiikin teoreetiikoille, kuten Eratostheneselle, Aristoxenukselle ja Ptolemaioselle kehittää teorioitaan musiikin virityksestä. Kosketinsoittimien käyttöönotto 17-luvulla loi uusia mahdollisuuksia mikrotonaaliseen tutkimiseen, mikä helpotti huomattavasti perinteisten temperoitujen viritteiden suhteiden kokeilua.
19-luvulle mennessä oli saavutettu ymmärrys, joka sisälsi mikrotonaalisen herkkyyden. Kehitys, kuten ratiomorfinen kierto Ranskassa (d'Indy ja Debussy), lisäsi mikrotonaalisen koostumuksen ja viritysjärjestelmien kokeita. Venäjällä Arnold Schönberg tutki neljännessävelasteikkoja ja monet venäläiset säveltäjät tutkivat vapaita harmonisia Aleksanteri Skrjabinin vaikutuksen alaisena. Tätä seurasi Saksassa säveltäjä Alois Hába, joka kehitti systeeminsä kvartaalisävelten pohjalta, mutta silti perinteisiä harmonisia periaatteita noudattaen. Myöhemmin Partch kehitti oman oikean intonaation viritysjärjestelmän, joka on edelleen suosittu joidenkin harrastajien keskuudessa (esim. Richard Coulter).
20-luvulla mikrotonaalinen sävellys nousi valtavasti monissa genreissä, mukaan lukien klassinen, jazz, moderni avantgarde ja minimalismi. Terry Riley oli yksi varhaisista minimalismin kannattajista, ja La Monte Young käytti laajennettuja ylisävyjä, mukaan lukien nuottien välissä esiintyviä harmonisia äänimaisemia, jotka kiehtoivat yleisöä käyttämällä vain siniaaltogeneraattoreita ja droneja. Varhaiset instrumentit, kuten quartetto d'accordi, rakennettiin nimenomaan näihin tarkoituksiin epätavallisten tekijöiden palveluilla tai opiskelijoiden valmistamia uusia kokeiluja. Viime aikoina tietokoneet ovat mahdollistaneet entistä paremman pääsyn mikrotonaaliseen kokeiluun uusilla, erityisesti tätä tarkoitusta varten suunnitelluilla ohjaimilla, kun taas ohjelmistopakettien avulla säveltäjät voivat helpommin tutkia mikrotonaalisen kokeellisen musiikin luomisen äärettömiä mahdollisuuksia, aikaisemmat esiintyjät olisivat välttyneet manuaalisesta ohjaamisesta pelkän määrän vuoksi. mukana tai fyysiset rajoitukset, jotka rajoittavat sitä, mitä he voivat hallita melodisesti milloin tahansa.
20-luvun mikrotonaalinen musiikki
20-luvulla modernistiset säveltäjät alkoivat kokeilla mikrotonaalisia yhdistelmiä käyttämällä niitä eroamaan perinteisistä sävelmuodoista ja haastamaan korvamme. Viritysjärjestelmien tutkimusjakson ja kvartaalisävel-, kvintsävel- ja muiden mikrotonaalisten harmonioiden tutkimisen jälkeen XNUMX-luvun puolivälissä havaitsimme mikrotonaalisuuden pioneerien, kuten Charles Ivesin, Charles Seegerin ja George Crumbin, ilmaantumisen.
Charles Seeger oli musiikkitieteilijä, joka puolusti integroitua tonaliteettia – järjestelmää, jossa kaikki kaksitoista nuottia on viritetty tasaisesti ja joilla on yhtä suuri merkitys musiikin sävellyksessä ja esityksessä. Seeger ehdotti myös, että intervallit, kuten kvintit, tulisi jakaa 3:siksi tai 7:siksi sen sijaan, että niitä vahvistettaisiin harmonisesti oktaavilla tai täydellisellä kvartilla.
1950-luvun lopulla ranskalainen musiikkiteoreetikko Abraham Moles kehitti sanan "ultrafoniikka" tai "kromatofonia", jossa 24 nuotin asteikko on jaettu kahteen kahdentoista nuotin ryhmään oktaavin sisällä yhden kromaattisen asteikon sijaan. Tämä mahdollisti samanaikaiset dissonanssit, kuten tritonit tai lisätyt kvartaalit, jotka voidaan kuulla albumeilla, kuten Pierre Boulezin kolmas pianosonata tai Roger Reynoldsin Four Fantasies (1966).
Viime aikoina myös muut säveltäjät, kuten Julian Anderson, ovat tutkineet tätä mikrotonaalisen kirjoittamisen mahdollistamaa uusien sointien maailmaa. Nykyaikaisessa klassisessa musiikissa mikroääniä käytetään luomaan jännitystä ja ambivalenssia hienovaraisten, mutta kauniin kuuloisten dissonanssien kautta, jotka melkein karttavat ihmisen kuulokykymme.
Esimerkkejä mikrotonaalisesta musiikista
Mikrotonaalisuus on musiikin tyyppi, jossa sävelten väliset intervallit on jaettu pienemmiksi askeliksi kuin perinteisissä viritysjärjestelmissä, kuten XNUMX-äänisen tasatemperamentissa. Tämä mahdollistaa epätavallisten ja mielenkiintoisten musiikillisten tekstuurien luomisen. Esimerkit mikrotonaalisesta musiikista kattavat useita genrejä klassisesta kokeelliseen ja muuhunkin. Tutkitaanpa muutamia niistä.
Harry Partch
Harry Partch on yksi tunnetuimmista mikrotonaalisen musiikin pioneereista. Amerikkalainen säveltäjä, teoreetikko ja instrumenttien rakentaja Partch on suurelta osin saanut tunnustusta genren luomisesta ja kehittämisestä.
Partch tunnettiin koko perheen mikrotonaalisoittimien luomisesta tai inspiroijasta, mukaan lukien muun muassa Adapted Violin, adaptoitu alttoviulu, Chromelodeon (1973), Harmonic Canon I, Cloud Chamber Bowls, Marimba Eroica ja Diamond Marimba. Hän kutsui koko soitinperhettään "ruumiillisiksi" soittimiksi – toisin sanoen hän suunnitteli ne erityisillä ääniominaisuuksilla tuodakseen esiin tiettyjä ääniä, joita hän halusi ilmaista musiikissaan.
Partchin ohjelmistoon kuuluu muutamia merkittäviä teoksia – The Bewitched (1948-9), Oidipus (1954) ja Ja seitsemäntenä päivänä terälehtiä putosivat Petalumassa (1959). Näissä teoksissa Partch sekoitti juuri Partechin rakentaman intonaation viritysjärjestelmän lyömäisillä soittotyyleillä ja mielenkiintoisilla konsepteilla, kuten puheilla. Hänen tyylinsä on ainutlaatuinen, koska se yhdistää melodiset kohdat sekä avantgarde-tekniikat musiikkimaailmoihin Länsi-Euroopan sävelrajojen ulkopuolella
Partchin tärkeä panos mikrotonaalisuuden edistämiseen on edelleen vaikutusvaltainen tänäkin päivänä, koska hän antoi säveltäjille tavan tutkia tavanomaisten länsimaisten tonaliteettien ulkopuolisia virityksiä. Hän loi jotain todella omaperäistä yhdistämällä eri säikeitä muista musiikkikulttuureista eri puolilla maailmaa – erityisesti japanilaisia ja englantilaisia kansanmusiikkia – yritystyylillään, joka sisältää rummutuksen metallikulhoissa tai puupaloissa ja laulamisen pulloihin tai maljakoihin. Harry Partch erottuu poikkeuksellisena esimerkkinä säveltäjästä, joka kokeili jännittäviä lähestymistapoja mikrotonaalisen musiikin luomiseen!
Lou Harrison
Lou Harrison oli amerikkalainen säveltäjä, joka kirjoitti laajasti mikrotonaalista musiikkia, jota usein kutsutaan "amerikkalaiseksi mikrosävelten mestariksi". Hän tutki useita viritysjärjestelmiä, mukaan lukien omaa vain intonaatiojärjestelmää.
Hänen teoksensa "La Koro Sutro" on loistava esimerkki mikrotonaalisesta musiikista, jossa käytetään epätyypillistä asteikkoa, joka koostuu 11 nuotista oktaavia kohden. Tämän teoksen rakenne perustuu kiinalaiseen oopperaan ja sisältää epäperinteisten äänien, kuten laulukulhojen ja aasialaisten jousisoittimien, käyttöä.
Muita Harrisonin teoksia, jotka ovat esimerkkejä hänen hedelmällisestä työstään mikrotonaalisuuden parissa, ovat "A Mass for Peace", "The Grand Duo" ja "Four Strict Songs Rambling". Hän jopa syventyi free jazziin, kuten vuoden 1968 kappaleeseen "Future Music from Maine". Kuten joissakin hänen aikaisemmissa teoksissaan, tämäkin teos perustuu sävelkorkeuksiensa vain intonaation viritysjärjestelmiin. Tässä tapauksessa sävelvälit perustuvat niin sanottuun harmoniseen sarjajärjestelmään - yleiseen oikeudenmukaiseen intonaatiotekniikkaan harmonian luomiseksi.
Harrisonin mikrotonaaliset teokset osoittavat kaunista monimutkaisuutta ja toimivat benchmarkina niille, jotka etsivät mielenkiintoisia tapoja laajentaa perinteistä tonaliteettia omissa sävelluksissaan.
Ben Johnston
Amerikkalaista säveltäjä Ben Johnstonia pidetään yhtenä mikrotonaalisen musiikin maailman merkittävimmistä säveltäjistä. Hänen teoksiaan ovat muunnelmat orkesterille, jousikvartettit 3-5, hänen magnum opus Sonata mikrotonaalipianolle ja useita muita merkittäviä teoksia. Näissä teoksissa hän käyttää usein vaihtoehtoisia viritysjärjestelmiä tai mikrosävyjä, joiden avulla hän voi tutkia muita harmonisia mahdollisuuksia, jotka eivät ole mahdollisia perinteisellä kahdentoista sävelen yhtäläisellä temperamentilla.
Johnston kehitti niin sanotun laajennetun oikeudenmukaisen intonaation, jossa jokainen intervalli koostuu useista eri äänistä kahden oktaavin alueella. Hän kirjoitti teoksia lähes kaikista musiikin genreistä - oopperasta kamarimusiikkiin ja tietokoneella luotuihin teoksiin. Hänen uraauurtavateoksensa luovat puitteet uudelle aikakaudelle mikrotonaalisen musiikin suhteen. Hän saavutti merkittävää tunnustusta muusikoiden ja akateemikkojen keskuudessa ja voitti itselleen lukuisia palkintoja menestyksekkään uransa aikana.
Mikrotonalisuuden käyttäminen musiikissa
Mikrotonaalisuuden käyttäminen musiikissa voi avata aivan uusia mahdollisuuksia luoda ainutlaatuista, mielenkiintoista musiikkia. Mikrotonaalisuus mahdollistaa sellaisten intervallien ja sointujen käytön, joita ei löydy perinteisestä länsimaisesta musiikista, mikä mahdollistaa musiikillisen tutkimisen ja kokeilun. Tässä artikkelissa käydään läpi, mitä mikrotonaalisuus on, miten sitä käytetään musiikissa ja miten voit sisällyttää sen omiin sävellyksiisi.
Valitse viritysjärjestelmä
Ennen kuin voit käyttää mikrotonaalisuutta musiikissa, sinun on valittava viritysjärjestelmä. Viritysjärjestelmiä on monia ja jokainen niistä sopii erilaisille musiikille. Yleisiä viritysjärjestelmiä ovat:
-Just Intonation: Just intonation on tapa virittää sävelet puhtaille intervalleille, jotka kuulostavat erittäin miellyttävältä ja luonnolliselta. Se perustuu täydellisiin matemaattisiin suhteisiin ja käyttää vain puhtaita intervalleja (kuten kokonaisia ääniä, kvintejä jne.). Sitä käytetään usein klassisessa ja etnomusikologisessa musiikissa.
-Equal Temperament: Equal temperament jakaa oktaavin kahteentoista yhtä suureen väliin luodakseen yhtenäisen äänen kaikille koskettimille. Tämä on länsimaisten muusikoiden yleisin nykyään käyttämä järjestelmä, koska se soveltuu hyvin usein moduloituville tai eri sävelten välillä liikkuville melodioille.
-Meantone temperamentti: Meantone temperamentti jakaa oktaavin viiteen epätasaiseen osaan varmistaakseen oikean intonoinnin keskeisille intervalleille – jolloin tietyt nuotit tai asteikot ovat konsonoisempia kuin toiset – ja voi olla erityisen hyödyllinen renessanssimusiikkiin, barokkimusiikkiin tai joihinkin erikoistuneille muusikoille. kansanmusiikin muodot.
-Harmoninen temperamentti: Tämä järjestelmä eroaa samanlaisesta luonteesta ottamalla käyttöön pieniä vaihteluita tuottaakseen lämpimämmän, luonnollisemman äänen, joka ei väsytä kuulijoita pitkiä aikoja. Sitä käytetään usein improvisatiivisessa jazz- ja maailmanmusiikin genreissä sekä barokin aikana kirjoitetuissa klassisissa urkusävellyksissä.
Sen ymmärtäminen, mikä järjestelmä sopii parhaiten tarpeisiisi, auttaa sinua tekemään tietoisia päätöksiä luodessasi mikrotonaalisia kappaleita ja valaisee myös tiettyjä käytettävissä olevia sävellysvaihtoehtoja kirjoitettaessa kappaleitasi.
Valitse mikrotonaalinen instrumentti
Mikrotonaliteetin käyttö musiikissa alkaa soittimen valinnasta. Monet soittimet, kuten pianot ja kitarat, on suunniteltu tasatemperaiseen viritykseen – järjestelmä, joka jäsentää intervallit oktaavinäppäimellä 2:1. Tässä viritysjärjestelmässä kaikki sävelet on jaettu 12 yhtä suureen väliin, joita kutsutaan puolisäveliksi.
Tasapainoiseen viritykseen suunniteltu instrumentti on rajoitettu soittamaan tonaalisessa järjestelmässä, jossa on vain 12 erillistä sävelkorkeutta oktaavia kohden. Jotta voit tuottaa tarkempia sävyvärejä näiden 12 sävelkorkeuden välillä, sinun on käytettävä mikrotonaalisuuteen suunniteltua instrumenttia. Nämä soittimet pystyvät tuottamaan yli 12 erillistä ääntä oktaavia kohden useilla eri menetelmillä – joihinkin tyypillisiin mikrotonaalisiin soittimiin kuuluu nauhattomat kielisoittimet, kuten sähkökitara, jousikielet, kuten viulu ja alttoviulu, puupuhaltimet ja tietyt kosketinsoittimet (kuten fleksatonit).
Paras instrumenttivalinta riippuu tyylistäsi ja äänimieltymyksistäsi – jotkut muusikot haluavat työskennellä perinteisten klassisten tai kansansoittimien kanssa, kun taas toiset kokeilevat elektronisia yhteistyömuotoja tai löydettyjä esineitä, kuten kierrätettyjä piippuja tai pulloja. Kun olet valinnut soittimesi, on aika tutustua mikrotonaalisuuden maailmaan!
Harjoittele mikrotonaalista improvisaatiota
Mikrotonaalisen improvisoinnin systemaattinen harjoittelu voi olla hyvä lähtökohta, kun aloitat työskentelyn mikroäänien kanssa. Kuten minkä tahansa improvisaatioharjoituksen kanssa, on tärkeää seurata pelaamistasi ja analysoida edistymistäsi.
Mikrotonaalisen improvisaation harjoittamisen aikana pyri tutustumaan soittimiesi kykyihin ja kehittämään soittotapa, joka heijastelee omia musiikillisia ja sävellystavoitteitasi. Sinun tulee myös huomioida kaikki improvisoinnin aikana esiin tulevat kuviot tai motiivit. On uskomattoman arvokasta pohtia sitä, mikä vaikutti toimivan hyvin improvisoidun kohdan aikana, koska tällaisia piirteitä tai hahmoja voidaan sisällyttää sävellyksiäsi myöhemmin.
Improvisaatio on erityisen hyödyllinen kehitettäessä sujuvuutta mikrosävyjen käytössä, koska kaikki improvisaatioprosessissa kohtaamat tekniset ongelmat voidaan käsitellä myöhemmin sävellysvaiheiden aikana. Tekniikka ja luovat tavoitteet eteenpäin suuntaaminen antaa sinulle enemmän luovaa vapautta, kun jokin ei mene aivan suunnitelmien mukaan! Mikrotonaalisilla improvisoinneilla voi olla myös vahva perusta musiikillisessa perinteessä – harkitse ei-länsimaisten musiikkijärjestelmien tutkimista, jotka ovat syvästi juurtuneet erilaisiin mikrotonaalisiin käytäntöihin, kuten niihin, joita löytyy Pohjois-Afrikan beduiiniheimojen keskuudesta.
Yhteenveto
Yhteenvetona voidaan todeta, että mikrotonaalisuus on suhteellisen uusi, mutta merkittävä musiikillisen sävellyksen ja esityksen muoto. Tämä sävellysmuoto sisältää oktaavissa käytettävissä olevien sävelten määrän manipuloinnin ainutlaatuisten ja uusien äänien ja tunnelmien luomiseksi. Vaikka mikrotonaalisuus on ollut olemassa vuosisatoja, se on tullut yhä suositummaksi viimeisten parin vuosikymmenen aikana. Se on paitsi mahdollistanut suuremman musiikillisen luomisen, myös antanut tietyille säveltäjille mahdollisuuden ilmaista ajatuksia, jotka olisivat olleet mahdottomia aiemmin. Kuten minkä tahansa musiikin kohdalla, taiteilijan luovuus ja tieto ovat ensiarvoisen tärkeitä sen varmistamiseksi, että mikrotonaalinen musiikki saavuttaa täyden potentiaalinsa.
Olen Joost Nusselder, Neaeran perustaja ja sisältömarkkinoija, isä, ja rakastan uusien laitteiden kokeilemista kitaran kanssa intohimoni ytimessä, ja yhdessä tiimini kanssa olen luonut syvällisiä blogiartikkeleita vuodesta 2020 lähtien. auttamaan uskollisia lukijoita äänitys- ja kitaravinkeillä.
