Mikrotonalität ist ein Begriff, der häufig verwendet wird, um Musik zu beschreiben, die mit Intervallen komponiert wurde, die kleiner als der traditionelle westliche Halbton sind.
Es versucht, sich von der traditionellen Musikstruktur zu lösen und sich stattdessen auf einzigartige Intervalle zu konzentrieren, wodurch vielfältigere und ausdrucksstärkere subjektive Klanglandschaften entstehen.
Mikrotonale Musik hat in den letzten zehn Jahren einen Popularitätsschub erfahren, da Komponisten zunehmend neue Ausdrucksmöglichkeiten durch ihre Musik erforschen.
Es ist am häufigsten in elektronischen und elektronischen Genres wie EDM zu finden, findet aber unter anderem auch seinen Weg in Pop, Jazz und klassische Stile.
Mikrotonalität erweitert die Palette der Instrumente und Klänge, die in der Komposition verwendet werden, und ermöglicht es, völlig einzigartige Klangfelder zu schaffen, die nur durch die Verwendung von Mikrotönen gehört werden können.
Zusätzlich zu ihren kreativen Anwendungen dient mikrotonale Musik auch einem analytischen Zweck – sie ermöglicht es Musikern, ungewöhnliche Stimmungssysteme und Skalen mit größerer Genauigkeit zu studieren oder zu analysieren, als dies mit der „traditionellen“ gleichschwebenden Stimmung (unter Verwendung von Halbtönen) erreicht werden könnte.
Dies ermöglicht eine genauere Untersuchung der harmonischen Frequenzbeziehungen zwischen Noten.
Definition von Mikrotonalität
Mikrotonalität ist ein Begriff, der in der Musiktheorie verwendet wird, um Musik mit Intervallen von weniger als einem Halbton zu beschreiben. Es sind die Begriffe, die für Intervalle verwendet werden, die kleiner als der halbe Schritt der westlichen Musik sind. Mikrotonalität ist nicht auf westliche Musik beschränkt und findet sich in der Musik vieler Kulturen auf der ganzen Welt. Lassen Sie uns untersuchen, was dieses Konzept in Musiktheorie und Komposition bedeutet.
Was ist ein Mikroton?
Ein Mikroton ist eine Maßeinheit, die in der Musik verwendet wird, um eine Tonhöhe oder einen Ton zu beschreiben, der zwischen den Tönen der traditionellen westlichen 12-Ton-Stimmung liegt. Diese Organisation wird oft als „mikrotonal“ bezeichnet und wird häufig in der klassischen und Weltmusik verwendet und erfreut sich bei Komponisten und Zuhörern gleichermaßen wachsender Beliebtheit.
Mikrotöne sind nützlich, um ungewöhnliche Texturen und unerwartete harmonische Variationen innerhalb eines gegebenen Tonsystems zu erzeugen. Während die traditionelle 12-Ton-Stimmung eine Oktave in zwölf Halbtöne unterteilt, verwendet die Mikrotonalität Intervalle, die viel feiner sind als die in der klassischen Musik, wie Vierteltöne, Terzen und noch kleinere Unterteilungen, die als „ultrapolyphone“ Intervalle bekannt sind. Diese sehr kleinen Einheiten können oft einen einzigartigen Klang liefern, der beim Hören mit dem menschlichen Ohr möglicherweise schwer zu unterscheiden ist, oder der völlig neue musikalische Kombinationen schaffen kann, die noch nie zuvor erforscht wurden.
Die Verwendung von Mikrotönen ermöglicht es Interpreten und Zuhörern, auf einer sehr einfachen Ebene mit musikalischem Material zu interagieren, was ihnen oft erlaubt, subtile Nuancen zu hören, die sie vorher nicht hätten hören können. Diese nuancierten Interaktionen sind unerlässlich, um komplexe harmonische Beziehungen zu erforschen, einzigartige Klänge zu erzeugen, die mit herkömmlichen Instrumenten wie Klavieren oder Gitarren nicht möglich sind, oder durch Zuhören völlig neue Welten der Intensität und des Ausdrucks zu entdecken.
Wie unterscheidet sich Mikrotonalität von traditioneller Musik?
Mikrotonalität ist eine musikalische Technik, die es ermöglicht, Noten in kleinere Einheiten zu unterteilen als die in der traditionellen westlichen Musik verwendeten Intervalle, die auf Halb- und Ganztonschritten basieren. Es verwendet Intervalle, die viel schmaler sind als die der klassischen Tonalität, und unterteilt die Oktave in bis zu 250 oder mehr Töne. Anstatt sich auf die Dur- und Moll-Tonleiter traditioneller Musik zu verlassen, erstellt mikrotonale Musik ihre eigenen Skalen, indem sie diese kleineren Unterteilungen verwendet.
Mikrotonale Musik erzeugt oft unerwartete Dissonanzen (scharf kontrastierende Kombinationen von zwei oder mehr Tonhöhen), die die Aufmerksamkeit auf eine Weise lenken, die mit traditionellen Tonleitern nicht erreichbar wäre. In traditioneller Harmonie neigen Cluster von Noten über vier dazu, aufgrund ihres Zusammenpralls und ihrer Instabilität ein unangenehmes Gefühl zu erzeugen. Im Gegensatz dazu können die durch mikrotonale Harmonie erzeugten Dissonanzen je nach Anwendung sehr angenehm klingen. Diese Besonderheit kann einem Musikstück eine ausgefeilte Textur, Tiefe und Komplexität verleihen, die einen kreativen Ausdruck und eine Erkundung durch verschiedene Klangkombinationen ermöglicht.
In der mikrotonalen Musik besteht für bestimmte Komponisten auch die Möglichkeit, ihr kulturelles Erbe in ihre Kompositionen einfließen zu lassen, indem sie auf nicht-westliche klassische Musiktraditionen wie nordindische Ragas oder afrikanische Tonleitern zurückgreifen, in denen Vierteltöne oder noch feinere Unterteilungen verwendet werden. Mikrotonale Musiker haben einige Elemente dieser Formen übernommen und sie gleichzeitig zeitgemäß gemacht, indem sie sie mit Elementen westlicher Musikstile kombiniert haben, was eine aufregende neue Ära der musikalischen Erforschung einleitet!
Geschichte der Mikrotonalität
Die Mikrotonalität hat eine lange, reiche Geschichte in der Musik, die bis zu den frühesten musikalischen Traditionen und Kulturen zurückreicht. Mikrotonale Komponisten wie Harry Partch und Alois Hába schreiben seit dem frühen 20. Jahrhundert mikrotonale Musik, und mikrotonale Instrumente gibt es sogar noch länger. Während Mikrotonalität oft mit moderner Musik in Verbindung gebracht wird, hat sie Einflüsse von Kulturen und Praktiken auf der ganzen Welt. In diesem Abschnitt werden wir die Geschichte der Mikrotonalität untersuchen.
Alte und Alte Musik
Mikrotonalität – die Verwendung von Intervallen von weniger als einem halben Schritt – hat eine lange und reiche Geschichte. Der altgriechische Musiktheoretiker Pythagoras entdeckte die Gleichung musikalischer Intervalle mit Zahlenverhältnissen und ebnete damit Musiktheoretikern wie Eratosthenes, Aristoxenus und Ptolemäus den Weg, ihre Theorien der musikalischen Stimmung zu entwickeln. Die Einführung von Tasteninstrumenten im 17. Jahrhundert schuf neue Möglichkeiten für die mikrotonale Erforschung und machte es viel einfacher, mit Verhältnissen zu experimentieren, die über die traditioneller temperierter Stimmungen hinausgehen.
Bis zum 19. Jahrhundert war ein Verständnis erreicht worden, das die mikrotonale Sensibilität beinhaltete. Entwicklungen wie die ratiomorphe Zirkulation in Frankreich (d'Indy und Debussy) führten zu weiteren Experimenten in mikrotonalen Kompositions- und Stimmsystemen. In Russland erforschte Arnold Schönberg Vierteltonskalen und eine Reihe russischer Komponisten erforschten unter Alexander Skrjabins Einfluss freie Harmonik. In Deutschland folgte der Komponist Alois Hába, der sein System auf der Grundlage von Vierteltönen entwickelte, aber dennoch an traditionellen harmonischen Prinzipien festhielt. Später entwickelte Partch sein eigenes reines Stimmungssystem, das noch heute bei einigen Enthusiasten (z. B. Richard Coulter) beliebt ist.
Das 20. Jahrhundert erlebte einen großen Aufschwung der mikrotonalen Komposition in vielen Genres, darunter Klassik, Jazz, moderne Avantgarde und Minimalismus. Terry Riley war einer der frühen Befürworter des Minimalismus, und La Monte Young verwendete erweiterte Obertöne, einschließlich Obertöne, die zwischen den Noten auftraten, um Klanglandschaften zu schaffen, die das Publikum mit nichts als Sinuswellengeneratoren und Drohnen verzauberten. Frühe Instrumente wie das Quartetto d'accordi wurden speziell für diese Zwecke mit Dienstleistungen von unorthodoxen Herstellern oder Sonderanfertigungen von Studenten gebaut, die etwas Neues ausprobierten. In jüngerer Zeit haben Computer einen noch besseren Zugang zu mikrotonalen Experimenten mit neuartigen Controllern ermöglicht, die speziell für diesen Zweck entwickelt wurden, während Softwarepakete es Komponisten ermöglichen, die unendlichen Möglichkeiten der experimentellen Musikproduktion mit Mikrotonalität einfacher zu erkunden, die frühere Künstler aufgrund der bloßen Anzahl vor einer manuellen Steuerung zurückgeschreckt hätten beteiligte oder physische Einschränkungen, die einschränken, was sie zu einem bestimmten Zeitpunkt melodisch kontrollieren können.
Mikrotonale Musik des 20. Jahrhunderts
Während des 20. Jahrhunderts begannen modernistische Komponisten, mit mikrotonalen Kombinationen zu experimentieren, um sich von traditionellen Klangformen zu lösen und unsere Ohren herauszufordern. Nach einer Zeit der Erforschung von Stimmsystemen und der Erforschung von Viertelton-, Quintton- und anderen mikrotonalen Harmonien tauchten Mitte des XNUMX. Jahrhunderts Pioniere der Mikrotonalität wie Charles Ives, Charles Seeger und George Crumb auf.
Charles Seeger war ein Musikwissenschaftler, der sich für eine integrierte Tonalität einsetzte – ein System, in dem alle zwölf Noten gleichmäßig gestimmt sind und in der musikalischen Komposition und Aufführung die gleiche Bedeutung haben. Seeger schlug auch vor, dass Intervalle wie Quinten in Terzen oder Septimen unterteilt werden sollten, anstatt durch eine Oktave oder eine reine Quarte harmonisch verstärkt zu werden.
In den späten 1950er Jahren entwickelte der französische Musiktheoretiker Abraham Moles das, was er „Ultraphonie“ oder „Chromatophonie“ nannte, wobei eine 24-Noten-Tonleiter in zwei Gruppen von zwölf Noten innerhalb einer Oktave statt in eine einzelne chromatische Tonleiter unterteilt wird. Dies ermöglichte simultane Dissonanzen wie Tritonus oder übermäßige Quarten, die auf Alben wie Pierre Boulez' Third Piano Sonata oder Roger Reynolds' Four Fantasies (1966) zu hören sind.
In jüngerer Zeit haben auch andere Komponisten wie Julian Anderson diese Welt der neuen Klangfarben erforscht, die durch mikrotonale Schreibweise ermöglicht werden. In der modernen klassischen Musik werden Mikrotöne verwendet, um Spannung und Ambivalenz durch subtile, aber schön klingende Dissonanzen zu erzeugen, die sich unserem menschlichen Hörvermögen gerade noch entziehen.
Beispiele mikrotonaler Musik
Mikrotonalität ist eine Musikart, bei der die Intervalle zwischen den Noten in kleinere Schritte unterteilt sind als bei traditionellen Stimmungssystemen wie der gleichschwebenden Zwölftonstimmung. Dadurch können ungewöhnliche und interessante musikalische Texturen erzeugt werden. Beispiele für mikrotonale Musik umfassen eine Vielzahl von Genres, von klassisch bis experimentell und darüber hinaus. Lassen Sie uns einige davon erkunden.
Harry Partsch
Harry Partch ist einer der bekanntesten Pioniere in der Welt der mikrotonalen Musik. Dem amerikanischen Komponisten, Theoretiker und Instrumentenbauer Partch wird weitgehend die Schaffung und Entwicklung des Genres zugeschrieben.
Partch war dafür bekannt, eine ganze Familie mikrotonaler Instrumente zu erschaffen oder zu inspirieren, darunter Adapted Violin, Adapted Viola, Chromelodeon (1973), Harmonic Canon I, Cloud Chamber Bowls, Marimba Eroica und Diamond Marimba – unter anderem. Seine gesamte Instrumentenfamilie nannte er „körperliche“ Instrumente – das heißt, er entwarf sie mit spezifischen Klangeigenschaften, um bestimmte Klänge hervorzubringen, die er in seiner Musik ausdrücken wollte.
Das Repertoire von Partch umfasst einige wegweisende Werke – The Bewitched (1948-9), Oedipus (1954) und And on the Seventh Day Petals Fell in Petaluma (1959). In diesen Werken mischte Partch nur das Intonations-Tuning-System, das von Partech gebaut wurde, mit perkussiven Spielstilen und interessanten Konzepten wie gesprochenen Wörtern. Sein Stil ist einzigartig, da er melodische Passagen sowie avantgardistische Techniken mit musikalischen Welten jenseits der klanglichen Grenzen Westeuropas verbindet
Partchs wichtige Beiträge zur Mikrotonalität sind auch heute noch einflussreich, weil er Komponisten einen Weg gab, Stimmungen zu erforschen, die über die in konventionellen westlichen Tonarten verwendeten hinausgehen. Er schuf etwas wirklich Originelles mit seiner Verschmelzung verschiedener Stränge aus anderen Musikkulturen auf der ganzen Welt – insbesondere japanische und englische Volkslieder – über seinen Corporate Style, der das Trommeln auf Metallschalen oder Holzblöcken und das Singen in Flaschen oder Vasen umfasst. Harry Partch ist ein außergewöhnliches Beispiel für einen Komponisten, der mit aufregenden Ansätzen zur Schaffung mikrotonaler Musik experimentierte!
Lou Harrison
Lou Harrison war ein amerikanischer Komponist, der sich intensiv mit mikrotonaler Musik beschäftigte und oft als „amerikanischer Meister der Mikrotöne“ bezeichnet wurde. Er erforschte mehrere Stimmsysteme, einschließlich seines eigenen reinen Intonationssystems.
Sein Stück „La Koro Sutro“ ist ein großartiges Beispiel für mikrotonale Musik, die eine nicht standardmäßige Tonleiter verwendet, die aus 11 Noten pro Oktave besteht. Die Struktur dieses Stücks basiert auf der chinesischen Oper und beinhaltet die Verwendung von nicht-traditionellen Klängen wie Klangschalen und asiatischen Saiteninstrumenten.
Andere Stücke von Harrison, die seine produktive Arbeit in der Mikrotonalität veranschaulichen, sind „A Mass for Peace“, „The Grand Duo“ und „Four Strict Songs Rambling“. Er befasste sich sogar mit Free Jazz, wie beispielsweise seinem Stück „Future Music from Maine“ von 1968. Wie bei einigen seiner früheren Werke stützt sich dieses Stück nur auf Intonations-Stimmungssysteme für seine Tonhöhen. In diesem Fall basieren die Tonhöhenintervalle auf einem sogenannten harmonischen Reihensystem – einer gängigen reinen Intonationstechnik zur Erzeugung von Harmonien.
Harrisons mikrotonale Werke zeigen eine schöne Komplexität und dienen als Maßstab für diejenigen, die nach interessanten Wegen suchen, die traditionelle Tonalität in ihren eigenen Kompositionen zu erweitern.
Ben Johnston
Der amerikanische Komponist Ben Johnston gilt als einer der prominentesten Komponisten in der Welt der mikrotonalen Musik. Zu seinen Werken gehören Variationen für Orchester, Streichquartette 3-5, sein Hauptwerk Sonate für mikrotonales Klavier und mehrere andere bemerkenswerte Werke. In diesen Stücken verwendet er oft alternative Stimmungssysteme oder Mikrotöne, die es ihm ermöglichen, weitere harmonische Möglichkeiten zu erforschen, die mit der traditionellen gleichschwebenden Zwölftonstimmung nicht möglich sind.
Johnston entwickelte die sogenannte Extended Just Intonation, bei der jedes Intervall aus einer Reihe verschiedener Klänge innerhalb eines Bereichs von zwei Oktaven zusammengesetzt ist. Er schrieb Stücke in nahezu allen musikalischen Genres – von der Oper über Kammermusik bis hin zu computergenerierten Werken. Seine bahnbrechenden Werke ebnen den Weg für ein neues Zeitalter der mikrotonalen Musik. Er erlangte unter Musikern und Akademikern große Anerkennung und gewann im Laufe seiner erfolgreichen Karriere zahlreiche Auszeichnungen.
Wie man Mikrotonalität in der Musik verwendet
Die Verwendung von Mikrotonalität in der Musik kann eine ganze Reihe neuer Möglichkeiten eröffnen, um einzigartige, interessante Musik zu schaffen. Die Mikrotonalität ermöglicht die Verwendung von Intervallen und Akkorden, die in der traditionellen westlichen Musik nicht zu finden sind, und ermöglicht so musikalische Erkundungen und Experimente. In diesem Artikel erfahren Sie, was Mikrotonalität ist, wie sie in der Musik verwendet wird und wie Sie sie in Ihre eigenen Kompositionen integrieren können.
Wählen Sie ein Stimmsystem
Bevor Sie Mikrotonalität in der Musik verwenden können, müssen Sie ein Stimmsystem auswählen. Es gibt viele Stimmsysteme, und jedes ist für verschiedene Arten von Musik geeignet. Gängige Stimmsysteme sind:
-Just Intonation: Just Intonation ist eine Methode, Noten auf reine Intervalle zu stimmen, die sehr angenehm und natürlich klingen. Es basiert auf perfekten mathematischen Verhältnissen und verwendet nur reine Intervalle (wie Ganztöne, Quinten usw.). Es wird häufig in der klassischen und musikethnologischen Musik verwendet.
-Gleichschwebende Stimmung: Gleichschwebende Stimmung unterteilt die Oktave in zwölf gleiche Intervalle, um einen konsistenten Klang über alle Tonarten hinweg zu erzeugen. Dies ist das heute von westlichen Musikern am häufigsten verwendete System, da es sich gut für Melodien eignet, die häufig modulieren oder sich zwischen verschiedenen Tonarten bewegen.
- Mitteltönige Stimmung: Die mitteltönige Stimmung teilt die Oktave in fünf ungleiche Teile, um eine gerechte Intonation für wichtige Intervalle zu gewährleisten – wodurch bestimmte Noten oder Tonleitern konsonanter als andere werden – und kann besonders nützlich für Musiker sein, die sich auf Renaissancemusik, Barockmusik oder andere spezialisiert haben Formen der Volksmusik.
-Harmonische Stimmung: Dieses System unterscheidet sich von der gleichschwebenden Stimmung, indem es leichte Variationen einführt, um einen wärmeren, natürlicheren Klang zu erzeugen, der die Zuhörer über lange Zeiträume nicht ermüdet. Es wird häufig für improvisierte Jazz- und Weltmusikgenres sowie für klassische Orgelkompositionen verwendet, die während der Barockzeit geschrieben wurden.
Zu verstehen, welches System am besten zu Ihren Bedürfnissen passt, wird Ihnen helfen, fundierte Entscheidungen zu treffen, wenn Sie Ihre mikrotonalen Stücke erstellen, und wird auch bestimmte kompositorische Optionen beleuchten, die Ihnen beim Schreiben Ihrer Stücke zur Verfügung stehen.
Wählen Sie ein mikrotonales Instrument
Die Verwendung von Mikrotonalität in der Musik beginnt mit der Wahl des Instruments. Viele Instrumente, wie Klaviere und Gitarren, sind für die gleichschwebende Stimmung ausgelegt – ein System, das Intervalle mit der Oktavlage von 2:1 strukturiert. In diesem Stimmsystem werden alle Noten in 12 gleiche Intervalle, Halbtöne genannt, unterteilt.
Ein Instrument, das für eine gleichtemperierte Stimmung ausgelegt ist, ist auf das Spielen in einem Tonsystem mit nur 12 unterschiedlichen Tonhöhen pro Oktave beschränkt. Um präzisere Klangfarben zwischen diesen 12 Tonhöhen zu erzeugen, müssen Sie ein für Mikrotonalität ausgelegtes Instrument verwenden. Diese Instrumente sind in der Lage, mit verschiedenen Methoden mehr als 12 verschiedene Töne pro Oktave zu erzeugen – einige typische mikrotonale Instrumente umfassen bundlose Saiteninstrumente wie elektrische Gitarre, Streichinstrumente wie Violine und Bratsche, Holzbläser und bestimmte Keyboards (z. B. Flexatone).
Die beste Wahl des Instruments hängt von Ihrem Stil und Ihren Klangpräferenzen ab – einige Musiker arbeiten lieber mit traditionellen klassischen oder Folk-Instrumenten, während andere mit elektronischen Kollaborationen oder Fundstücken wie recycelten Pfeifen oder Flaschen experimentieren. Sobald Sie Ihr Instrument ausgewählt haben, ist es an der Zeit, die Welt der Mikrotonalität zu erkunden!
Übe mikrotonale Improvisation
Wenn Sie anfangen, mit Mikrotönen zu arbeiten, kann das systematische Üben mikrotonaler Improvisation ein guter Ausgangspunkt sein. Wie bei jeder Improvisationspraxis ist es wichtig, zu verfolgen, was Sie spielen, und Ihren Fortschritt zu analysieren.
Bemühen Sie sich beim Üben der mikrotonalen Improvisation, sich mit den Fähigkeiten Ihrer Instrumente vertraut zu machen und eine Spielweise zu entwickeln, die Ihre eigenen musikalischen und kompositorischen Ziele widerspiegelt. Beachten Sie auch Muster oder Motive, die beim Improvisieren entstehen. Es ist unglaublich wertvoll, darüber nachzudenken, was während einer improvisierten Passage gut zu funktionieren schien, da diese Art von Zügen oder Figuren später in Ihre Kompositionen eingebaut werden können.
Improvisation ist besonders nützlich, um einen fließenden Umgang mit Mikrotönen zu entwickeln, da alle technischen Probleme, auf die Sie im Improvisationsprozess stoßen, später während der Kompositionsphasen angesprochen werden können. Wenn Sie in Bezug auf Technik und kreative Ziele vorausschauen, haben Sie mehr kreative Freiheit, wenn etwas nicht ganz so funktioniert wie geplant! Mikrotonale Improvisationen können auch ein starkes Fundament in der Musiktradition haben – erwägen Sie die Erforschung nicht-westlicher Musiksysteme, die tief in verschiedenen mikrotonalen Praktiken verwurzelt sind, wie sie unter anderem bei Beduinenstämmen aus Nordafrika zu finden sind!
Zusammenfassung
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Mikrotonalität eine relativ neue, aber bedeutende Form der musikalischen Komposition und Aufführung ist. Bei dieser Form der Komposition wird die Anzahl der innerhalb einer Oktave verfügbaren Töne manipuliert, um sowohl einzigartige als auch neue Klänge und Stimmungen zu erzeugen. Obwohl es die Mikrotonalität schon seit Jahrhunderten gibt, ist sie in den letzten Jahrzehnten immer beliebter geworden. Es hat nicht nur ein größeres musikalisches Schaffen ermöglicht, sondern auch bestimmten Komponisten ermöglicht, Ideen auszudrücken, die vorher unmöglich gewesen wären. Wie bei jeder Art von Musik sind die Kreativität und das Wissen eines Künstlers von größter Bedeutung, um sicherzustellen, dass mikrotonale Musik ihr volles Potenzial entfaltet.
Ich bin Joost Nusselder, der Gründer von Neaera und Content-Marketer, Papa, und liebe es, neues Equipment auszuprobieren, wobei die Gitarre das Herzstück meiner Leidenschaft ist, und zusammen mit meinem Team erstelle ich seit 2020 ausführliche Blogartikel um treuen Lesern mit Aufnahme- und Gitarrentipps zu helfen.
