Microtonalidad es un término comúnmente utilizado para describir la música compuesta utilizando intervalos más pequeños que el semitono occidental tradicional.
Intenta romper con la estructura de la música tradicional, centrándose en cambio en intervalos únicos, creando así paisajes sonoros subjetivos más variados y expresivos.
La música microtonal ha experimentado un aumento en popularidad durante la última década a medida que los compositores exploran cada vez más nuevos métodos de expresión a través de su música.
Se encuentra con mayor frecuencia en géneros electrónicos y basados en la electrónica, como EDM, pero también encuentra su camino en el pop, el jazz y los estilos clásicos, entre otros.
La microtonalidad amplía la gama de instrumentos y sonidos utilizados en la composición, lo que hace posible crear campos sonoros totalmente únicos que solo pueden escucharse mediante el uso de microtonos.
Además de sus aplicaciones creativas, la música microtonal también tiene un propósito analítico: permite a los músicos estudiar o analizar escalas y sistemas de afinación inusuales con mayor precisión que la que podría lograrse con la afinación de temperamento igual 'tradicional' (usando semitonos).
Esto permite un examen más detallado de las relaciones de frecuencia armónica entre las notas.
Definición de Microtonalidad
Microtonalidad es un término utilizado en teoría musical para describir la música con intervalos de menos de un semitono. Son los términos utilizados para intervalos más pequeños que el medio paso de la música occidental. La microtonalidad no se limita a la música occidental y se puede encontrar en la música de muchas culturas alrededor del mundo. Exploremos qué significa este concepto en teoría y composición musical.
¿Qué es un microtono?
Un microtono es una unidad de medida utilizada en la música para describir un tono que se encuentra entre los tonos de la afinación tradicional occidental de 12 tonos. A menudo denominada "microtonal", esta organización se usa ampliamente en la música clásica y mundial y está creciendo en popularidad entre compositores y oyentes por igual.
Los microtonos son útiles para crear texturas inusuales y variaciones armónicas inesperadas dentro de un sistema tonal determinado. Mientras que la afinación tradicional de 12 tonos divide una octava en doce semitonos, la microtonalidad utiliza intervalos mucho más finos que los que se encuentran en la música clásica, como cuartos de tono, tercios de tono e incluso divisiones más pequeñas conocidas como intervalos "ultrapolifónicos". Estas unidades muy pequeñas a menudo pueden proporcionar un sonido único que puede ser difícil de distinguir cuando lo escucha el oído humano o que pueden crear combinaciones musicales completamente nuevas que nunca antes se habían explorado.
El uso de microtonos permite a los intérpretes y oyentes interactuar con el material musical en un nivel muy básico, lo que a menudo les permite escuchar matices sutiles que no habrían podido escuchar antes. Estas interacciones matizadas son esenciales para explorar relaciones armónicas complejas, crear sonidos únicos que no son posibles con instrumentos convencionales como pianos o guitarras, o descubrir mundos completamente nuevos de intensidad y expresión a través de la escucha.
¿En qué se diferencia la microtonalidad de la música tradicional?
La microtonalidad es una técnica musical que permite dividir las notas en unidades más pequeñas que los intervalos utilizados en la música occidental tradicional, que se basan en semitonos y semitonos. Emplea intervalos mucho más estrechos que los de la tonalidad clásica, subdividiendo la octava en hasta 250 o más tonos. En lugar de depender de la escala mayor y menor que se encuentra en la música tradicional, la música microtonal crea sus propias escalas utilizando estas divisiones más pequeñas.
La música microtonal a menudo crea disonancias inesperadas (combinaciones fuertemente contrastadas de dos o más tonos) que enfocan la atención de maneras que no se obtendrían con las escalas tradicionales. En la armonía tradicional, los grupos de notas más allá de cuatro tienden a producir una sensación incómoda debido a su choque e inestabilidad. Por el contrario, las disonancias creadas por la armonía microtonal pueden sonar muy agradables dependiendo de cómo se utilicen. Este carácter distintivo puede dar una textura elaborada, profundidad y complejidad a una pieza musical que permite la expresión creativa y la exploración a través de diferentes combinaciones de sonido.
En la música microtonal también hay una oportunidad para que ciertos compositores incorporen su herencia cultural en sus composiciones basándose en tradiciones musicales clásicas no occidentales como los ragas del norte de la India o las escalas africanas donde se emplean cuartos de tono o incluso divisiones más finas. Los músicos microtonales han adoptado algunos elementos de estas formas y las han hecho contemporáneas combinándolas con elementos de los estilos musicales occidentales, ¡dando paso a una nueva y emocionante era de exploración musical!
Historia de la Microtonalidad
La microtonalidad tiene una larga y rica historia en la música que se remonta a las primeras tradiciones y culturas musicales. Los compositores microtonales, como Harry Partch y Alois Hába, han estado escribiendo música microtonal desde principios del siglo XX, y los instrumentos microtonales han existido incluso por más tiempo. Si bien la microtonalidad a menudo se asocia con la música moderna, tiene influencias de culturas y prácticas de todo el mundo. En esta sección, exploraremos la historia de la microtonalidad.
Música antigua y antigua
La microtonalidad, el uso de intervalos de menos de medio tono, tiene una larga y rica historia. Pitágoras, teórico de la música de la Grecia antigua, descubrió la ecuación de los intervalos musicales con las proporciones numéricas, allanando el camino para que teóricos de la música como Eratóstenes, Aristóxeno y Ptolomeo desarrollaran sus teorías sobre la afinación musical. La introducción de instrumentos de teclado en el siglo XVII creó nuevas posibilidades para la exploración microtonal, lo que hizo mucho más fácil experimentar con proporciones más allá de las afinaciones temperadas tradicionales.
En el siglo XIX, se había llegado a un entendimiento que incluía la sensibilidad microtonal. Desarrollos como la circulación ratiomórfica en Francia (d'Indy y Debussy) vieron más experimentos en sistemas de afinación y composición microtonal. En Rusia, Arnold Schönberg exploró las escalas de cuartos de tono y varios compositores rusos exploraron los armónicos libres bajo la influencia de Alexander Scriabin. Esto fue seguido en Alemania por el compositor Alois Hába, quien desarrolló su sistema basado en cuartos de tono pero aún adhiriéndose a los principios armónicos tradicionales. Más tarde, Partch desarrolló su propio sistema de afinación de entonación justa, que sigue siendo popular hoy en día entre algunos entusiastas (por ejemplo, Richard Coulter).
El siglo XX vio un gran auge en la composición microtonal en muchos géneros, incluidos el clásico, el jazz, la vanguardia moderna y el minimalismo. Terry Riley fue uno de los primeros defensores del minimalismo y La Monte Young usó sobretonos extendidos que incluían armónicos que ocurrían entre notas para crear paisajes sonoros que cautivaban al público usando nada más que generadores de ondas sinusoidales y drones. Los primeros instrumentos, como el quartetto d'accordi, se construyeron específicamente para estos fines con los servicios de fabricantes poco ortodoxos o construidos a medida por estudiantes que intentaban algo nuevo. Más recientemente, las computadoras han permitido un acceso aún mayor a la experimentación microtonal con controladores novedosos diseñados específicamente para este propósito, mientras que los paquetes de software permiten a los compositores explorar más fácilmente las infinitas posibilidades disponibles dentro de la microtonalidad. limitaciones involucradas o físicas que limitan lo que pueden controlar melódicamente en cualquier punto en el tiempo.
Música microtonal del siglo XX.
Durante el siglo XX, los compositores modernistas comenzaron a experimentar con combinaciones microtonales, usándolas para romper con las formas tonales tradicionales y desafiar nuestros oídos. Después de un período de investigación de los sistemas de afinación y exploración de cuartos de tono, quinto tono y otras armonías microtonales, a mediados del siglo XX encontramos el surgimiento de pioneros en microtonalidad como Charles Ives, Charles Seeger y George Crumb.
Charles Seeger fue un musicólogo que defendió la tonalidad integrada, un sistema en el que las doce notas están afinadas de manera uniforme y tienen la misma importancia en la composición y la interpretación musical. Seeger también sugirió que los intervalos como las quintas deberían dividirse en terceras o séptimas en lugar de reforzarse armónicamente con una octava o una cuarta perfecta.
A fines de la década de 1950, el teórico musical francés Abraham Moles ideó lo que denominó "ultrafonía" o "cromatofonía", donde una escala de 24 notas se divide en dos grupos de doce notas dentro de una octava en lugar de una sola escala cromática. Esto permitió disonancias simultáneas como tritonos o cuartas aumentadas que se pueden escuchar en álbumes como Third Piano Sonata de Pierre Boulez o Four Fantasies de Roger Reynolds (1966).
Más recientemente, otros compositores como Julian Anderson también han explorado este mundo de nuevos timbres posibilitados por la escritura microtonal. En la música clásica moderna, los microtonos se utilizan para crear tensión y ambivalencia a través de disonancias de sonido sutiles pero hermosas que casi escapan a nuestras capacidades auditivas humanas.
Ejemplos de música microtonal
La microtonalidad es un tipo de música en la que los intervalos entre notas se dividen en incrementos más pequeños que en los sistemas de afinación tradicionales, como el temperamento igual de doce tonos. Esto permite crear texturas musicales inusuales e interesantes. Los ejemplos de música microtonal abarcan una variedad de géneros, desde el clásico hasta el experimental y más allá. Exploremos algunos de ellos.
harry partch
Harry Partch es uno de los pioneros más conocidos en el mundo de la música microtonal. Al compositor, teórico y constructor de instrumentos estadounidense Partch se le atribuye en gran medida la creación y el desarrollo del género.
Partch era conocido por crear o inspirar a toda una familia de instrumentos microtonales, incluidos el violín adaptado, la viola adaptada, Chromelodeon (1973), Harmonic Canon I, Cloud Chamber Bowls, Marimba Eroica y Diamond Marimba, entre otros. Llamó a toda su familia de instrumentos instrumentos 'corpóreos', es decir, los diseñó con características sonoras específicas para resaltar los sonidos específicos que quería expresar en su música.
El repertorio de Partch incluye algunas obras seminales: The Bewitched (1948-9), Edipo (1954) y And on the Seventh Day Petals Fell in Petaluma (1959). En estos trabajos, Partch mezcló el sistema de afinación de entonación que fue construido por Partech con estilos de interpretación de percusión y conceptos interesantes como palabras habladas. Su estilo es único, ya que fusiona pasajes melódicos y técnicas de vanguardia con mundos musicales más allá de los límites tonales de Europa occidental.
Las importantes contribuciones de Partch hacia la microtonalidad continúan siendo influyentes hoy en día porque les dio a los compositores una forma de explorar afinaciones más allá de las utilizadas en las tonalidades occidentales convencionales. Creó algo realmente original con su amalgama de varios hilos de otras culturas musicales de todo el mundo, en particular, melodías populares japonesas e inglesas, a través de su estilo corporativo, que incluye tambores en cuencos de metal o bloques de madera y cantar en botellas o jarrones. ¡Harry Partch se destaca como un ejemplo extraordinario de un compositor que experimentó con enfoques emocionantes para crear música microtonal!
lou harrison
Lou Harrison fue un compositor estadounidense que escribió extensamente en música microtonal, a menudo denominado el "maestro estadounidense de los microtonos". Exploró múltiples sistemas de afinación, incluido su propio sistema de entonación justa.
Su pieza “La Koro Sutro” es un gran ejemplo de música microtonal, utilizando una escala no estándar compuesta por 11 notas por octava. La estructura de esta pieza se basa en la ópera china e incluye el uso de sonidos no tradicionales como cuencos tibetanos e instrumentos de cuerda asiáticos.
Otras piezas de Harrison que ejemplifican su prolífico trabajo en microtonalidad incluyen "A Mass for Peace", "The Grand Duo" y "Four Strict Songs Rambling". Incluso profundizó en el free jazz, como su pieza de 1968 "Future Music from Maine". Al igual que con algunos de sus trabajos anteriores, esta pieza se basa solo en sistemas de afinación de entonación para sus tonos. En este caso, los intervalos de tono se basan en lo que se conoce como un sistema de series armónicas, una técnica común de entonación justa para generar armonía.
Las obras microtonales de Harrison demuestran una hermosa complejidad y sirven como puntos de referencia para aquellos que buscan formas interesantes de expandir la tonalidad tradicional en sus propias composiciones.
ben johnston
El compositor estadounidense Ben Johnston es considerado uno de los compositores más destacados en el mundo de la música microtonal. Sus obras incluyen Variaciones para orquesta, Cuartetos de cuerda 3-5, su magnum opus Sonata para piano microtonal y varias otras obras notables. En estas piezas, a menudo emplea sistemas de afinación alternativos o microtonos, que le permiten explorar más posibilidades armónicas que no son posibles con el tradicional temperamento igual de doce tonos.
Johnston desarrolló lo que se llama la entonación justa extendida, en la que cada intervalo se compone de varios sonidos diferentes dentro de un rango de dos octavas. Escribió piezas de prácticamente todos los géneros musicales, desde ópera hasta música de cámara y obras generadas por computadora. Sus obras pioneras sentaron las bases para una nueva era en términos de música microtonal. Logró un importante reconocimiento entre músicos y académicos, ganándose numerosos premios a lo largo de su exitosa carrera.
Cómo usar la microtonalidad en la música
El uso de la microtonalidad en la música puede abrir un nuevo conjunto de posibilidades para crear música única e interesante. La microtonalidad permite el uso de intervalos y acordes que no se encuentran en la música occidental tradicional, lo que permite la exploración y experimentación musical. Este artículo repasará qué es la microtonalidad, cómo se usa en la música y cómo incorporarla en tus propias composiciones.
Elige un sistema de afinación
Antes de poder usar la microtonalidad en la música, debe elegir un sistema de afinación. Existen muchos sistemas de afinación y cada uno es adecuado para diferentes tipos de música. Los sistemas de afinación comunes incluyen:
-Entonación justa: la entonación justa es un método de afinación de notas a intervalos puros que suenan muy agradables y naturales. Se basa en proporciones matemáticas perfectas y utiliza únicamente intervalos puros (como tonos enteros, quintas, etc.). A menudo se usa en música clásica y etnomusicológica.
-Temperamento igual: el temperamento igual divide la octava en doce intervalos iguales para crear un sonido uniforme en todas las teclas. Este es el sistema más común utilizado hoy en día por los músicos occidentales, ya que se presta bien a melodías que se modulan con frecuencia o se mueven entre diferentes tonalidades.
-Temperamento de tono medio: el temperamento de tono medio divide la octava en cinco partes desiguales para garantizar la entonación justa de los intervalos clave (haciendo que ciertas notas o escalas sean más consonantes que otras) y puede ser particularmente útil para músicos especializados en música renacentista, música barroca o alguna otra. formas de música folclórica.
-Temperamento armónico: este sistema se diferencia del temperamento igual al introducir ligeras variaciones para producir un sonido más cálido y natural que no canse a los oyentes durante largos períodos de tiempo. A menudo se utiliza para géneros de música del mundo y jazz de improvisación, así como composiciones clásicas para órgano escritas durante el período barroco.
Comprender qué sistema se adapta mejor a sus necesidades lo ayudará a tomar decisiones informadas al crear sus piezas microtonales y también iluminará ciertas opciones de composición que tiene disponibles al escribir sus piezas.
Elige un instrumento microtonal
El uso de la microtonalidad en la música comienza con la elección del instrumento. Muchos instrumentos, como pianos y guitarras, están diseñados para una afinación de temperamento igual, un sistema que estructura los intervalos utilizando la clave de octava de 2:1. En este sistema de afinación, todas las notas se dividen en 12 intervalos iguales, llamados semitonos.
Un instrumento diseñado para una afinación de temperamento igual se limita a tocar en un sistema tonal con solo 12 tonos distintos por octava. Para producir colores tonales más precisos entre esos 12 tonos, debe usar un instrumento diseñado para microtonalidad. Estos instrumentos son capaces de producir más de 12 tonos distintos por octava utilizando varios métodos diferentes: algunos instrumentos microtonales típicos incluyen instrumentos de cuerda sin trastes como guitarra electrica, cuerdas frotadas como violín y viola, instrumentos de viento madera y ciertos teclados (como los flexatones).
La mejor elección de instrumento dependerá de tu estilo y preferencias de sonido: algunos músicos prefieren trabajar con instrumentos tradicionales clásicos o folclóricos, mientras que otros experimentan con colaboraciones electrónicas u objetos encontrados, como pipas o botellas recicladas. Una vez que haya elegido su instrumento, ¡es hora de explorar el mundo de la microtonalidad!
Practica la improvisación microtonal
Al comenzar a trabajar con microtonos, practicar sistemáticamente la improvisación microtonal puede ser un excelente punto de partida. Al igual que con cualquier práctica de improvisación, es importante realizar un seguimiento de lo que está tocando y analizar su progreso.
Durante la práctica de la improvisación microtonal, esfuércese por familiarizarse con las capacidades de sus instrumentos y desarrolle una forma de tocar que refleje sus propios objetivos musicales y compositivos. También debes tomar nota de cualquier patrón o motivo que surja mientras improvisas. Es increíblemente valioso reflexionar sobre lo que parecía funcionar bien durante un pasaje improvisado, ya que este tipo de rasgos o figuras se pueden incorporar a tus composiciones más adelante.
La improvisación es particularmente útil para desarrollar la fluidez en el uso de los microtonos, ya que cualquier problema técnico con el que te encuentres en el proceso de improvisación se puede abordar más adelante durante las fases de composición. ¡Proyectar hacia adelante en términos de técnica y objetivos creativos le brinda más libertad creativa para cuando algo no funciona como lo planeó! Las improvisaciones microtonales también pueden tener bases sólidas en la tradición musical: ¡considere explorar sistemas musicales no occidentales profundamente arraigados en varias prácticas microtonales como las que se encuentran entre las tribus beduinas del norte de África, entre muchas otras!
Conclusión
En conclusión, la microtonalidad es una forma relativamente nueva pero significativa de composición e interpretación musical. Esta forma de composición implica manipular la cantidad de tonos disponibles dentro de una octava para crear sonidos y estados de ánimo únicos y nuevos. Aunque la microtonalidad ha existido durante siglos, se ha vuelto cada vez más popular en las últimas dos décadas. No solo ha permitido una mayor creación musical, sino que también ha permitido a ciertos compositores expresar ideas que antes hubieran sido imposibles. Al igual que con cualquier tipo de música, la creatividad y el conocimiento de un artista serán fundamentales para garantizar que la música microtonal alcance su máximo potencial.
Soy Joost Nusselder, el fundador de Neaera y comercializador de contenido, papá, y me encanta probar nuevos equipos con la guitarra en el corazón de mi pasión, y junto con mi equipo, he estado creando artículos de blog detallados desde 2020 para ayudar a los lectores leales con consejos de grabación y guitarra.
